Eva and Franco Mattes: Emily’s Video

Emily’s Video by Eva and Franco Mattes (2012) compiles the reactions of people watching a mysterious video. The viewers are random volunteers who replied to our online call to watch “the worst video ever.” We later destroyed the original video, which had been sourced from the Darknet. You will never know what they were watching. These second hand experiences are the only proof of its existence.

Source (with all videos): Eva and Franco Mattes

Rineke Dijkstra: I see a woman crying

Vídeo de Rineke Dijkstra titulado I see a woman crying (Veo a una mujer llorando, 2009), presentado en el Stedelijk Museum de Amsterdam. Un grupo de estudiantes británicos filosofan en la Tate Liverpool mientras observan el cuadro La mujer que llora de Picasso, aunque la obra no es visible para el espectador. Los niños parecen responder a ciertas preguntas que no son mostradas y realizan observaciones y asociaciones.

Más info sobre la obra aquí.

Libro de visitas VIP del Museo ARTIUM (2003-2012)

Libro de Visitas VIP del Museo Artium, de Vitoria, desde 2003 a 2012.

Ver libro completo aquí (pdf)

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Libro de visitas del Museo Soumaya, México DF

Algunas entradas del libro de visitas del inigualable Museo Soumaya, montado por el magnate Carlos Slim, en Ciudad de México.

Gracias a Olmo Cuña por el pase.

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Una mujer golpea y orina a un cuadro de Clyfford Still

Source: 9News.com Thanks to Shawn Taylor for the info.

The piece, titled “1957-J-No. 2,” is just one 2,400 works of art inside the Clyfford Still Museum downtown which opened in November. The painting was painted in 1957 and is oil on canvas. It is 113 x 155 inches.

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For some reason, Carmen Tisch was drawn to the painting last Thursday around 3:30 p.m., but not in the artistic sense of the word.

Instead, police say Tisch began scratching the painting, and pounding it with her fists.

Then police say she leaned against it, pulled her pants down and began urinating next to the painting.

The police report says the painting now has visible scratches on it, but it is unclear if any urine actually got on the artwork.

It’s estimated the painting is valued between $30 and $40 million.

“It comes across as pretty inconceivable that somebody would do that in the context of a museum,” Ivar Zeile, owner of Plus Gallery downtown, said.

Tisch was arrested and charged with criminal mischief by the Denver District Attorney’s office.

Museum officials aren’t talking about the incident or describing the damage to the painting. They’re only saying they’re cooperating with the police.

The cost to repair the damage, they tell police, will be around $10,000.

“It’s more of an embarrassment because they’ve been in place for less than two months,” Zeile said.

Still is considered one of the top abstract painters of the 20th century. After passing away 30 years ago, his wife started looking for an American city that was willing to build a museum for his works.

In 2004, Still’s wife picked Denver after a lobbying effort by then-Mayor John Hickenlooper.

Zeile says the museum will likely have to increase security.

“Something as ridiculous as a woman coming in, who is probably unknown to anybody, being able to even touch the piece is kind of a slap in the face to the authority of the museum,” Zeile said.

As of Wednesday night, Tisch was still in jail on a $20,000 bond. She declined 9NEWS’ request for an interview.

She does have a criminal record including arrests for DUI and armed robbery, but that armed robbery charge was later dismissed.

She’ll make her first court appearance on Friday.

The City and County of Denver owns the museum and paintings inside, but it’s unknown who will foot the bill to repair the painting at this point.

The museum released this statement on Wednesday: “On December 29, 2011, an incident of criminal mischief took place at the Clyfford Still Museum. The police were summoned and the offender was arrested and is currently in police custody. Museum officials are cooperating with the authorities regarding the situation and are in the process of further assessing the incident.”

Video here.

(KUSA-TV © 2012 Multimedia Holdings Corporation)

Los cubanos se roban hasta los clavos de las obras expuestas en la Bienal de La Habana

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Si la duodécima Bienal de La Habana, según han expresado sus organizadores, pretendía invitar a «sentir la ciudad y su gente», sin duda alguna alcanzó sus objetivos.

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Al menos los actos de vandalismo que han arruinado muchas de las obras y que en varios casos han motivado el retiro de piezas e instalaciones importantes, de manera irónica demuestran la verdadera utilidad práctica del arte para algunos cubanos.

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Después de casi un mes de exhibición, lo que fuera una inmensa galería de arte a cielo abierto ha terminado convertida en un muestrario de calamidades. José Sierra, una de las personas encargadas del cuidado de las obras emplazadas en el Malecón habanero, nos comenta sobre lo que ha sucedido:

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“Los primeros días la gente más o menos se paraban a mirar, algunos tocaban, sobre todo los niños, había policías en todas partes pero ya después ha sido un desastre. (…) No solo porque el mar y la lluvia han hecho lo suyo sino porque la gente te vigila, te juega cabeza o vienen bien tarde, por la madrugada y arrancan pedazos. Todo lo que sea de utilidad se lo llevan. Hasta se han robado las manijas de la pirámide de gaveteros [se refiere a la obra Secreter, de Lina Leal]. (…) Hace unos días yo vi cómo, al descaro, dos tipos sacaban los clavos de unos tablones. Estaban sentados en el piso dando martillazos como si estuvieran en el patio de su casa. Ya ni la policía les dice nada. Esto es como un “sírvase usted”. (…) Más allá de que sean incultos o no, lo cierto es que hay mucha necesidad”.

