Monthly Archives: agosto 2012

Aula de pintura al natural. Escuela de Bellas Artes “La Llotja”, Barcelona, 1914

El museo como zoo humano

Larga es la lista de museos planteados a guisa de zoos humanos. Buena parte de las exposiciones universales desplegaron estas “exhibiciones”, y aún, hasta hace poco, se podían ver africanos disecados en algún museo de España.

Cartel de la Exposición Colonial, Stuttgart (Alemania), 1928

París, 1900

Franz Gaillaird, Des Blancs visitant un village congolais, Bruxelles, 1897

Village senegalais, París, 1889

París, 1907

Bruxelles, 1897

Museu Darder, Banyoles (Girona). Cuerpo de “bosquimano”, disecado en 1830 y expuesto en el museo hasta el 2000, año en que fue repatriado a Botsuana, tras un largo proceso de denuncia impulsado desde 1991 por el ciudadano de orígen haitiano, Alphonse Arcelín.

Fotos de la Primera Exposición Surrealista Internacional en Londres (1936)

Fotos de la disposición de las obras en la Primera Exposición Surrealista Internacional en Londres (1936). Imágenes del libro: Roland Penrose: 80 AÑOS DE SURREALISMO (1900 – 1981). Barcelona, Ediciones Polígrafa S.A. 1981.

El Museo d’Orsay riñe a la cantante Shakira por hacerse fotos en sus salas de exposición

La cantante colombiana Shakira ha visitado estos días el Museo d’Orsay en París y no se estuvo de colgar en su Facebook una fotografía en la que aparece ante una de las obras más emblemáticas del museo: la Olympia de Manet. “Estoy con uno de los cuadros más polémicos y escandalosos de la historia del arte”, dijo la cantante. El escándalo, sin embargo, no sólo ha quedado en la pintura. A través de su página en Facebook, el museo ha dado las gracias a la cantante -y la ha regañado- por la difusión que ha hecho a la institución, pero le recordó que no está permitido hacer fotografías dentro de las salas del museo . “Mensaje destinado a 54 millones de fans, 250.000” me gusta “, más de 8.000 comparticiones y más de 12.000 comentarios en pocos días. Nos sentimos obligados a dar las gracias a Shakira por esta publicidad de alcance mundial inesperada … a pesar que las fotografías están prohibidas dentro de las galerías de l’Orsay “, publicó este lunes el museo.

Fuente: diari Ara

Acto surrealista (Ramón Gómez de la Serna: ISMOS, 1931)

Ramón Gómez de la Serna: ISMOS (1931). Madrid 1975, Guadarrama,  p. 296 y ss.

(Al final del capítulo sobre el surrealismo, escribe).

Como aclaración del suprarealismo, como explicación práctica de lo que no acaba de poderse definir bien como doctrina, voy a presentar un supuesto hijo surrealista:

(…)

Otro taxi le condujo al Museo Grévin.
Subió las escaleras del Museo del Silencio y la Cera, trémulo, entusiasta como si sonase una música de circo mientras ponía el pie en cada tramo.
No había nadie en aquel internado de los espectros solidificados. Su iconoclastia sentía un frenesí disparado, como si todos aquellos seres fuesen bolos para su deseo atentatorio.
Se sentía en el desván del mundo atosigado por aquellos tipos conocidos, cuyos trajes olían al polvo picante del desuso. Se veía lo pequeños que eran los grandes hombres cuando todos, al llegar allí, sólo tenían pensamiento de muñecos de cera.
Se dejaba tan solo al visitante porque todo allí es falso: coronas, pendientes, broches y hebillas.
Henri sentía la alegría de la impunidad, y le devolvían su sonrisa, convertida en hilaridad, todos aquellos rostros importantísimos e imponentes.
Iba eligiendo los más solemnes: San Luis, rey de Francia, Boileau, madame de Stael, Maria Estuardo, Luis XIV, Gambetta, el general Golard, Robespierre, Napoleón…
Volvió a perderse en la multitud de grandes hombres y grandes mujeres, que atestaban el saloncillo de la anteinmortalidad; con grandes precauciones, en rociada rápida, fue arrojando a sus rostros el líquido corrosivo. La fisonomía se fundía en una mancha blancuzca, y las facciones quedaban comidas por el cáncer mágico.
Napoleón se quedó como un jeroglífico con su sombrero proverbial y operado el rostro por completo.
Del encerado plástico iba borrando seres y más seres simbólicos. Sólo quedaban los ojos colganderos en sus rostros de rana.
Henri no se atrevió a ir más allá, porque podía encontrarse cortada la retirada por alguien que se diese cuenta de la desaparición de las caras más célebres, vitrioladas por el surrealista. Volvió sobre sus pasos admirado del fenómeno grotesco de aquella conversión en nadie de los seres célebres. Iba orgulloso de haber vengado estulticias coronadas o sólo renombradas.
Le exaltaba de palpitaciones su delito de veinte lesas majestades y de numerosos genicidios. Había borrado media historia de la Francia oligárquica y altanera.

