La guía de los vigilantes

La seguridad en los museos describe de forma minuciosa e ilustrada las diferentes tareas y situaciones que un vigilante de seguridad de un museo puede encontrarse durante su servicio.

Esta guía corresponde al primer volumen del Manual de Protección del Patrimonio Cultural que fue escrito y publicado por la UNESCO en el 2006.

Toda una joyita que nos ha pasado Jordi Ferreiro.

Un niño tropieza en un museo de Taiwan y casca una obra de arte

El tropiezo de un joven taiwanés de 12 años provocó este fin de semana daños por valor de 1,5 millones de dólares en el cuadro Flores, del artista Paolo Porpora, creado alrededor de 1660 y exhibido en un museo de la ciudad de Taipei. En el vídeo, que ha sido difundido por los organizadores de la exhibición, se ve al joven paseando con un refresco en la mano hasta que tropieza y se apoya accidentalmente en la obra. La agencia de noticias Focus Taiwán afirma que los organizadores de la exposición no denunciarán a la familia del menor ya que la obra, que pertenece a una colección privada, está completamente asegurada. (Fuente: El País)



Museo de la Mierda (Castelbosco, Italia)

Fuente: Museo della Merda. Un pase de Pau Figueres.


The Castelbosco farm, in the province of Piacenza, in the north of Italy, works to produce milk for Grana Padano cheese. It is home to 2,500 super-efficient, selected pedigree bovines that every day produce around 30,000 litres of milk and some 100,000 kilos of dung. A quantity of poop that the farm owner, Gianantonio Locatelli has transformed into a futuristic ecological and industrial project. Today, from that muck, he obtains methane, fertiliser for the fields, as well as raw material for plaster and bricks. And he does so using the latest technology which, as well as reducing atmospheric pollution and the distribution of nitrates in the soil, follows a principle that redesigns the cycle of nature to form a virtuous circle. Giving shit back the value it deserves. And restoring to agriculture and cattle-rearing the importance they always had.

Humanity, nature, art and technology. The Shit Museum is the upshot of understanding and dialogue between Locatelli with Luca Cipelletti, Gaspare Luigi Marcone and Massimo Valsecchi. It brings together biomechanics and environmental art, the agricultural landscape, the system of digesters that turn manure into energy, and the ground floor of the late-medieval castle of Castelbosco – kept warm thanks to the heat exchange of the engines that generate . Home to a series of installations in continuous evolution, dedicated to transformation, the ability to transmute natural substances and re-establish a healthier relationship between man and nature. Themes that were once the stuff of alchemists, and which are now at the basis of a project that does away with cultural norms and pre-concepts.

In the museum spaces and castle rooms – and in their digital version – those aesthetic and scientific, human and animal, modern-day and yesteryear experiences are and will be on show, displaying what a useful and living substance crap really is.
In both practical and metaphorical terms. From the dung beetle, considered a divine animal by the Egyptians (and symbol of the museum), to the use of excrement in architectural constructions in the most far-flung cultures of the planet, from the ancient Italian civilisations to Africa, via historical-literary works such as the Naturalis Historia by Pliny the Elder, right up to the latest scientific research projects and artistic production drawing on the use and reuse of waste. A contemporary cabinet of curiosities which finds its guiding light in the art and science of transformation.

Few phenomena are so rich in material and conceptual complexity as the cultural history of shit. The Shit Museum is an agency for change, a research and data-collection institute, housing documents and information on excrement in culture, technology and history. And it also has an enzymatic role: it dialogues with artists, scientists and institutions on ideas and projects linked to the value of faeces and its endless uses, both current and yet to be imagined.

De rerum natura: of the nature of things. Of its becoming something else, be it art or technology, Castelbosco is overall –the farm and museum – an ecological workshop of anticipation:a fertilising machine,a station for the production of power and ideas, situated halfway between the ideal and the material. Which sublimes the essence of dung, muck and crap. The mirror of a great plan which draws life and energy from a material erroneously considered worthless.