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Moraima Cobas, también celadora, nos da una idea de los destinos de los fragmentos de algunas piezas:

“Ayer le oí decir a un hombre que la gente se lleva los trozos [de una obra que simula un pastel gigante] porque, como es de colores vivos y de un material como de plástico, lo cortan en pedacitos, los rebajan, les dan forma y hacen collares, pulsos, y cosas de artesanía. La gente no respeta nada. (…) Han tenido que acordonar el caldero [Delicatessen, de Roberto Fabelo] para que no se pierdan los tenedores. ¿Tú te imaginas que, en vez de tenedores, esa cosa la hubieran llenado de pollo o de carne? (…) Los 150 pesos [6 dólares como único pago mensual] que nos dan por cuidar no pagan todo el trabajo que pasamos toreando a la gente. Hay que tener mil ojos porque aquí en Cuba la gente se ha convertido en magos. Si los custodios del Capitolio se quedaran dormidos, ahí no queda ni la zapata”.

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Durante todos estos días, quienes recorren las zonas de exposición han podido escuchar no solo frases de admiración o desconcierto de los espectadores sino, además, los comentarios sobre los posibles usos de aquel “montón de cosas” que, después de concluida la Bienal el próximo 22 de junio, pudieran ser mucho más útiles a esos que, en medio de tanta miseria, resulta penoso recriminarlos por  su interpretación de este importante acontecimiento cultural solo como un rotundo carnaval del despilfarro o un mercadillo de gangas.

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Alrededor de obras tan atractivas como la playa improvisada, las atalayas de madera o la “pista de hielo” ya se van alistando los hombres y mujeres que, carretillas en mano, aguardan con desesperación la clausura de la duodécima Bienal de La Habana para comenzar el acarreo de la arena, los hierros, los palos y cuanto material les sea útil. ¿Quién negará entonces que, si no los artistas, al menos sus obras terminarán integrándose a “las mecánicas de lo cotidiano?”.

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Fuente: Loveartnotpeople

Auténticamente falso. Las copias de los hermanos Posin

Fuente: El Mundo

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Cuando en 2001 la policía belga creyó haber recuperado en una operación encubierta un Turner desaparecido desde 1994, Eugen Posin vio la fotografía en el periódico alemán e inmediatamente supo que se trataba de una falsificación, porque lo había pintado él mismo. Holywood también ha recurrido a los hermanos Posin y alguno de los cuadros que vimos en ‘El gran hotel Budapest’, de Wes Anderson, llevaba su firma, pero son sus clientes quienes presumen de la posesión de las copias Posin y nunca al contrario. Se habla de ellos en el mercado del arte como los tres mejores falsificadores en activo y no les importa demasiado que se utilice ese término. Al fin y al cabo, en la era digital, los únicos que parecen seguir resistiéndose al plagio son los académicos profesionales. Pero apenas comienza la conversación, los tres hermanos Posin aclaran casi al unísono que ellos no “copian”, sino que “hacen de nuevo”. “Wiedermachen”, dicen en un alemán callado y con intrínseco acento ruso, para explicar sin entusiasmo exteriorizado, pero desde la más profunda convicción, que el plagio en sí mismo, el plagio bien hecho, es una auténtica obra de arte.

A mediados de la década de los 80, Eugen (67), Michael (66) y Semyon (70) Posin huyeron a Berlín Occidental tras haber culminado sus estudios en la Academia del Arte de Leningrado. Arrastraban una traumática historia de pérdida de una vida arrebatada por la dictadura comunista que comenzaron a reflejar de inmediato en sus lienzos. Su padre había sido el traductor oficial de Greorgui Zhúkov, uno de los comandantes más destacados de la II Guerra Mundial, pero su popularidad entre las tropas y su comunicación privilegiada con el general estadounidense Dwight Eisenhower desataron los celos de Stalin, que a partir de 1946 lo apartó de Moscú, destinándolo a pequeñas jefaturas en Odessa y los Urales. Muchos de sus colaboradores, como Posin, terminaron encarcelados.

“Mi padre murió en Siberia. Mi madre se había trasladado allí con nosotros, para estar más cerca de él, y tampoco pudo resistir una existencia tan dura”, relata Eugen, como única respuesta a la pregunta sobre por qué abandonaron Rusia. En su propia obra, retratos preñados de odio contenido de los grandes dictadores europeos del siglo XX, Eugen expresa toda la rabia que su carácter y su voz con sordina esconden tras el humo de sus cigarros. Pero por lo que ha logrado una reputación incuestionable, junto a sus hermanos, es por sus trabajos reproduciendo obras maestras de los más dispares autores, épocas y estilos de la Historia del Arte. “Aprendimos en la academia. Lo primero que haces es ir a los museos y pintar grandes obras de grandes pintores, aprender su técnica”, explica junto a una reproducción exacta de la Giocondaque preside la exposición de espíritu ‘underground’ con la que se dan a conocer en Berlín. Esta obra no está en venta, aunque algunas hermanas suyas sí que han sido vendidas en el pasado por precios de entre 6.000 y 8.000 euros. “Pero no son copias”, corrige Eugen, “cada vez que pintamos una obra la hacemos nueva, la comenzamos desde el principio”. Y no se refiere solamente a la búsqueda de los materiales adecuados, como lienzos envejecidos o fabricación de pigmentos ya fuera de catálogo, sino sobre todo al proceso de reproducción psicológica, una especie de viaje en el tiempo, en el espacio y en el alma que permite a esta santa trinidad fraterna introducirse en la personalidad de cada uno de los artistas.

