Acusan de glorificar el terrorismo a un museo público de París por las fotos de una artista palestina.

Fuente: 20minutos

Escribe Montserrat Rodríguez, psicoanalista, responsable del dispositivo psicoanalítico que durante diez años (2002-2011) ha funcionado en el MACBA en colaboración con sujetos adultos diagnosticados de patologías mentales graves. Trataré de transmitir algo de lo que resulta de esta acción política y clínica sostenida en este museo; sostenida y paradójicamente silenciada por la misma institución que la promueve.

Con Luis no se dio una circunstancia similar a la de Aby Warburg, pero en muchas ocasiones recordé al historiador alemán. Refiero una. Luis, ante una obra  que en su construcción contaba con la emisión de aire, dijo: ” esta obra habla de la continuidad, de lo infinito, y de la separación aparente”. Pregunté de qué continuidad hablaba, y añadió: “este objeto produce algo, aire, que está en todas partes y la tela que lo cubre separa (visualmente) la obra del contexto; pero realmente no separa porque deja pasar lo que se produce en su interior, que es lo mismo que hay afuera, aire”. Continué preguntando sobre el sentido de la tela que cubría el ventilador, y respondió así: “es ahí donde se observa el movimiento”; entonces, pregunté, ¿ese movimiento tiene que ver con el engaño? “La separación es un engaño”, respondió. Inevitable pensar en Joyce, en la lectura que Lacan hace del texto de Joyce, en su escritura, en la función reguladora de esa película que participa de lo interior y de lo exterior, interfaz de lo somático y lo mítico pulsional en Freud, y de lo real en lo simbólico en Lacan. Luis, sin conocer la teoría psicoanalítica planteaba con su lectura la función del sinthome, hablaba de los Nombres del Padre en un momento en el que se estaba armando la posible matriz de su sinthome, de lo que si se constituía le podría servir de articulación social: teníamos algún indicio, legible en sus actos y en su escritura. 

Ahí estábamos, conversando alrededor de aquélla obra; la emanación invisible hizo que Luis, para hacerse entender por los otros colaboradores, acercara la mano al objeto invitando a los demás a que experimentaran el aire que traspasaba el filtro. Nadie tocó la pieza, solo acercaron las manos; un vigilante de sala también se acercó advirtiendo que no podíamos aproximarnos de esa manera a las obras. Nos retiramos al aula. Alguien recordó que también estaba prohibido tocar el piano preparado de Cage, aunque hubo toque, y también se tocó una de las obras de R. Graham: alguien robó uno de los tomos de las obras completas de Freud, parte de una obra, y la pieza se expuso así. En esta ocasión, la conversación se centró en la cuestión de la semejanza y la identidad derivada de la pregunta sobre el consentimiento del artista en exponer algo que no era lo que él había construido, ya que el robo modificaba la obra.¡Que intenso! 

Luis no cuenta con los recursos de Warburg. La esquizofrenia se desencadenó en el inicio de los estudios universitarios; ahí se paró su vida: el desencadenamiento lo separó de la vitalidad, del deseo de saber. El segundo año de trabajo en el Macba retomó lo que había dejado más de veinte años atrás. Su producción, verbal y gráfico plástica daba para pensar que estábamos en marcha construyendo la matriz  de una suplencia, de sus formalizaciones, además de ir sabiendo, gracias a sus lecturas, de la estructura de estas matrices en las producciones de algunos artistas cuyas obras estaban en exposición.

Hoy hablamos de Luis. Escucharle nos llevó a aprender mucho; el corte abrupto en el trabajo hizo que él no pudiera llevarse su parte. Si quieren podemos tocar el tema. Un avance. Este documento se inscribe en una acción epistolar propiciada por ¿La muerte de la clínica?, conferencia que Beatriz Preciado dio en el MNACRS en marzo de 2013 ( visible en you tube). Las cartas, bajo el epígrafe “Las muertes de la clínica” responden a esta conferencia; las voy remitiendo a operadores culturales, algunos vinculados al MACBA y al MNCARS, espacios relacionados con este proyecto clínico o con su causa. Algunas instancias dan acuse de recibo y aunque el silencio ha sido la respuesta mayoritaria, con esta carta se entiende que no cabe la disuasión ni el silencio absoluto sino en aras de una segunda muerte. Se entiende también que las políticas concentracionarias existen en el núcleo de lo que se propugna desde los enunciados que supuestamente actualizan el pensamiento político y las funciones políticas de lo artístico. Hablo de lo real y también de las investiduras del poder. 