musee-grevin, Paris

¨¨

IV

La opinión reaccionó contra aquel vergonzoso atentado, como si en un solo día se hubiera ofendido a todas las glorias nacionales. En todo el público, las entrañas coléricas -corazón, hígado y riñon- se habían estrujado, hechas una pelota de indignación.
Todos los periódicos atacaban al surrealismo, porque el atentado tenía la marca inconfundible de ese grupo pernicioso.
(…).
– Al campesino hay que darle enseñanza obligatoria de surrealismo… El que las ciudades de provincia sean tan aburridas es lo que crea el monstruo de las grandes capitales.
(…).
Por ahí cerca andaba el Museo de la Legión de Honor, que crispaba a los surrealistas más que ningún otro museo, pero Henri comprendía que era el Museo más salvaguardado de Francia. No podía ser objetivo de sus rebeldías, pero en cambio, en el mismo trecho, un poco más abajo, se le ofrecían aquellas puertas aprovechadas para escaparates de galardones oficiales. Poderosa tentación a su agresividad de salvador de la vida era el ver el anverso y el reverso de aquellos relieves vanos.
(…).
Sentía deseos de arrancar de todas las solapas las medallas que convierten en perruna a la humanidad, sintetizando en un recorte de oro la inmovilidad de los méritos o de las conmemoraciones.

Algunas obras expuestas en el MAMCO (Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Ginebra)

Alex Hanimann, No proof, no commentary, no double entendre. Obras de 2011 y 2012.

Gabriele di Matteo, Voyage sur la Terre, 2003 (sólo la última obra reproducida).

http://www.mamco.ch

Los pintores abstractos, obligados a explicar sus obras

El mundo del arte ha sido noticia por la reciente decisión del Consejo Internacional de Museos (ICOM), que obligará a los artistas contemporáneos que se dediquen a la abstracción “a añadir en el reverso de la tela una explicación detallada, no metafórica, de lo que se muestra en cada cuadro y de lo que significa lo representado sin ambigüedades”. La idea es facilitar la tarea de los estudiosos y divulgadores de la pintura, que muchas veces no disponen de herramientas para enfrentarse a preguntas como “¿Esto de aquí qué es?”, “¿La parte negra es porque está triste?” o “¿Quieres decir que no va al revés?”. Tampoco se permitirá recurrir a títulos como “Composición número 1″ y similares porque son “un recurso facilón que a menudo esconde la incapacidad de definir e incluso reconocer lo que uno acaba de plasmar sobre la tela”.

Fuente El Mundo Today.

Romería de San Bartolomé en Borja y seguridad para custodiar el Ecce Homo

Mientras esperamos a que pasen esos 15 días para se haga público el informe del eccehomo, para saber si sería posible revertir la restuaración de Cecilia y si van a proceder con ello, continuamos con el hilo anterior: Visitantes del Ecce Homo de la Iglesia de la Misericordia (Borja, Zaragoza) para colgar fotografías de la romería de San Bartolomé que tuvo lugar ayer. Esta festividad terminó en dicho santuario, donde muchos curiosos contemplaron la imagen del eccehomo que hubo de ser custodiada por vigilantes privados. Un vigilante permanecerá constante allí en tanto permanezca abierto el lugar.

Y para que en el transcurso de estos días no decaiga el interés suscitado, nos mantendrán suficientemente entretenidos con los resultados de dos concursos: uno internacional de pintura de temática religiosa, en torno a la figura del eccehomo en  todas las variantes y otro relacionado con la restauración religiosa “con el fin de fomentar este arte, para muchos hasta ahora desconocido”…

A ver cómo terminará el festín…

(Fotos de creps de chocolate y frambuesa hechos por una pastelería del Mercado de San Miguel de Madrid).