El crítico cultural Walter Benjamin escribió el ensayo publicado en 1936 por la revista ‘Zeitschrift für Sozialforschung': ‘La obra de arte en la época de su reproducción técnica’, que sigue siendo la referencia fundamental en las reflexiones sobre la reproducción artística hasta nuestros días. En ella defendía la pérdida del “aura”, de la singularidad espacial y temporal del momento de la creación, que daba lugar en su opinión a la politización del arte. “En el mismo instante en que la norma de la autenticidad fracasa en la producción artística, se trastorna la función íntegra del arte”, describió. Y no solo la obra, sino la vida entera de los hermanos Posin parece entregada a demostrar lo contrario, que el “aura” es susceptible de ser reconstruida con la misma intencionalidad con la que se reconstruye el himen y con la misma dedicación con la que se cultiva un esqueje: rescatar la esencia virginal de la creación, trasplantarla a otro tiempo, a otro espacio.

Quizá por eso, tanto los Posin como su estudio en Berlín surgen como elementos desubicados en el hilo espacio-temporal. Sus botas y chalecos del oeste americano, su pana negra y su palidez vampírica no parecen encajar en el siglo XXI ni en el barrio berlinés de Neuköln, socialmente muy castigado y donde su Kunstsalon (Salón de Arte) alternativo convive con vecinos como tenderos de fruta turcos, fontaneros desahuciados y tiendas 24 horas que seguramente venden algo más que comestibles. Reciben, sin embargo, vecinos de muy alto standing. Allí encontramos casualmente a un adinerado matrimonio que ha volado desde EEUU a Berlín dos veces en lo que llevamos de año para seguir la marcha de su encargo. “Los descubrimos en enero y nos fascinó su trabajo. La posibilidad de seguir paso a paso la creación de esa obra que tanto significado tiene para nosotros es irrepetible. Es como verla nacer en directo”, explican a dúo y a cambio del anonimato.

“Entre, entre en el estudio y vea lo que tienen ahí colgado en las paredes”, invita un cliente mientras vuelve a sacar del maletero de su viejo Volkswagen Polo un pequeño Degas con el que se le cae la baba. “Soy coleccionista, tengo varias cosas suyas. Claro que es para mí un esfuerzo económico, pero es mi debilidad. Y si me lo puedo permitir es porque para mí lo hacen a un precio muy especial. A ellos no les importa el dinero, solo el arte. Entre y hable con ellos, entenderá lo que le digo”.

Su lista de espera de encargos supera seguramente lo que podrán pintar en lo que les resta de vida. La mayoría de sus clientes, como el español que ha encargado por alrededor de 10.000 euros el espectacular ‘El nacimiento de Venus’, de Botticelli, en el que trabajan actualmente y que viajará hasta Valencia el próximo otoño, permanecen en el anonimato. Pero hay otros que no, como el empresario del sector turismo Gerold Schellstede, que ha abierto un museo en Brandemburgo exclusivamente con obras de los Posin y con un espíritu que oscila entre lo kitsch y lo filantrópico. Recibe entre 4.000 y 5.000 visitas al año y alega que “muchos ciudadanos no pueden irse a París o a Nueva York a ver esas obras y yo les ofrezco una posibilidad alternativa”, alega. Legalmente está cubierto. La Ley de la Propiedad alemana considera que el copyright de las obras dura 70 años y la mayoría de las obras que reproducen los Posin son más antiguas. Algunos Kirchner, por ejemplo, no hubiesen alcanzado ese plazo en el momento de su realización, pero ¿a quién iba a importarle? Y respecto a la autoría, los tres hermanos reproducen exactamente la firma del artista original en el lienzo, pero se cuidan mucho de estampar la propia al dorso, de modo que no engañan a nadie: es una copia Posin.

“Yo no le diría copia”, insiste Michael, cuya obra original, puramente religiosa, ha alcanzado notoriedad independiente y ha sido expuesta incluso en el Vaticano. “Cada una de nuestras copias tiene un alma auténtica, por eso yo prefiero decir obra paralela”, especifica, adentrándose de nuevo en el misterio de estos tres hermanos que no solamente pintan en equipo sino que lo hacen como si se tratase de un solo artista. Mientras Michael posa en una de las butacas de club londinense que componen el mobiliario de su estudio, Semjon se desentiende y centra su atención en unos Cipreses de Van Gogh aún por terminar y a los que añade seis estudiadas pinceladas. A continuación retoma la conversación mientras que es su hermano el que recoge el pincel manchado, que apenas ha permanecido unos segundos sobre la mesita junto al atril, y añade otras cinco o seis pinceladas más al mismo cuadro, tomando como único momento de transición unos segundos que pasa, traspuesto, frente al caballete.

El profesor de Arte Moderno y Contemporáneo de la Universidad de Heidelberg, Henry Keazor, también está de acuerdo en que no puede hablarse en propiedad de las obras Posin como de “copias”, sino “más bien como adaptaciones de estilo”. “No hay intencionalidad de fraude”, añade el autor del libro Historia de la Falsificación del Arte, que señala que hoy en día hay una industria de la falsificación anónima en la que trabajan ciudades enteras de artistas chinos que forman una especie de industria, falsificadores de poca monta que son considerados delincuentes y falsificadores de firma y muy admirados como Beltracchi, un modelo en el que podrían encajar mejor los Posin. “En el falsificador hay siempre cierta necesitad artística y psicológica de medirse con el original”, señala también, y aquí los Posin dan un paso hacia adelante respecto a la mayoría de sus competidores, puesto que llegan a falsificar obras que nunca existieron.