Massimo Torrigiani


Aprendiendo la actitud estética

Fuente: Larry Shinner, La invención del arte. Una historia cultural, Paidós, Barcelona, 2014 (2001). Gracias a Joana Masó por el pase.

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Eva and Franco Mattes: Emily’s Video

Emily’s Video by Eva and Franco Mattes (2012) compiles the reactions of people watching a mysterious video. The viewers are random volunteers who replied to our online call to watch “the worst video ever.” We later destroyed the original video, which had been sourced from the Darknet. You will never know what they were watching. These second hand experiences are the only proof of its existence.

Source (with all videos): Eva and Franco Mattes

Rineke Dijkstra: I see a woman crying

Vídeo de Rineke Dijkstra titulado I see a woman crying (Veo a una mujer llorando, 2009), presentado en el Stedelijk Museum de Amsterdam. Un grupo de estudiantes británicos filosofan en la Tate Liverpool mientras observan el cuadro La mujer que llora de Picasso, aunque la obra no es visible para el espectador. Los niños parecen responder a ciertas preguntas que no son mostradas y realizan observaciones y asociaciones.

Más info sobre la obra aquí.

Libro de visitas VIP del Museo ARTIUM (2003-2012)

Libro de Visitas VIP del Museo Artium, de Vitoria, desde 2003 a 2012.

Ver libro completo aquí (pdf)

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Libro de visitas del Museo Soumaya, México DF

Algunas entradas del libro de visitas del inigualable Museo Soumaya, montado por el magnate Carlos Slim, en Ciudad de México.

Gracias a Olmo Cuña por el pase.

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Una mujer golpea y orina a un cuadro de Clyfford Still

Source: Thanks to Shawn Taylor for the info.

The piece, titled “1957-J-No. 2,” is just one 2,400 works of art inside the Clyfford Still Museum downtown which opened in November. The painting was painted in 1957 and is oil on canvas. It is 113 x 155 inches.


For some reason, Carmen Tisch was drawn to the painting last Thursday around 3:30 p.m., but not in the artistic sense of the word.

Instead, police say Tisch began scratching the painting, and pounding it with her fists.

Then police say she leaned against it, pulled her pants down and began urinating next to the painting.

The police report says the painting now has visible scratches on it, but it is unclear if any urine actually got on the artwork.

It’s estimated the painting is valued between $30 and $40 million.

“It comes across as pretty inconceivable that somebody would do that in the context of a museum,” Ivar Zeile, owner of Plus Gallery downtown, said.

Tisch was arrested and charged with criminal mischief by the Denver District Attorney’s office.

Museum officials aren’t talking about the incident or describing the damage to the painting. They’re only saying they’re cooperating with the police.

The cost to repair the damage, they tell police, will be around $10,000.

“It’s more of an embarrassment because they’ve been in place for less than two months,” Zeile said.

Still is considered one of the top abstract painters of the 20th century. After passing away 30 years ago, his wife started looking for an American city that was willing to build a museum for his works.

In 2004, Still’s wife picked Denver after a lobbying effort by then-Mayor John Hickenlooper.

Zeile says the museum will likely have to increase security.

“Something as ridiculous as a woman coming in, who is probably unknown to anybody, being able to even touch the piece is kind of a slap in the face to the authority of the museum,” Zeile said.

As of Wednesday night, Tisch was still in jail on a $20,000 bond. She declined 9NEWS’ request for an interview.

She does have a criminal record including arrests for DUI and armed robbery, but that armed robbery charge was later dismissed.

She’ll make her first court appearance on Friday.

The City and County of Denver owns the museum and paintings inside, but it’s unknown who will foot the bill to repair the painting at this point.

The museum released this statement on Wednesday: “On December 29, 2011, an incident of criminal mischief took place at the Clyfford Still Museum. The police were summoned and the offender was arrested and is currently in police custody. Museum officials are cooperating with the authorities regarding the situation and are in the process of further assessing the incident.”

Video here.