Se ha creado un Premio Cecilia de restauración. Para participar, ir aquí.

Cerveza, obras y públicos

The recovery of descovery, de Cyprien Gaillard (2011). En la Kunst-Werke, Berlin.

Habría que hacer notar que en 2008 el artista francés Nicolas Floc’h ya desarrolló la misma idea en el espacio Matucana 100, en Santiago de Chile, con una pieza titulada Beer Kilometer. Ahí van dos imágenes hechas el día de la inauguración.

Boys and Sculpture, de Eva Rothschild (Whitechapel, Londres, 2012)

 

Visitantes del Ecce Homo de la Iglesia de la Misericordia (Borja, Zaragoza)

Visitantes del fresco Ecce Homo en la Iglesia de la Misericordia (Borja, Zaragoza), tras la intervención/restauración por parte de la vecina pintora Cecilia Giménez. (Fotos de Gorka Lejacegi. Última foto de Toni Galán. Publicadas en El País)

Ver noticias relacionadas.

Ver “El arte apropiacionista de Doña Cecilia Giménez”

 

Imágenes antiguas de la National Gallery de Londres

Giuseppe Gabrielli, The National Gallery. Interior of Room 32, 1886

Un grupo de trabajadores en la National Gallery

Las salas Barry en 1876, con las obras a la espera de ser colgadas.

Fotografía de la Sala Turner en 1900.

Acuarela de H. E. Tidmarsh, década de 1880.

Operarios del museo cuelgan obras en las paredes del museo, bajo la atenta mirada de un supervisor. 1921. En ese año, la supervisión del público pasó de la Policía Metropolitana a los propios trabajadores del museo.

Ilustración de Bernard Partridge titulada “Desirable Aliens”, aparecida en la revista Punch. Muestra a Velázquez y al pintor estadounidense John Singer Sargent llevando una de sus respectivas obras a la National Gallery. Ilustra la compra de las mismas por el museo.

Ilustración de Bernard Partridge de 1909 aparecida en la revista Punch, en la que se satiriza el temor a que los nuevos ricos estadounidenses pudieran hacerse con obras de la colección, en este caso con el Retrato de Cristina de Dinamarca, de Hans Holbein el Joven (1538).

El Director, Neil MacGregor y su equipo con una maqueta del interior del Ala Sainsbury.

Fuentes de las imágenes:

Allan Crookham, The National Gallery, An Illustrated History, National Gallery Company, London, 2009

Web de The National Gallery, London.

Normativa original de la National Gallery de Londres, 1824

Regulations for the Exhibition of the Collection of Pictures purchased for the use of the Public, from the Executors of the late Mr. Angerstein. (1824)

1- The Gallery to be open for Exhibition on four days in the week, from 10 o’clock in the morning, till 5 in the evening.

2- All persons to be admitted a gratis upon Application at the door.

3- Not more than 200 to be admitted at the same time.

4- The Porters at the door to inform persons applying for admission when the room is full.

5- Sticks and umbrellas to be left with the Porter at the door.

6- Artists to have admission on the other two days of the week by tickets, to be furnished by the Keeper of the gallery, under the general instructions of the Lords Comissioners of His Majesty’s Treasures.

Fuente: Allan Crookham, The National Gallery, An Illustrated History, National Gallery Company, London, 2009, p. 53

The Gallery of Lost Art

 

Until 1 July 2013 www.galleryoflostart.com

 

An innovative online exhibition reveals the stories behind lost artworks by some of the world’s most famous modern and contemporary artists.

The Gallery of Lost Art is an immersive, online exhibition that tells the stories of modern and contemporary artworks that have disappeared. Destroyed, stolen, discarded, rejected, erased, ephemeral—some of the most significant artworks of the last 100 years have been lost and can no longer be seen.

Set within a warehouse-like space through which the visitor can wander at will, the Gallery of Lost Art presents the stories of lost art through research materials (letters, photographs, news clippings, audio tracks, and films), grouped informally on individual tables as if they were items in an actual archive. Throughout the exhibition people are shown looking at the materials, thumbing through the documents, reading associated texts and watching films on laptops—with an implicit invitation for visitors to join these people in exploring the varied evidence of the missing works’ existence and eventual loss.