“Cuando vi la Sagrada Familia de Barcelona supe que Pizarro la habría pintado y que la habría pintado así exactamente”, explica Michael sobre un cuadro de pequeño formato que cuelga en el salón y que no está a la venta. “Tampoco existe un Monet idéntico a ese de ahí, pero podría haberlo pintado, se lo aseguro”, añade.

La obra de los Posin sirve de inspiración a la policía criminal de Berlín, que en los últimos años ha visto como se multiplica la circulación de falsificaciones y cuyo oficial, René Allonge, reconoce que “es la parte técnica, los aglutinantes utilizados, los adhesivos y los lienzos, donde la mayoría de los falsificadores fracasan y en ese sentido la obra Posin es un libro en el que aprender”.

Por favor, toque la pantalla mientras mira este vídeo (Please keep touching the screen while you watch)

Golden Touch (from New Album「_genic」)
Please keep touching the screen while you watch. Best viewed on full screen mode.

El vídeo, dirigido por Masashi Kawamura, se estrenó en YouTube a finales de mayo y supera los siete millones de reproducciones. El truco no es nuevo: Put your finger here.

Do not touch, video interactivo de Light Light para Kilo

Do Not Touch is a crowd-sourced music video for “Kilo” by Light Light. It is an interactive music video in which you follow on screen instructions, and afterwards your cursors gets added with the thousands of others. You can add your cursor here: http://donottouch.org

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Aquí pueden ver una captura de cuando todavía había muy pocos cursores grabados en pantalla.

Outings Project o cómo liberar los retratos olvidados en los museos

Fuente: Graffica.info

Coger el teléfono, fotografiar los retratos ‘olvidados’ que cuelgan de paredes de los museos, imprimirlos y pegarlos en las calles. Julien de Casabianca invita de este modo a colaborar con Outings Projectuna acción participativa global iniciada por el artista visual que ha recorrido el mundo con su particular acción artística.
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Los museos están llenos de obras olvidadas a las que damos la espalda a pesar de su belleza. «Cualquier persona en su propia ciudad puede ir a sus museos, tomar fotografías de retratos con sus teléfonos y liberarlos de ese olvido», afirma Julien de Casabianca. El artista sugiere una sencilla técnica que consiste en fotografiar la obra, recortar el personaje, imprimirlo en gran formato y pegarlo en un lugar adecuado.

Outings Project o cómo liberar los retratos olvidados en los museos

Objetivo: embellecer la ciudad con un poco de arte
En los rincones de la ciudad, rodeados de restos de carteles o en muros a medio derruir se encuentran las figuras recortadas de elegantes figuras del Renacimiento o de sofisticadas damas francesas del siglo XVIII y misteriosos modelos sin identidad conocida que plasmaron en sus obras pintores de antaño. Figuras que regalan al transeúnte unos centímetros de belleza.

«Los museos tienen un problema: las pinturas estrella canibalizan a las modestas. Cualquiera que vuelva del Louvre o del Prado te contará la misma historia, que vieron La Mona Lisa o Las Meninas. Es humano. Hay miles de pinturas y no puedes quedarte con todo lo que ves», afirma el artísta Julien de Casabianca.

El Outings Project intenta dar protagonismo a esas obras segundonas y no por ello menos brillantes y hermosas que son injustamente pasadas por alto. No deja se ser curioso que se muestre a personajes ‘anónimos’ de la antigüedad pegando su imagen frente a viandantes anónimos del presente.

«Necesitamos belleza en nuestra vida, no sólo en un sentido estético. Cuando un proyecto crea cohesión entre generaciones, jóvenes y mayores, hay cierta belleza también. En los espacios urbanos, el único arte que hay está (a veces) en los anuncios, en la arquitectura o en el arte urbano, sobre todo realizado por artistas jóvenes y para espectadores jóvenes. Mucha gente mayor lo considera feo o no lo entiende. Outings crea unidad, reflexiona sobre la idea común de belleza» concluye Julien.

Outings Project o cómo liberar los retratos olvidados en los museos
En caso de no poder pagar la impresión, los organizadores dan la posibilidad de solicitar becas para sufragar el gasto. Desde su puesta en marcha, la iniciativa de Julien ya ha sacado del anonimato unas 200 pinturas de personajes que a primera vista tal vez cuesta reconocer o de los que nunca se supo la identidad. Entre las ciudades donde se ha llevado a cabo el proyecto están: París, Londres, Madrid, Barcelona, Dijon, Padua y Asunción.→ www.outings-project.org
Outings Project o cómo liberar los retratos olvidados en los museos
Outings Project o cómo liberar los retratos olvidados en los museos
Outings Project o cómo liberar los retratos olvidados en los museos
Outings Project o cómo liberar los retratos olvidados en los museos

Gracias a Lulú Soto por el pase.

Venecia cierra la mezquita recreada en la Bienal de arte

Fuente: El País

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El Ayuntamiento de Venecia decidió ayer cerrar temporalmente el pabellón de Islandia de la 56 edición de la Bienal de Venecia del artista Christoph Büchel (Suiza, 1966). Se trata de una polémica instalación que reproduce una mezquita en la antigua iglesia católica Santa María de la Misericordia, de origen bizantino, que no se utiliza con fines de culto desde 1969 y es propiedad privada desde hace 42 años. Según el director general del Ayuntamiento, Marco Agostini, el pabellón no ha presentado los documentos, necesarios para tal uso. “Ha terminado siendo un lugar de culto, no una obra de arte. No han respetado las reglas”, declaró Agostini a EL PAÍS.