(KUSA-TV © 2012 Multimedia Holdings Corporation)

Los cubanos se roban hasta los clavos de las obras expuestas en la Bienal de La Habana

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Si la duodécima Bienal de La Habana, según han expresado sus organizadores, pretendía invitar a «sentir la ciudad y su gente», sin duda alguna alcanzó sus objetivos.



Al menos los actos de vandalismo que han arruinado muchas de las obras y que en varios casos han motivado el retiro de piezas e instalaciones importantes, de manera irónica demuestran la verdadera utilidad práctica del arte para algunos cubanos.



Después de casi un mes de exhibición, lo que fuera una inmensa galería de arte a cielo abierto ha terminado convertida en un muestrario de calamidades. José Sierra, una de las personas encargadas del cuidado de las obras emplazadas en el Malecón habanero, nos comenta sobre lo que ha sucedido:



“Los primeros días la gente más o menos se paraban a mirar, algunos tocaban, sobre todo los niños, había policías en todas partes pero ya después ha sido un desastre. (…) No solo porque el mar y la lluvia han hecho lo suyo sino porque la gente te vigila, te juega cabeza o vienen bien tarde, por la madrugada y arrancan pedazos. Todo lo que sea de utilidad se lo llevan. Hasta se han robado las manijas de la pirámide de gaveteros [se refiere a la obra Secreter, de Lina Leal]. (…) Hace unos días yo vi cómo, al descaro, dos tipos sacaban los clavos de unos tablones. Estaban sentados en el piso dando martillazos como si estuvieran en el patio de su casa. Ya ni la policía les dice nada. Esto es como un “sírvase usted”. (…) Más allá de que sean incultos o no, lo cierto es que hay mucha necesidad”.



Moraima Cobas, también celadora, nos da una idea de los destinos de los fragmentos de algunas piezas:

“Ayer le oí decir a un hombre que la gente se lleva los trozos [de una obra que simula un pastel gigante] porque, como es de colores vivos y de un material como de plástico, lo cortan en pedacitos, los rebajan, les dan forma y hacen collares, pulsos, y cosas de artesanía. La gente no respeta nada. (…) Han tenido que acordonar el caldero [Delicatessen, de Roberto Fabelo] para que no se pierdan los tenedores. ¿Tú te imaginas que, en vez de tenedores, esa cosa la hubieran llenado de pollo o de carne? (…) Los 150 pesos [6 dólares como único pago mensual] que nos dan por cuidar no pagan todo el trabajo que pasamos toreando a la gente. Hay que tener mil ojos porque aquí en Cuba la gente se ha convertido en magos. Si los custodios del Capitolio se quedaran dormidos, ahí no queda ni la zapata”.



Durante todos estos días, quienes recorren las zonas de exposición han podido escuchar no solo frases de admiración o desconcierto de los espectadores sino, además, los comentarios sobre los posibles usos de aquel “montón de cosas” que, después de concluida la Bienal el próximo 22 de junio, pudieran ser mucho más útiles a esos que, en medio de tanta miseria, resulta penoso recriminarlos por  su interpretación de este importante acontecimiento cultural solo como un rotundo carnaval del despilfarro o un mercadillo de gangas.


Alrededor de obras tan atractivas como la playa improvisada, las atalayas de madera o la “pista de hielo” ya se van alistando los hombres y mujeres que, carretillas en mano, aguardan con desesperación la clausura de la duodécima Bienal de La Habana para comenzar el acarreo de la arena, los hierros, los palos y cuanto material les sea útil. ¿Quién negará entonces que, si no los artistas, al menos sus obras terminarán integrándose a “las mecánicas de lo cotidiano?”.