De la vertiente científica de esta práctica resultan saberes inéditos sobre la mecánica de los procesos de creación de lenguaje, la consistencia de la producción artística y las lógicas del vínculo social que provienen de una práctica psicoanalítica con pacientes de los Centros de Día de la red de salud mental de Barcelona y su provincia. Eso está ahí; después de diez años de investigación esto se constituye como hecho patrimonial, y aunque hayamos de revisar el concepto, ha de ser público lo que viene de lo público, porque lo que resulta de ahí es del común. 

Sostengo la dimensión subversiva de la constitución de este dispositivo, su vinculación con los antecedentes de la clínica de Jean Oury y Francesc Tosquelles , la expansión de sus límites y la puesta en acto de una pragmática que propone una clínica radicalmente instalada en el derecho de todo sujeto a poder hacer con lo que constituye el ser ciudadano, al margen de los dictados de la tiranía socio- política de la Salud Mental.

No es una práctica orientada a la supuesta elaboración artística, aunque ocasionalmente se diera la producción de escrituras gráfico-plásticas; esta era condición sine qua non para pensar un dispositivo cuyo objeto era saber del devenir del acontecimiento analítico, si acontecía, al margen de los paternalismos de oficio y de toda política evaluadora. 

Si tienen interés en tocar el tema remitiría dos documentos: la colección de cartas a la que me he referido, y el postfacio del ensayo en el que estoy trabajando, resultado de diez años de ensayo político, de una clínica que inaugura su propio régimen de verdad. 

‘No tocar’. ‘Silencio, por favor’. ‘No pisar el césped’. ‘Prohibido hacer fotografías’. Los museos y monumentos están llenos de directrices que acompañan a las personas que las visitan. La mirada penetrante de los vigilantes nunca está lejos para asegurarse de que estas reglas se cumplan. Sus pasillos y paredes respiran solemnidad y seriedad. El disfrute se promueve desde una distancia prudencial.

Conscientes de la frialdad que transmiten estas directrices, The National Trust, el mayor gestor privado de patrimonio histórico en Reino Unido, decidió utilizar estos mismos recursos gráficos para hacer un guiño a sus visitantes. Durante las últimas semanas, la organización ha instalado una serie de señales en sus propiedades que utilizan recursos normalmente asociados con prohibiciones para hacer lo contrario, como ya adelantó Creative Review.

El cartel normalmente utilizado para informar de que hacer fotografías está terminantemente prohibido se convierte en una recomendación como lugar idóneo para capturar imágenes:

Esta zona no solo no está restringida, está reservada especialmente para el ocio y el divertimento:

¡Exclamación! ¿Me estarán diciendo lo que no puedo hacer? Al contrario, me están informando de que este es un sitio donde deberías sentarte (es un lugar precioso, dicen):

La famosa frase “Keep off the Grass” (No pisar el cesped) se convierte en “Keep on the Grass” (Mantente sobre el césped):

“¡ATENCIÓN! La necesitarás para ver la abundancia de fauna y flora en esta zona”:

“Observa las bellas flores salvajes mientras caminas por el bosque. Haz fotos, huele su aroma, disfruta de tu día”:

“Por favor, TOCA los arboles. Incluso abrázalos”:

“La campaña está diseñada para convencer a los visitantes de que exploren, disfruten, saboreen y toquen. Creamos una serie de 9 señales que, a primera vista, parecen advertencias o instrucciones para no hacer nada cuando en realidad piden que hagas lo contrario”, explica The Click, el estudio de diseño británico que ha creado la acción.

La estética respeta el estilo utilizado tradicionalmente por The National Trust para ‘desprohibir’ con elegancia británica.

Gracias a María Domínguez por el pase.

“El zoo humano. Exposición en Berlín”. Fuente: El Mundo

La exposición pretendía escandalizar y lo ha conseguido, hasta el punto de entrar en la agenda del Bundestag alemán. El proyecto artístico que puede visitarse en recinto ferial de Hamburgo Kampnagel consiste en un zoo humano en el que se muestran “ejemplares indeseables dependientes del Estado”.