Ayer vencía el plazo para que la comisaria islandesa, Nina Magnufdottar, presentase al Ayuntamiento el permiso de la autoridad católica veneciana. Esta sostiene que la iglesia aún es un lugar sagrado, aunque en ella no se practique una misa desde 1969. Sin embargo, la comisaria ha enviado un documento al municipio, en el que documenta que, en 1973 el Patriarca de Venecia —posteriormente, el papa Juan Pablo I— decretó que la iglesia había sido clausurada para el culto y se podía utilizar para usos profanos. “Es un lugar para usos privados y ha sido almacén de souvenirs”, dice Magnufdottar. Los organizadores pueden presentar la documentación para intentar reabrirla.

El Ayuntamiento concedió la apertura del pabellón sin el consentimiento de las autoridades católicas, y estableció el 20 de mayo como fecha límite para enviar la documentación. La presión de la iglesia veneciana se ha hecho sentir. El edificio no pertenece a la iglesia desde 1973. No obstante, el pabellón debió pedir la autorización a la iglesia católica, según Gianmatteo Caputo, responsable de los bienes culturales eclesiásticos en Venecia. “Para cada uso diferente del culto cristiano católico es necesaria la autoridad eclesiástica, independientemente de quien al momento sea el propietario; tal autorización, para este sitio específico, no ha sido solicitada ni permitida”, escribe Caputo, en una carta al Ayuntamiento. La comisaria Nina Magnufdottar argumenta que no era necesario porque, “se trata de una obra de arte, para nosotros no existe ningún problema”.

La instalación de Büchel parece una mezquita real: hay una alfombra verde y roja, en dirección a La Meca y rótulos con los horarios de la oración islámica escritos en árabe. El pasado viernes, un centenar de musulmanes oró en la mezquita Büchel como si se hallase en un verdadero centro religioso. Ese día, Alessandro Tamborini, profesor de Ciencias religiosas y arte medieval en la Universidad Ca Foscari no pudo entrar porque se negó a quitarse los zapatos. Vista la polémica, el presidente de la comunidad musulmana veneciana, Mohamed Amin Al Ahdab, pidió no rezar en el pabellón para evitar “incomprensiones e instrumentalizaciones”. Arquitecto municipal y residente en Venecia desde hace 32 años, Amin lamenta que la instalación de Büchel no haya sido entendida y que la ciudad, con cerca de 20.000 musulmanes, no tenga una mezquita.mezquita.que la instalación de Büchel no haya sido entendida y que la ciudad, con cerca de 20.000 musulmanes, no tenga una mezquita.

Bromas con cámara oculta en museos

El la red encontrarán otros muchos ejemplos, como éste: Hidden camera comedy movie at Istanbul museum of wax.

La cadena FOX censura una obra de Picasso

Art history kills the art star: the state of the art. Wearable devices in Museums

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glass 2 Fuente: guidigo

Un cuadro de IKEA de 9€ engaña a los expertos en arte de un museo holandés

El grupo de bromistas holandeses LifeHunters.tv, especializados en la creación de vídeos virales, han puesto a prueba la fiabilidad de los expertos en arte. En un vídeo que han colgado en su web se puede ver la broma que hicieron recientemente a los encargados del Museo de Arte Moderno de Arnhem (Holanda).

El museo recibió un cuadro de Ikea valorado en nueve euros como si fuera una de las piezas de una exhibición ficticia. Boris Lange, uno de los miembros de LifeHunters, era el encargado de vender la pintura a los expertos como una pieza surrealista del artista ficticio Ike Andrews, un guiño al nombre de la multinacional sueca.

Ninguno de los entrevistados sospechó del nombre falso ni de la habilidad y “la emoción del artista” al crearlo, y algunos se atrevieron a afirmar que pagarían hasta 2,3 millones de euros por la pintura. La broma de LifeHunters añade más leña al debate sobre la subjetividad de la tasación en el mundo del arte.

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Gracias a Joan Ramon Burgués por el pase.

La historia de la estatua de Edward Snowden en un parque de NYC

Fuentes: Hyperallergic y Huffington Post

Un grupo de artistas ha colocado un busto del Edward Snowden, exanalista de la Agencia de Seguridad Nacional (NSA), en un monumento a los caídos de la independencia de EEUU en Nueva York.

El monumento se encuentra en lo alto del parque de Fort Greene, en Brooklyn, y recuerda a miles de prisioneros de guerra estadounidenses que murieron a manos de los británicos durante la guerra de Independencia.

Los artistas dicen que eligieron el lugar porque las acciones de Snowden coinciden con los ideales que defendían esos caídos. Según señalaron, se trata de una historia “construida sobre unos ideales de vivir en libertad y no estar limitado o vigilado por tu Gobierno”.

“Este es un hombre al que algunos de los medios de comunicación tradicionales presentan como un traidor o un terrorista, y lo mismo se habría dicho sobre estos prisioneros de guerra en la guerra de la Independencia”, explicaron.

Los artistas esperan que las autoridades mantengan el busto en su lugar, aunque reconocen que es poco probable que eso ocurra. De hecho, la escultura, instalada sobre una columna, fue cubierta poco después por empleados municipales.