Fuente: Loveartnotpeople

Auténticamente falso. Las copias de los hermanos Posin

Fuente: El Mundo


Cuando en 2001 la policía belga creyó haber recuperado en una operación encubierta un Turner desaparecido desde 1994, Eugen Posin vio la fotografía en el periódico alemán e inmediatamente supo que se trataba de una falsificación, porque lo había pintado él mismo. Holywood también ha recurrido a los hermanos Posin y alguno de los cuadros que vimos en ‘El gran hotel Budapest’, de Wes Anderson, llevaba su firma, pero son sus clientes quienes presumen de la posesión de las copias Posin y nunca al contrario. Se habla de ellos en el mercado del arte como los tres mejores falsificadores en activo y no les importa demasiado que se utilice ese término. Al fin y al cabo, en la era digital, los únicos que parecen seguir resistiéndose al plagio son los académicos profesionales. Pero apenas comienza la conversación, los tres hermanos Posin aclaran casi al unísono que ellos no “copian”, sino que “hacen de nuevo”. “Wiedermachen”, dicen en un alemán callado y con intrínseco acento ruso, para explicar sin entusiasmo exteriorizado, pero desde la más profunda convicción, que el plagio en sí mismo, el plagio bien hecho, es una auténtica obra de arte.

A mediados de la década de los 80, Eugen (67), Michael (66) y Semyon (70) Posin huyeron a Berlín Occidental tras haber culminado sus estudios en la Academia del Arte de Leningrado. Arrastraban una traumática historia de pérdida de una vida arrebatada por la dictadura comunista que comenzaron a reflejar de inmediato en sus lienzos. Su padre había sido el traductor oficial de Greorgui Zhúkov, uno de los comandantes más destacados de la II Guerra Mundial, pero su popularidad entre las tropas y su comunicación privilegiada con el general estadounidense Dwight Eisenhower desataron los celos de Stalin, que a partir de 1946 lo apartó de Moscú, destinándolo a pequeñas jefaturas en Odessa y los Urales. Muchos de sus colaboradores, como Posin, terminaron encarcelados.

“Mi padre murió en Siberia. Mi madre se había trasladado allí con nosotros, para estar más cerca de él, y tampoco pudo resistir una existencia tan dura”, relata Eugen, como única respuesta a la pregunta sobre por qué abandonaron Rusia. En su propia obra, retratos preñados de odio contenido de los grandes dictadores europeos del siglo XX, Eugen expresa toda la rabia que su carácter y su voz con sordina esconden tras el humo de sus cigarros. Pero por lo que ha logrado una reputación incuestionable, junto a sus hermanos, es por sus trabajos reproduciendo obras maestras de los más dispares autores, épocas y estilos de la Historia del Arte. “Aprendimos en la academia. Lo primero que haces es ir a los museos y pintar grandes obras de grandes pintores, aprender su técnica”, explica junto a una reproducción exacta de la Giocondaque preside la exposición de espíritu ‘underground’ con la que se dan a conocer en Berlín. Esta obra no está en venta, aunque algunas hermanas suyas sí que han sido vendidas en el pasado por precios de entre 6.000 y 8.000 euros. “Pero no son copias”, corrige Eugen, “cada vez que pintamos una obra la hacemos nueva, la comenzamos desde el principio”. Y no se refiere solamente a la búsqueda de los materiales adecuados, como lienzos envejecidos o fabricación de pigmentos ya fuera de catálogo, sino sobre todo al proceso de reproducción psicológica, una especie de viaje en el tiempo, en el espacio y en el alma que permite a esta santa trinidad fraterna introducirse en la personalidad de cada uno de los artistas.

El crítico cultural Walter Benjamin escribió el ensayo publicado en 1936 por la revista ‘Zeitschrift für Sozialforschung’: ‘La obra de arte en la época de su reproducción técnica’, que sigue siendo la referencia fundamental en las reflexiones sobre la reproducción artística hasta nuestros días. En ella defendía la pérdida del “aura”, de la singularidad espacial y temporal del momento de la creación, que daba lugar en su opinión a la politización del arte. “En el mismo instante en que la norma de la autenticidad fracasa en la producción artística, se trastorna la función íntegra del arte”, describió. Y no solo la obra, sino la vida entera de los hermanos Posin parece entregada a demostrar lo contrario, que el “aura” es susceptible de ser reconstruida con la misma intencionalidad con la que se reconstruye el himen y con la misma dedicación con la que se cultiva un esqueje: rescatar la esencia virginal de la creación, trasplantarla a otro tiempo, a otro espacio.