Un parado, un sin techo, un receptor del programa de ayudas sociales Hartz IV, incluso una madre soltera. Cada ejemplar aparece correspondientemente catalogado y en lo que sería una muestra de su hábitat natural, que en unos casos son cartones sobre los que dormir, en otras botellas de bebidas alcohólicas y, en el caso de los presos, son mostrados en sus celdas, con rejas y todo, lo que termina de redondear la apariencia de zoo humano de la exposición. Los visitantes pueden darles comida, aunque se les recomienda que no se acerquen demasiado.

El grupo artístico vienés God,s Entertaiment, responsable de la exposición, no ha dado muchas explicaciones sobre su intención artística, más allá de llamar la atención sobre los marginados y la discriminación a que la sociedad les somete, pero apenas lleva abierta la exposición tres días, en el marco del Wildlife Art Festival, y los grupos parlamentarios alemanes están ya tomando posiciones en Berlín.

Otra de los participantes en la exposición alemana. | Bild

El portavoz de Política Social de la CSU Max Straubinger, ha calificado el proyecto de “aberrante e inhumano”. “Es cruel y hace un retrato muy negativo de las prestaciones sociales que no se corresponde con la realidad. El programa Hartz IV permite a personas desfavorecidas participar de la vida social, aunque sea en un nivel limitado, pero es una cuerda de conexión con la sociedad, no una condena a la marginación”, se queja.

La política verde Beate Müller-Gemmeke considera que la exposición es “demasiado grosera” y acusa a los organizadores de “escudarse en la libertad de expresión para hacerse publicidad gratuita a costa de marcar como excluidos a aquellos a los que la sociedad hace mucho por integrar”.

El Wildlife Art Festival estudia desde el punto de vista del arte la transformación de las relaciones entre el hombre y los animales. Sus patas académicas son, por así decirlo, tambaleantes, y propone la reflexión sobre asuntos como “el papel de los perros en las culturas totalitarias desde una perspectiva histórica” o la “producción industrial de carne”. Los organizadores del festival defienden la exposición titulada ‘Zoo Humano’ alegando un supuesto planteamiento “zoopolítico”.

“Ding Jinhao estuvo allí”. Pero ya no queda su huella. Del mensaje que un adolescente chino de 15 años dejó escrito con una piedra en una de las paredes del templo de Luxor ya ha desaparecido todo trazo gracias a la rápida labor de los restauradores. Queda, sin embargo, el gesto con el que el joven dañó uno de los lugares más visitados y admirados del país norteafricano, que data de hace 3.500 años.

Los restauradores utilizaron un líquido especial para borrar el grafiti, descubierto por otro turista chino que lo publicó en su blog para denunciar esta gamberrada. “Me siento avergonzado, fue mi momento más infeliz en Egipto”, escribió el compatriota del adolescente.

Después de que varios internautas descubrieran la identidad del joven grafitero, sus padres, que viven en la provincia de Jiangsu, pidieron perdón por el comportamiento del hijo. “Queremos pedir disculpas al pueblo egipcio y a las personas que han prestado atención a este caso en toda China. Ding se ha dado cuenta de la gravedad de su conducta”, han explicado en un comunicado.

Estas son las notas del artista para cada día de visita.

Primera visita: Empieza el último festival In-Presentable. Diez años, diez días, cien artistas.
Mi primera contribución es un plan: mientras dure el festival, cada día a las 10:00 de la mañana haré una visita al Museo del Prado. Durante los primeros quince minutos haré siempre el mismo recorrido en silencio y me expondré a los efectos de las mismas obras. Como quien visita a su familia. Después de esta rutina, se verá lo que se hace dependiendo de los acompañantes de cada día.
Primer día del festival, primera visita. El recorrido fijo se define, finalmente.

1. Entrada por el acceso Jerónimos
2. Joaquim Patinir, El paso de la laguna Estigia. Planta 0, sala 56
3. Roger van der Weyden, El descedimiento. Planta 0, sala 58.
4. Tintoretto, El lavatorio de los pies. Planta 1, sala 25 (galería principal)
5. Annibal Carracci, Venus, Adonis y Cupido. Planta 1, sala 26 (galería principal)
6. Tiziano, Carlos V en la batalla de Muhlberg. Planta 1, sala 27 (galería principal)
7. Desde donde esté mirando el cuadro anterior, me doy media vuelta para ver: Diego de Velázquez, Las Meninas. Planta 1, sala 12
8. Diego Velázquez, Cristo crucificado. Planta 1, sala 14
9. Diego Velázquez, Cabeza de ciervo. Planta 1, sala 10.
10. José de Ribera, El sueño de Jacob. Planta 1, sala 9.