Una portavoz del departamento de Parques de Nueva York ha asegurado a medios locales que la instalación de “cualquier estructura u obra de arte sin autorización es ilegal” y que las autoridades están estudiando su retirada.

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National Gallery, un documental de Frederick Wiseman – TRAILER

National Gallery, by Frederick Wiseman, takes the audience behind the scenes of a London institution, on a journey to the heart of a museum inhabited by masterpieces of Western art from the Middle Ages to the 19th century. National Gallery is the portrait of a place, its way of working and relations with the world, its staff and public, and its paintings. In a perpetual and dizzying game of mirrors, film watches painting watches film.

TRAILER VOSE NATIONAL GALLERY from Surtsey Films on Vimeo.

Uno de los visitantes comenta: “Este cuadro fue atacado hace un par de meses. Un loco se coló con un aerosol rojo. Y vine a la mañana siguiente y el cuadro estaba ahí, perfectamente limpio.”

El falsificador más generoso de Estados Unidos

America’s most generous con artist

Fuente: BBC

Mark Landis at home

For decades, Mark Landis donated art to museums and galleries across the US. He was feted as a wealthy collector but the pictures were fakes that he had created himself. He was never prosecuted though – he didn’t take payment so hadn’t broken any law.

“It obviously isn’t a crime to give a picture to a museum, and they treated me like royalty. One thing led to another, and I kept doing it for 30 years,” says Mark Landis, one the most prolific art forgers in US.

“Have you ever been treated like royalty? Let me tell you, it’s pretty good.”

Landis’s career as an art forger began in the mid-1980s, when he gave some pictures to a California museum, saying they were by the American 20th Century artist Maynard Dickson.

“It was an impulse to impress my mother. I always admired the rich collectors on TV giving away pictures to museums.

“I put Maynard Dickson’s name on them because that’s what the museums wanted,” he says. “He was a cowboy artist, so I went to the library and checked out some books of photographs of American Indians, and copied a bunch of them.

“I knew the museums wanted cowboy pictures, so that’s what I did.”

A Mark Landis copy of a watercolour by Paul Signac
A Mark Landis copy of a watercolour by Paul Signac…
Watercolour by Paul Signac
…and Signac’s original work

As a teenager Landis had suffered a nervous breakdown following the death of his father, and was diagnosed with schizophrenia. Art therapy revealed his talent for copying, and he was able to turn out fakes at astonishing speed.

“If I can’t get something done by the time a movie’s over on TV, I’ll give up on it.”

Posing as a wealthy benefactor, Landis donated counterfeits to dozens of respected institutions across the US until, in 2008, he walked into the Oklahoma City Museum. Matt Leininger was the museum’s registrar, tasked with looking after new works.

“We just thought Landis was a really eccentric art collector,” Leininger says. “The first piece he gave us, he actually hand-delivered – a watercolour by Louis Valtat.

“We framed the Valtat and put it on display next to a Renoir in our gallery, not knowing what we had just hung was a fake.”

Landis continued sending forgeries to museums, and might never have been rumbled had he not offered copies of the same works to different galleries.

“We received an envelope in the mail which had five additional works in,” says Leininger. They appeared to be paintings by the French 19th Century artists, Paul Signac and Stanislas Lepine.

“I did some research on the Signac, and it showed up in a press release by the Savannah College of Art and Design under the same credit line – Mark Landis. I didn’t think too much about it until I looked up the Lepine, and it showed up in a press release at the Saint Louis University of Modern Art – with the same credit line. That raised a red flag.

“I sent a message out, and within the first hour, between phone calls and emails I had 20 institutions call me and ask who this guy was and what was going on.”

Leininger says Landis did a good job on his forgeries – but they didn’t stand up to close scrutiny. One offering was a chalk drawing supposedly 300-400 years old. Leininger peeled back the brittle-looking mount board on the picture, expecting it to fall apart.

“It didn’t, and when I peeled it back it was stark white,” he says. “And it smelled like stale coffee. So he was using coffee to distress things to give them age.”

The ease with which a simple inspection revealed the deception begs the question why so many institutions were so easily fooled.

“Landis would do his homework. He knew what museums collected. He was pretty sure they were going to be accepted because it would have fit their collection.”

Mark Landis at home with some of his pictures
Mark Landis showing off some of his work in the documentary Art and Craft which told his story

The way Landis presented himself – and his donations – was also very convincing. “He said everything an art museum would want to hear,” says Leininger. He had a “back story about how he had this art collection and supposedly family wealth, promising money for endowments”.

Leininger sought advice from a former FBI agent who specialised in art crime. But because no money had changed hands for the forgeries, Landis had not broken the law. The burden of due diligence fell on the institutions who accepted his donations and if they displayed his fakes in their collection, that was their problem.

Landis had embarrassed dozens of galleries with his deception, and Leininger believes that some museums knew Landis was a fraud but kept quiet to save face.

“What curator or director wants to admit they accepted fakes into a museum?” asks Leininger. “Museums don’t want to make that stuff public.”

Landis meanwhile acknowledges his deceit, but says he doesn’t feel bad about it.

“I’m like Pinocchio,” he says. “You let your conscience be your guide. If something’s really wrong, you kind of know. I wasn’t worried about being prosecuted.”

He continued to produce forged works, even after he had been exposed, and carried on donating to unwitting galleries. Indeed, his output increased after his mother’s death in 2010.