Quizá por eso, tanto los Posin como su estudio en Berlín surgen como elementos desubicados en el hilo espacio-temporal. Sus botas y chalecos del oeste americano, su pana negra y su palidez vampírica no parecen encajar en el siglo XXI ni en el barrio berlinés de Neuköln, socialmente muy castigado y donde su Kunstsalon (Salón de Arte) alternativo convive con vecinos como tenderos de fruta turcos, fontaneros desahuciados y tiendas 24 horas que seguramente venden algo más que comestibles. Reciben, sin embargo, vecinos de muy alto standing. Allí encontramos casualmente a un adinerado matrimonio que ha volado desde EEUU a Berlín dos veces en lo que llevamos de año para seguir la marcha de su encargo. “Los descubrimos en enero y nos fascinó su trabajo. La posibilidad de seguir paso a paso la creación de esa obra que tanto significado tiene para nosotros es irrepetible. Es como verla nacer en directo”, explican a dúo y a cambio del anonimato.

“Entre, entre en el estudio y vea lo que tienen ahí colgado en las paredes”, invita un cliente mientras vuelve a sacar del maletero de su viejo Volkswagen Polo un pequeño Degas con el que se le cae la baba. “Soy coleccionista, tengo varias cosas suyas. Claro que es para mí un esfuerzo económico, pero es mi debilidad. Y si me lo puedo permitir es porque para mí lo hacen a un precio muy especial. A ellos no les importa el dinero, solo el arte. Entre y hable con ellos, entenderá lo que le digo”.

Su lista de espera de encargos supera seguramente lo que podrán pintar en lo que les resta de vida. La mayoría de sus clientes, como el español que ha encargado por alrededor de 10.000 euros el espectacular ‘El nacimiento de Venus’, de Botticelli, en el que trabajan actualmente y que viajará hasta Valencia el próximo otoño, permanecen en el anonimato. Pero hay otros que no, como el empresario del sector turismo Gerold Schellstede, que ha abierto un museo en Brandemburgo exclusivamente con obras de los Posin y con un espíritu que oscila entre lo kitsch y lo filantrópico. Recibe entre 4.000 y 5.000 visitas al año y alega que “muchos ciudadanos no pueden irse a París o a Nueva York a ver esas obras y yo les ofrezco una posibilidad alternativa”, alega. Legalmente está cubierto. La Ley de la Propiedad alemana considera que el copyright de las obras dura 70 años y la mayoría de las obras que reproducen los Posin son más antiguas. Algunos Kirchner, por ejemplo, no hubiesen alcanzado ese plazo en el momento de su realización, pero ¿a quién iba a importarle? Y respecto a la autoría, los tres hermanos reproducen exactamente la firma del artista original en el lienzo, pero se cuidan mucho de estampar la propia al dorso, de modo que no engañan a nadie: es una copia Posin.

“Yo no le diría copia”, insiste Michael, cuya obra original, puramente religiosa, ha alcanzado notoriedad independiente y ha sido expuesta incluso en el Vaticano. “Cada una de nuestras copias tiene un alma auténtica, por eso yo prefiero decir obra paralela”, especifica, adentrándose de nuevo en el misterio de estos tres hermanos que no solamente pintan en equipo sino que lo hacen como si se tratase de un solo artista. Mientras Michael posa en una de las butacas de club londinense que componen el mobiliario de su estudio, Semjon se desentiende y centra su atención en unos Cipreses de Van Gogh aún por terminar y a los que añade seis estudiadas pinceladas. A continuación retoma la conversación mientras que es su hermano el que recoge el pincel manchado, que apenas ha permanecido unos segundos sobre la mesita junto al atril, y añade otras cinco o seis pinceladas más al mismo cuadro, tomando como único momento de transición unos segundos que pasa, traspuesto, frente al caballete.