Segunda visita: Madrid no es Lisboa. No tenemos un gran río que amanse el trajín cotidiano de la ciudad, ni un océano en el que recuperar la calma y refrescarse una vez que ha pasado la fiesta de San Antonio y llega el calor. Aquí, en medio de la meseta, el agua está por debajo y, por eso, hay que buscar el frescor donde crecen los árboles, en las verduras que la estupidez urbanística municipal todavía no ha transformado en desoladoras llanuras alicatadas. Entre los pequeños oasis que aun resisten, sin duda destaca el que no deja de crecer a lo largo del paseo del Prado, entre la plaza de Cibeles y Atocha. A esta antigua cañada van a parar las aguas que se filtran desde el parque del Retiro y desde la zona de la Puerta del Sol. Los enormes árboles que allí crecen desde antiguo crean un lugar especialmente fresco y agradable a pesar del ruido de los coches. Entre todos esos plátanos, cedros y magnolios gigantes está el Museo del Prado que, lejos de arruinar el entorno, parece parte natural del jardín. Como sugiere Ángel González es fácil imaginar que los cuadros que se guardan en el museo han nacido y crecido del mismo suelo del que han nacido y crecido los árboles del paseo ( Pintar sin tener ni idea, 2007: 291). Así, podría pensarse que pasear entre los árboles o entre los cuadros  podrían entenderse como cosas parecidas: una manera de buscar el frescor.
En esta segunda visita me dejo llevar por florecillas, hierbas varias, fuentecillas, frondosidades, copas, ramas, cascadas, remansos, arbustos y sombras que aparecen en las pinturas.  El museo despliega todo su frescor de primera hora de la mañana, antes de llenarse del ruido de los visitantes. De repente, todo resulta más llevadero.

Tercera visita: Hoy  sábado 16 de junio de 2012 es día de grandes celebraciones y, con el lío, acabo confundiendo la National Gallery de Londres con el Museo del Prado. De repente todo se parece inquietantemente a Trafalgar Square.  No me espanto, sigo con mi plan: hay que entrar en el museo. Sé que si dejo a mis pies a su aire, ellos me conducirán al origen, al motivo de las celebraciones. Yo no digo nada y me dejo llevar. Cruzamos salas a paso ligero hasta llegar al lugar. El Bautismo de Cristo de Piero della Francesca. El agua cae en vertical perfecta, moja el cráneo, la nuca y recorre toda la espalda. La posición erguida es el principio de todo. El Bautismo tiene que ver con cómo se coloca la espalda, con la columna vertebral que se alarga perpendicular al suelo. El agua cae de arriba abajo y la cabeza se eleva de abajo arriba. Se trata de crecer como una planta, como el árbol pintado al lado de Jesús, como los árboles del paseo del Prado, como los cuadros que crecen dentro del museo. Bautizar es un poco como regar, para que las plantas crezcan: tallos como columnas. Regar y regar hasta tener un jardín bien bonito y, cuando el frescor y el verdor lo permitan, celebrar una gran fiesta que dure un día entero, desde por la mañana hasta por la noche. Pasar el día, dejar que las horas transcurran sin interrupciones, entregados al puro estar. Llegado el momento hay decidir qué planta quiere ser uno: una hortensia, una palmera, un pruno, un magnolio, unas petunias, … y dejarse agasajar por el frescor de la esperada noche. En este jardín empieza todo.

Cuarta y quinta visita: El museo está casi vacío. Si se toman las decisiones adecuadas y se evitan los puntos difíciles, es posible encontrarse solo en salas vacías (sobre todo, en las de la planta baja) sin más molestia que los ruidos lejanos de los comunicadores de los vigilantes. En estas salas no hay otras ventanas que no sean las pinturas. Son como cuevas perforadas por proyecciones que abren vistas al infinito. Llegar a Patinir y quedarse allí, de pie, mirando el horizonte. El verde de los primeros planos se transforma en azul a medida que la distancia crece. En ese azul hay una especie de júbilo por el descubrimiento de la profundidad. Allá a lo lejos, se revela la visión, la posibilidad misma de ver: ese infinito brillante e intenso no es otra cosa que el reflejo simétrico de nuestros propios ojos. La fuga azul es la prueba de que es cierto que estamos allí mirando. Y de tanto mirar los ojos llegan a ponerse azules…
Hoy ha llegado el primer invitado. ¡Qué difícil hablar y mirar al mismo tiempo! ¡Qué apuro la sola idea de haber interrumpido la mirada de mi acompañante con mis palabras!