Two years later, Oklahoma City Museum put on an exhibition of Landis’s counterfeit works. It was curated by Leininger, and opened – deliberately – on April Fool’s Day. Landis was the guest of honour.

“I was really nervous before the show because I didn’t know what to expect. But then when I got there everything was really nice. So I was pleasantly surprised,” he says.

Landis and Leininger met at the exhibition, where the forger apologised for any problems he had caused. But was Landis embarrassed by what he had done now he was confronted with a room full of his own forgeries?

“Not really – except a lot of them were really bad,” he says. “That’s why I didn’t want to look at them.”

Gracias a Susan Aumann por el pase.

Cuando deshacer las lógicas del poder no es posible en el Museo

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Tal y como a lo largo del día han ido comunicando los medios y algunas redes sociales, la exposición La bestia y el soberano, que tenía que tener lugar en el MACBA, ha sido cancelada hoy mismo, día de su inauguración.

La Bèstia i El Sobrià_ LA Bestia y el Soberano_Mail de cancelación

La muestra ha sido comisariada por Hans D. Christ, Iris Dressler, Paul B. Preciado y Valentín Roma (estos dos últimos pertenecen al equipo del museo); y coproducida con el Württembergischer Kunstverein (WKV) Stuttgart. Exploraba cómo las prácticas artísticas contemporáneas cuestionan y deshacen la definición occidental y metafísica de la soberanía política: el modo en que éstas proponen maneras de entender la libertad y la emancipación que exceden el marco de la autonomía individual, así como la forma moderna del Estado-nación.

La exposición tomaba el título del último seminario impartido por Jacques Derrida en 2002-2003, dedicado a analizar los límites de la soberanía política en la tradición metafísica. La bestia y el soberano encarnan, para el filósofo francés, las dos figuras alegóricas de lo político que se han situado históricamente más allá de la ley: la bestia supuestamente desconocedora del derecho y el soberano cuyo poder se define precisamente por su capacidad de suspender el derecho. Esta división ontoteológica produce una serie de oposiciones binarias de género, clase, especie, sexualidad, raza o discapacidad que estructuran relaciones de dominación. Por un lado, la bestia entendida como animalidad, naturaleza, feminidad, el sur, el esclavo, el sitio colonial, el sujeto no blanco, lo anormal. Por otro, el soberano que representa lo humano o incluso lo sobrehumano, Dios, el Estado, la masculinidad, el norte, el sujeto blanco y sexualmente normal. ¿Cómo pensar la soberanía más allá del poder? ¿Cómo producir soberanía cuestionando estas relaciones de dominación?

Sobre esas relaciones de dominación injustas que lleva aparejadas la soberanía popular, definida como primacía de la supuesta voluntad general frente a las minorías, iba a girar la muestra La bestia y el soberano, del 19 de marzo al 30 de agosto en el MACBA, el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona. Las obras que se incluían eran de Efrén Álvarez, Angela Bonadies and Juan José Olavarría, Inés Doujak y John Barker, Juan Downey, Edgar Endress, Oier Etxeberria, León Ferrari, Ghasem Hajizadeh, Julia Montilla, Ocaña, Mary Reid Kelley, Jorge Ribalta, Wu Tsang, Stefanos Tsivopoulos, Viktor & Yelena Vorobyeva y Sergio Zevallos entre otros.

Escribimos este post en pasado porque, según explica Efrén Álvarez en Zero Grados, la muestra ha sido suspendida supuestamente por “un tema de protección de la imagen del rey”. Detrás de esta decisión, se encuentra “el miedo a perder cargos” y apunta directamente a “la gente de la Fundación MACBA y, en general, al tipo de gente que dirige grandes entidades, que piensan que meterse o mencionar al rey no es una tontería”. “No les verás intervenir en ningún otro tema”, matiza Efrén.

La Bèstia i El Sobrià_ La Bestia y el Soberano_Loomshuttles, Warpaths o Líneas de guerra _Ines Doujak and John Barker.

Según cuentan La Vanguardia, El Mundo o Ara, el MACBA ha decidido cancelar la exposición por la inclusión de una polémica obra de la artista austríaca Ines Doujak: Haute Couture 4. Transport, que presentó el pasado mes de diciembre en la Bienal de Sao Paolo. En la impactante escultura de papel maché se representa a un pastor alemán penetrando a la líder bolivariana Domitila Barrios de Chúngara y ésta, a su vez, al rey Juan Carlos I, que aparece a cuatro patas escupiendo un ramo de flores sobre una alfombra de cascos nazis de las SS. En la Bienal de Sao Paolo, Doujak ya dijo que la obra «juega con las relaciones de poder y las subvierte».

«Es una imagen muy sensible», admite el director del Macba, Bartomeu Marí, que conoció la existencia de esta pieza este mismo lunes -«algo inaudito», lamenta- y considera que su «contenido no debe vehicularse en el museo». Según Marí la decisión de no exponer la pieza no debe considerarse como una censura: «Es una decisión del propio museo». Sin embargo, los comisarios de la exposición se han negado a quitar la escultura de la exposición.

«En mis 25 años de carrera nunca había visto una cosa similar. No conocía los detalles de la exposición con la antelación con que debería. Es un fallo. Y cancelar la exposición es un hecho absolutamente lamentable y triste», critica Marí, que había defendido la «exposición por considerarla muy pertinente». Pero ante la imposibilidad de llegar a un acuerdo con el propio equipo curatorial de la muestra, ha decidido cancelarla. ¿Y cuál será el próximo paso de Paul B. Preciado y Valentín Roma? «Espero que no presenten su dimisión y podamos seguir trabajando juntos», asegura el director.