El profesor de Arte Moderno y Contemporáneo de la Universidad de Heidelberg, Henry Keazor, también está de acuerdo en que no puede hablarse en propiedad de las obras Posin como de “copias”, sino “más bien como adaptaciones de estilo”. “No hay intencionalidad de fraude”, añade el autor del libro Historia de la Falsificación del Arte, que señala que hoy en día hay una industria de la falsificación anónima en la que trabajan ciudades enteras de artistas chinos que forman una especie de industria, falsificadores de poca monta que son considerados delincuentes y falsificadores de firma y muy admirados como Beltracchi, un modelo en el que podrían encajar mejor los Posin. “En el falsificador hay siempre cierta necesitad artística y psicológica de medirse con el original”, señala también, y aquí los Posin dan un paso hacia adelante respecto a la mayoría de sus competidores, puesto que llegan a falsificar obras que nunca existieron.

“Cuando vi la Sagrada Familia de Barcelona supe que Pizarro la habría pintado y que la habría pintado así exactamente”, explica Michael sobre un cuadro de pequeño formato que cuelga en el salón y que no está a la venta. “Tampoco existe un Monet idéntico a ese de ahí, pero podría haberlo pintado, se lo aseguro”, añade.

La obra de los Posin sirve de inspiración a la policía criminal de Berlín, que en los últimos años ha visto como se multiplica la circulación de falsificaciones y cuyo oficial, René Allonge, reconoce que “es la parte técnica, los aglutinantes utilizados, los adhesivos y los lienzos, donde la mayoría de los falsificadores fracasan y en ese sentido la obra Posin es un libro en el que aprender”.

Por favor, toque la pantalla mientras mira este vídeo (Please keep touching the screen while you watch)

Golden Touch (from New Album「_genic」)
Please keep touching the screen while you watch. Best viewed on full screen mode.

El vídeo, dirigido por Masashi Kawamura, se estrenó en YouTube a finales de mayo y supera los siete millones de reproducciones. El truco no es nuevo: Put your finger here.

Do not touch, video interactivo de Light Light para Kilo

Do Not Touch is a crowd-sourced music video for “Kilo” by Light Light. It is an interactive music video in which you follow on screen instructions, and afterwards your cursors gets added with the thousands of others. You can add your cursor here:


Aquí pueden ver una captura de cuando todavía había muy pocos cursores grabados en pantalla.

Outings Project o cómo liberar los retratos olvidados en los museos


Coger el teléfono, fotografiar los retratos ‘olvidados’ que cuelgan de paredes de los museos, imprimirlos y pegarlos en las calles. Julien de Casabianca invita de este modo a colaborar con Outings Projectuna acción participativa global iniciada por el artista visual que ha recorrido el mundo con su particular acción artística.

Los museos están llenos de obras olvidadas a las que damos la espalda a pesar de su belleza. «Cualquier persona en su propia ciudad puede ir a sus museos, tomar fotografías de retratos con sus teléfonos y liberarlos de ese olvido», afirma Julien de Casabianca. El artista sugiere una sencilla técnica que consiste en fotografiar la obra, recortar el personaje, imprimirlo en gran formato y pegarlo en un lugar adecuado.

Outings Project o cómo liberar los retratos olvidados en los museos

Objetivo: embellecer la ciudad con un poco de arte
En los rincones de la ciudad, rodeados de restos de carteles o en muros a medio derruir se encuentran las figuras recortadas de elegantes figuras del Renacimiento o de sofisticadas damas francesas del siglo XVIII y misteriosos modelos sin identidad conocida que plasmaron en sus obras pintores de antaño. Figuras que regalan al transeúnte unos centímetros de belleza.