Sexta visita: Cuatro visitas, cuatro chicazos, cuatro horas dentro del museo. Hasta hoy la cosa había sido suave y relajada. Pero el jueves llegó el momento de partirse la cara y darlo todo. ¡Todo por la pintura! Mirar hasta que duelan los ojos, hablar hasta que no quede voz.  Que el entusiasmo no se agote. Que la fatiga no asome el hocico. Dejar que las imágenes nos lleven de la mano: ver y entender son experiencias hermanas. ¿Lo ves? Sobre todo, no parar de perseguir lo importante: buscamos miradas, buscamos los ojos que nos revelen verdades, todas las verdades posibles. No temer a que los ojos pintados tomen el poder y pongan en cuestión nuestra presencia. Aceptamos que nuestra existencia dependa de las miradas que se lanzan desde dentro de la pintura. Renunciamos a nuestro poder y nos convertimos en ciervos: el cuadro de Velázquez nos sirve de espejo. Somos un instante fugaz a punto de salir disparado y desaparecer en el bosque. No hay cazador más rápido que nosotros. Ese es el regalo que nos tenía preparado el Museo. Aquí la historia del arte no tiene nada que decir. A nosotros Goya nos come la polla.

Octava visita: Las expectativas acaban obligando a la realidad a ser de una sola manera  imponiendo unos límites rígidos a lo que puede suceder. Ejercer este tipo de fuerza sobre el mundo tiene un precio: el grupo de invitados, más numeroso que los días anteriores,  llegó a la puerta y se encontró con mi ausencia. Esperaban que una voz autorizada les guiara e hiciera de intermediario entre ellos y las imágenes. Y se encontraron solos en el gran museo sin nadie que lubricara sus miradas. No les quedó otra que tragarse el miedo y lanzarse a caminar por si mismos. A algunos mi ausencia les sirvió de estímulo para descubrir el camino que solo a ellos les tocaba recorrer. Mientras que a otros les dejó enganchados en la expectativa incumplida y durante varias horas habitaron en la frustración. Cada uno tuvo lo que más le convenía. Entre tanto, yo vigilaba sus movimientos llenos de incertidumbre utilizando las imágenes recogidas por las cámaras de seguridad. Mi ausencia no pasó por deshacerme de mi cuerpo sino por convertirme todo yo en ojo.

Novena visita: La visita del día después, la que nadie esperaba. Se trató de pasar  entre imágenes la resaca de la meditación colectiva y desmadrada de la noche anterior. Un mensaje furtivo confirmó que el evento iba a tener lugar tal y como había sido prometido. Un único cambio: esta vez todo empezaría a mediodía. Nuestro mediodía prepararía la medianoche. Como quien comienza a juntar maderas para hacer la gran hoguera de San Juan, nosotras hicimos acopio de pinturas.  Ellas serían nuestro combustible para transformar todos los restos inútiles que acarreábamos del invierno. Por suerte, me acompañaron las tres mujeres poderosas. Dentro del museo no había nada que decir, las palabras se habían agotado y lo único importante era vaciar las salas, limpiar todas las ramas secas que habían crecido dentro de las salas. En dos horas justas las paredes quedaron vacías. Gracias a las audioguías pegadas a las orejas de los visitantes, nadie se dio cuenta de lo que estaba sucediendo y pudimos trabajar sin interrupción. A las tres de la tarde ya estaba construida una pira de diez metros de alto en el centro del Jardín Botánico. Ya sólo quedaba esperar a que llegara la noche y con ella el fuego. Los cien artistas aceptaron ser esclavos: todo con tal de conseguir el fuego. Llegado el momento, caído el sol, reventaron las puertas de la casa, corrieron hasta la pira y encendieron la hoguera por siete puntos distintos. Las imágenes ardieron con rabia, cubriendo el cielo con un humo denso que, al ser inhalado produjo alucinaciones entre propios y ajenos. Imágenes inhaladas. Tras el fuego caímos agotados y nos quedamos a dormir entre los arbustos, en los bancos, rodeados de nombres en latín escritos en placas.