Curated by Tate, and produced in partnership with Channel 4, with additional support from The Arts and Humanities Research Council (AHRC), this virtual year-long exhibition explores the sometimes extraordinary and sometimes banal circumstances behind the loss of major works of art. Using archival images, films, interviews, blogs, essays, and links to internet resources, the exhibition focuses on the loss of works by over forty artists across the twentieth century. These include such figures as Marcel Duchamp, Frida Kahlo, Willem de Kooning, Kazimir Malevich, Joan Miró, and Rachel Whiteread.

The exhibition shows how recent art can fall victim to fire, theft, war, neglect, and sheer bad luck as easily as art of the past. It also highlights the range of forms that loss can take. Loss can be temporary (in the case of stolen works) or permanent. It can also be accidental or intentional, the product of decisions made by artists or the owners of artworks.

Jennifer Mundy, curator of The Gallery of Lost Art, says: ‘Art history tends to be the history of what has survived. But loss has shaped our sense of art’s history in ways that we are often not aware of.’

‘Museums normally tell stories through the objects they have in their collections. But this exhibition focuses on significant works that cannot be seen. It explores the potential of the digital realm to bring these lost artworks back to life—not as virtual replicas but through visual evidence and the stories surrounding them.’

Many artists produce works that are intentionally short-lived or ephemeral, and in this sense embrace loss as a condition of their work. And although loss is often a matter of deep regret, it can also be a source of creativity, with incomplete or damaged works taking on a second life as ‘relics’ or spurring artists to create new works. It can even be a subject of art itself. In 1953 the American artist Robert Rauschenberg famously created a work by erasing a drawing by Willem de Kooning.

This act of defacing a fellow artist’s work is given a new twist by artists Jake and Dinos Chapman, who buy early nineteenth-century Goya etchings and then draw over them, as Jake Chapman explains in a film made for the exhibition: ‘We decided to draw on Goya. The point of Goya making the work was about wide dissemination … but what we’re doing is rarifying the work by drawing on it, so we can deplete the numbers that are available.’

The Gallery of Lost Art will last for one year before itself being lost. It launches with over twenty artworks, with a new work being added each week for the next six months. The site also provides a platform for interaction, discussion, and commentary on the subject of lost art as a whole.

Tate and Channel 4’s collaboration on The Gallery of Lost Art is rooted in a shared commitment to high-quality arts content, creativity, and digital innovation.

Jane Burton, Head of Content and Creative Director, Tate Media, says: ‘The Gallery of Lost Art is a ghost museum, a place of shadows and traces. It could only ever exist virtually. The challenge was to come up with a way of showcasing these artworks and telling their stories, when, in many cases, poor-quality images are all we have left of them. The result is a new way of looking at art: an immersive website in the form of a vast warehouse, where visitors can explore the evidence laid out for them. Soundscapes and documentary films add to the rich content experience. We’re delighted to have worked with the digital design agency ISO to realise the project.’

En la Alte Nationalgalerie

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De Pablo Morata

TOUCH. El mundo en la punta de los dedos.

Exposición en la Fundación Claude Verdan y el Museo de la Mano de Lausana (Suiza).  — http://www.verdan.ch

TOUCH. El mundo en la punta de los dedos.

Verdadero elogio del tocar, sumerge al visitante en las formas múltiples de nuestra relación sensorial – y a veces sensual –  con el mundo. En una exposición interactiva y táctil, el público descubre la virtuosidad de la mano y la ingeniosidad de los utensilios ergonómicos, experimenta la sensualidad del diseño háptico y toma conciencia de la importancia de tocar en las interficies tecnológicas.
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Publicación recomendada por los comisarios de la exposición: La Main cet univers, de Claude Verdan.
La Main cet univers, par le Professeur Claude Verdan (1995) est un ouvrage, richement illustré, qui s’adresse à la fois aux médecins et au grand public. Au cours d’entretiens avec Jacques Dominique Rouiller, directeur de la publication, Claude Verdan fait part des réflexions que lui inspire ce magnifique organe qu’est la main de l’homme. L’iconographie de la publication s’appuie principalement sur les collections – oeuvres d’art, photographies et autres objets – du Musée de la main dont ce livre est en quelque sorte la préface. 224 pages, plus de 200 illustrations dont 100 en couleur.

The statues are rising against us!!!

No one saw THIS coming. How can we defeat them?

– that’s what the Stan Winston School of Character Arts says. Image