«Los museos tienen un problema: las pinturas estrella canibalizan a las modestas. Cualquiera que vuelva del Louvre o del Prado te contará la misma historia, que vieron La Mona Lisa o Las Meninas. Es humano. Hay miles de pinturas y no puedes quedarte con todo lo que ves», afirma el artísta Julien de Casabianca.

El Outings Project intenta dar protagonismo a esas obras segundonas y no por ello menos brillantes y hermosas que son injustamente pasadas por alto. No deja se ser curioso que se muestre a personajes ‘anónimos’ de la antigüedad pegando su imagen frente a viandantes anónimos del presente.

«Necesitamos belleza en nuestra vida, no sólo en un sentido estético. Cuando un proyecto crea cohesión entre generaciones, jóvenes y mayores, hay cierta belleza también. En los espacios urbanos, el único arte que hay está (a veces) en los anuncios, en la arquitectura o en el arte urbano, sobre todo realizado por artistas jóvenes y para espectadores jóvenes. Mucha gente mayor lo considera feo o no lo entiende. Outings crea unidad, reflexiona sobre la idea común de belleza» concluye Julien.

Outings Project o cómo liberar los retratos olvidados en los museos
En caso de no poder pagar la impresión, los organizadores dan la posibilidad de solicitar becas para sufragar el gasto. Desde su puesta en marcha, la iniciativa de Julien ya ha sacado del anonimato unas 200 pinturas de personajes que a primera vista tal vez cuesta reconocer o de los que nunca se supo la identidad. Entre las ciudades donde se ha llevado a cabo el proyecto están: París, Londres, Madrid, Barcelona, Dijon, Padua y Asunción.→
Outings Project o cómo liberar los retratos olvidados en los museos
Outings Project o cómo liberar los retratos olvidados en los museos
Outings Project o cómo liberar los retratos olvidados en los museos
Outings Project o cómo liberar los retratos olvidados en los museos

Gracias a Lulú Soto por el pase.

Venecia cierra la mezquita recreada en la Bienal de arte

Fuente: El País


El Ayuntamiento de Venecia decidió ayer cerrar temporalmente el pabellón de Islandia de la 56 edición de la Bienal de Venecia del artista Christoph Büchel (Suiza, 1966). Se trata de una polémica instalación que reproduce una mezquita en la antigua iglesia católica Santa María de la Misericordia, de origen bizantino, que no se utiliza con fines de culto desde 1969 y es propiedad privada desde hace 42 años. Según el director general del Ayuntamiento, Marco Agostini, el pabellón no ha presentado los documentos, necesarios para tal uso. “Ha terminado siendo un lugar de culto, no una obra de arte. No han respetado las reglas”, declaró Agostini a EL PAÍS.

Ayer vencía el plazo para que la comisaria islandesa, Nina Magnufdottar, presentase al Ayuntamiento el permiso de la autoridad católica veneciana. Esta sostiene que la iglesia aún es un lugar sagrado, aunque en ella no se practique una misa desde 1969. Sin embargo, la comisaria ha enviado un documento al municipio, en el que documenta que, en 1973 el Patriarca de Venecia —posteriormente, el papa Juan Pablo I— decretó que la iglesia había sido clausurada para el culto y se podía utilizar para usos profanos. “Es un lugar para usos privados y ha sido almacén de souvenirs”, dice Magnufdottar. Los organizadores pueden presentar la documentación para intentar reabrirla.

El Ayuntamiento concedió la apertura del pabellón sin el consentimiento de las autoridades católicas, y estableció el 20 de mayo como fecha límite para enviar la documentación. La presión de la iglesia veneciana se ha hecho sentir. El edificio no pertenece a la iglesia desde 1973. No obstante, el pabellón debió pedir la autorización a la iglesia católica, según Gianmatteo Caputo, responsable de los bienes culturales eclesiásticos en Venecia. “Para cada uso diferente del culto cristiano católico es necesaria la autoridad eclesiástica, independientemente de quien al momento sea el propietario; tal autorización, para este sitio específico, no ha sido solicitada ni permitida”, escribe Caputo, en una carta al Ayuntamiento. La comisaria Nina Magnufdottar argumenta que no era necesario porque, “se trata de una obra de arte, para nosotros no existe ningún problema”.