Décima visita: “No pude evitar volver al museo al día siguiente. Sería la última visita. Esta vez no tenía gana de compañía así que me aseguré de no despertar a ninguno de mis compinches que seguían dormidos entre los setos con nombre del Jardín Botánico.  Quería comprobar que, tras la gloriosa hoguera de San Juan, las salas se habían quedado vacías y las paredes desnudas. Para mi sorpresa, descubrí admirado que todos los cuadros colgaban en su sitio: se conoce que la humedad de la noche había hecho que volvieran a brotar de las paredes.”

Gracias a Sergi Faustino por la noticia.

Zapatos ortopédicos y pesados, gafas de monturas salomónicas, coches con el culo enorme y la parrilla amenazante, bisuterías obviamente engañosas, teléfonos de funcionamiento incomprensible, armarios que se atascan, muebles de cocina cursis, logotipos vulgares, camisetas con chistes zafios, sofás que se ensucian y no hay manera de limpiarlos, toallas que tardan en secarse, motocicletas que se oxidan cuando llueve, llaveros que hacen daño en el bolsillo del vaquero, portadas de libros pedantes, carteles que apenas se leen, lámparas que se caen y que nunca se sabe dónde tienen el interruptor, cartones de leche que gotean, relojes de imitación naífs a más no poder, abrigos con demasiados bolsillos o con demasiados pocos…¿Por qué sois así?

El Museum für Kunst und Gewerbe de Hamburgo se ha fijado en todas ellas, en las cosas feas, inútiles y mal pensadas, y las ha reunido en la exposición ‘Börse dinge’, (‘Cosas horribles’), que se anuncia como “una enciclopedia del mal gusto“.

La muestra de Hamburgo, en realidad, parece una celebración del kitsch de esas que aparecen de vez en cuando en las librerías de los museos y que a todos nos hacen reír: el reloj despertador Casio que imita una mezquita, la lámpara cuyo pie es un AK-47… Ese tipo de objetos que, en el fondo, hacen que el espectador se sienta refinado y a salvo de la vulgaridad. Pero: ¿qué es, en realidad, el mal diseño?

¿Qué es lo que hace que un diseñador fracase, que a un profesional con talento le salga mal el trabajo? “Éxito o fracaso remiten a la sociedad del espectáculo. Y en ella el buen diseñador no tiene ningún papel”. La primera respuesta es la del diseñador Alberto Corazón y llega en un correo electrónico: “La palabra diseño se ha convertido en un mantra de uso tan generalizado que lo utiliza un amplio espectro de la ciudadanía que va desde los políticos hasta los entrenadores de fútbol. Ya no es posible hablar de diseño, en un periódico, sino de diseñadores. A su vez, para ser diseñador, solo es necesario decirlo: yo soy diseñador”.

“Acotando el territorio nos encontramos con buenos diseñadores, mediocres diseñadores y gente que hace tonterías nombrándose diseñadores. Estos últimos consiguen, con demasiada frecuencia, algún éxito mediático. Lo estrafalario puede ser una buena noticia, como sucede con la moda. Luego está la mediocridad, que es un valor en alza en estos momentos. La mediocridad tranquiliza, es igualitaria. Y por último están los diseñadores responsables y comprometidos con su trabajo. Un trabajo en el que el cliente competente es tan importante como el diseñador competente”.

Vergüenza

Y continúa Corazón: “Aquí el éxito o el fracaso están compartidos en partes iguales. Llegando a este punto no puedo sino celebrar, toda iniciativa que penalice las tonterías y mediocridades que se amparan bajo la denominación de origen ‘diseño’. Sólo aquello que mejora nuestra calidad de vida, que mejora nuestra relación con lo que nos rodea es, buen diseño”.

Siguiente respuesta: Riccardo Marzullo es el director del Istituto Europeo di Design en España. Y, en su opinión, “las exposiciones sobre el mal diseño, que hemos visto ya en muchas ocasiones, son muy anecdóticas. Está bien reírse con ellas, es hasta necesario ver lo que es la exageración, pero lo importante no es eso”.

Lo importante es recordar que “el diseño es función, es funcionalidad. Y es, sobre todo, innovación: en los métodos de trabajo, en los procesos sociales… Y esa es la medida que separa el buen y el mal diseño”.