Foto de eblavatsky en Instagram

Personalmente, tengo diferentes opiniones respecto a lo ocurrido:
La cancelación de tal exposición es la mejor metáfora (incluso performance) acerca de la soberanía y la bestia. Lo ocurrido hoy es una fehaciente muestra de la estructura institucional del MACBA, y quizás debamos preguntarnos hasta qué punto se pueden deshacer las estructuras de poder (del rey) en el mismo marco de un museo que fue inaugurado en 1995 por la misma realeza.

Me parece adecuada la reflexión de Paul Beatriz Preciado en El Estado Mental: “Si queremos salvar el museo quizás tengamos que, paradójicamente, elegir la ruina pública frente a la rentabilidad privada. Y si no es posible, entonces quizás haya llegado el momento de ocupar colectivamente el museo, vaciarlo de deuda y hacer barricadas de sentido. Apagar las luces para que, sin posibilidad alguna de espectáculo, el museo pueda empezar a funcionar como un parlamento de otra sensibilidad”.

La concentración de hoy mismo delante la puerta principal para exigir un museo democrático es importante, pero espero que no se quede sólo en eso.

Flyer convocatoria concetrnación MACBA_La Bestia y el soberano

Por otra parte, me sorprende que la información publicada en los medios sobre la “polémica escultura” sea del todo errónea en cuanto a título y autores. Tal y como he podido comprobar en los listados de la Bienal de São Paulo, la obra es Loomshuttles, Warpaths o Líneas de guerra (2009-) y no Haute Couture 4. Transporty, mientras que sus autores son Ines Doujak y John Barker en vez de Ines Doujak.

Y para terminar, hará falta seguir el desarrollo de esta situación y, por ende, actualizar esta información.

Attack on Museum Bardo in Tunis

Al menos ochos personas, entre ellas siete extranjeros, han muerto en un ataque terrorista en el Museo Bardo de Túnez, según anunció el Ministerio de Interior. Entre las víctimas se encuentra al menos un español.

Dos terroristas vestidos con uniformes militares han tratado esta mañana de asaltar, alrededor de las 12.30 horas, el Parlamento de Túnez y, tras un tiroteo, se han refugiado en el vecino museo, que está al lado de la sede del legislativo. Allí, los terroristas han tomado rehenes, tras herir a los guardias de seguridad del recinto. En el lugar habría unos 200 visitantes.

Un portavoz del Ministerio del Interior afirmó que hay al menos 8 turistas muertos, entre ellos españoles, franceses e italianos, según France 24h.

Según las mismas fuentes, la guardia de seguridad de la cámara se dio cuenta de que los dos uniformados no portaban armas reglamentarias y, al pedirles que se detuvieran, se desató un tiroteo durante el que los presuntos asaltantes lograron huir hacia el citado museo, uno de los más importantes de Túnez. Los asaltantes, además, habrían ocupado el edificio de la radio tunecina. Tras el asalto, el Parlamento ha procedido a evacuar a los diputados y a los periodistas que cubrían la información de la cámara.

Un funcionario de la Agencia del Patrimonio confirmó a Shems FM por teléfono que los asaltantes entraron en el museo disparando y que han tomado como rehenes a los visitantes y el personal del museo.

CAYSUmNW8AEnuqT
Nouvelle photo des otages du musée du #Bardo … Toujours pas du confirmation sur la mort de 4 d’entre eux. #Tunisie pic.twitter.com/WsXHB21kDQ — Med Dhia Hammami (@_med_Dhia) March 18, 2015

 
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PHOTO: A Photo taken by one of the hostages in the Bardo Museum. #Tunisia #Hostage #Developing pic.twitter.com/eq07QbNmsq — News_Executive (@News_Executive) March 18, 2015

A Tunisian official says eight people have been killed in a shooting attack on a leading museum.

Interior Ministry spokesman Mohamed Ali Aroui said on Radio Mosaique that only one of the dead in Wednesday’s attack was a Tunisian. He did not provide nationalities for the others.

Tunisia-based independent journalist Elodie Auffray posted on Twitter that one man was captured by the police, but did not elaborate.

Mosaique FM also reported that about 20 to 30 tourists were still in the museum around 1 p.m. local time Wednesday afternoon (8 a.m. Toronto time).

The station said 200 tourists were inside the museum when the attack began.

The National Bardo Museum is next to the national parliament building, which was being evacuated after the shooting.

TUNISIA-POLITICS-UNREST

TUNISIA-POLITICS-UNREST

A Tunisian official says eight people have been killed in a shooting attack on a leading museum.

Interior Ministry spokesman Mohamed Ali Aroui said on Radio Mosaique that only one of the dead in Wednesday’s attack was a Tunisian. He did not provide nationalities for the others.

Tunisia-based independent journalist Elodie Auffray posted on Twitter that one man was captured by the police, but did not elaborate.

Mosaique FM also reported that about 20 to 30 tourists were still in the museum around 1 p.m. local time Wednesday afternoon (8 a.m. Toronto time).

The station said 200 tourists were inside the museum when the attack began.

The National Bardo Museum is next to the national parliament building, which was being evacuated after the shooting.

Fuentes:
La Vanguardia
Al Arabiya News
The Star World
CBS News