La instalación de Büchel parece una mezquita real: hay una alfombra verde y roja, en dirección a La Meca y rótulos con los horarios de la oración islámica escritos en árabe. El pasado viernes, un centenar de musulmanes oró en la mezquita Büchel como si se hallase en un verdadero centro religioso. Ese día, Alessandro Tamborini, profesor de Ciencias religiosas y arte medieval en la Universidad Ca Foscari no pudo entrar porque se negó a quitarse los zapatos. Vista la polémica, el presidente de la comunidad musulmana veneciana, Mohamed Amin Al Ahdab, pidió no rezar en el pabellón para evitar “incomprensiones e instrumentalizaciones”. Arquitecto municipal y residente en Venecia desde hace 32 años, Amin lamenta que la instalación de Büchel no haya sido entendida y que la ciudad, con cerca de 20.000 musulmanes, no tenga una mezquita.mezquita.que la instalación de Büchel no haya sido entendida y que la ciudad, con cerca de 20.000 musulmanes, no tenga una mezquita.

Bromas con cámara oculta en museos

El la red encontrarán otros muchos ejemplos, como éste: Hidden camera comedy movie at Istanbul museum of wax.

La cadena FOX censura una obra de Picasso

Art history kills the art star: the state of the art. Wearable devices in Museums

glass 2 Fuente: guidigo

Un cuadro de IKEA de 9€ engaña a los expertos en arte de un museo holandés

El grupo de bromistas holandeses, especializados en la creación de vídeos virales, han puesto a prueba la fiabilidad de los expertos en arte. En un vídeo que han colgado en su web se puede ver la broma que hicieron recientemente a los encargados del Museo de Arte Moderno de Arnhem (Holanda).

El museo recibió un cuadro de Ikea valorado en nueve euros como si fuera una de las piezas de una exhibición ficticia. Boris Lange, uno de los miembros de LifeHunters, era el encargado de vender la pintura a los expertos como una pieza surrealista del artista ficticio Ike Andrews, un guiño al nombre de la multinacional sueca.

Ninguno de los entrevistados sospechó del nombre falso ni de la habilidad y “la emoción del artista” al crearlo, y algunos se atrevieron a afirmar que pagarían hasta 2,3 millones de euros por la pintura. La broma de LifeHunters añade más leña al debate sobre la subjetividad de la tasación en el mundo del arte.


Gracias a Joan Ramon Burgués por el pase.

La historia de la estatua de Edward Snowden en un parque de NYC

Fuentes: Hyperallergic y Huffington Post

Un grupo de artistas ha colocado un busto del Edward Snowden, exanalista de la Agencia de Seguridad Nacional (NSA), en un monumento a los caídos de la independencia de EEUU en Nueva York.

El monumento se encuentra en lo alto del parque de Fort Greene, en Brooklyn, y recuerda a miles de prisioneros de guerra estadounidenses que murieron a manos de los británicos durante la guerra de Independencia.

Los artistas dicen que eligieron el lugar porque las acciones de Snowden coinciden con los ideales que defendían esos caídos. Según señalaron, se trata de una historia “construida sobre unos ideales de vivir en libertad y no estar limitado o vigilado por tu Gobierno”.

“Este es un hombre al que algunos de los medios de comunicación tradicionales presentan como un traidor o un terrorista, y lo mismo se habría dicho sobre estos prisioneros de guerra en la guerra de la Independencia”, explicaron.

Los artistas esperan que las autoridades mantengan el busto en su lugar, aunque reconocen que es poco probable que eso ocurra. De hecho, la escultura, instalada sobre una columna, fue cubierta poco después por empleados municipales.

Una portavoz del departamento de Parques de Nueva York ha asegurado a medios locales que la instalación de “cualquier estructura u obra de arte sin autorización es ilegal” y que las autoridades están estudiando su retirada.

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