Archivos de Autor: Mireia c. Saladrigues

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THE MONUMENTS MEN

En estos tiempos en los que los ladrones de arte escriben sus biografías, son motivo de documentales e incluso de producciones cinematográficas, las historias relacionadas con los robos de arte durante la Segunda Guerra Mundial han llegado también a Hollywood. Así la apenas estrenada The Monument Men es la película que más interés ha despertado sobre el tema. Esto puede ser debido a una curiosa mezcla de publicidad invasiva y descarada (¿Qué hacía un stand de esta película en ARCO?), actores famosos (como George Clooney, Matt Damon y Bill Murray), acción bélica y antinazismo de taquilla, así como una general y creciente simpatía por las intrigas detectivescas alrededor del arte.

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Lt. Dale Ford, left, and Sgt. Ettlinger with the Rembrandt self-portrait from Karlsruhe’s Art Museum.
American Jewish Historical Society

Dadas las circunstancias, esta entrada al blog es para poner en claro lo que, épicas a parte, supuso que 345 hombres y mujeres de 13 países diferentes rescataran miles de obras robadas, amontonadas y guardadas entre 1941 y 1953. Para ello hay un buen artículo en el New York Times que a la vez se refiere a la exhaustiva página web donde vienen recogidas las historias alrededor de estas acciones, así como un listado de quienes fueron esas personas, bibliografía relacionada y demás. Y es que la película de George Clooney está basada en el libro Monuments Men escrito por Robert M. Edsel, un tejano apasionado por este tema que ha sido el impulsor de tan exhaustivo trabajo de documentación y comunicación… En fin, otro día tendríamos que hablar de las miles de obras de arte europeas que se encuentran en Estados Unidos, algunas encargadas a grandes ladrones de guante blanco, como es el ya famoso Erik El Belga.

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Edith A. Standen, left, and Rose Valland in 1946. Credit James J. Rorimer papers,
Archives of American Art, Smithsonian Institution

The Con Artist en 60 Minutes

Aquí un abstracto del programa ’60 Minutes’ del canal CSB que el domingo 23 de febrero fue dedicado al falsificador Wolfgang Beltracchi, cuyas pinturas son consideradas notables obras de falsificación. Según él mismo explica en el documental, corresponden a sus visiones e intuiciones sobre lo que los grandes pintores pudieron haber hecho o que pudieron haberse perdido. Lo curioso, pues, de este caso no son las “copias” de obras de arte que él llevó a cabo, sino su afirmación de ‘haber canalizado’ al artista para crear nuevas obras que  son atribuidas a tal o cual artista. Cuando se le arrestó en 2010 debido al component químico de uno de los blancos que usó, las casas de subastas que autentificaron sus falsificaciones fueron denunciadas. Y sus expertos ya no se atreven a emitir opiniones de autentificación. Hoy en día Wolfgang Beltracchi pinta bajo su propio nombre para enfrentarse a millones en demandas.

Heinrich Campendonk forge by Wolfgang Beltracchi

Mientrastanto, también se anuncia para el 6 de marzo una película sobre su persona, cuyo trailer ya está en vimeo.

Wolfgang Beltracchi

Y más abajo el script de ‘The Con Artist’ con Bob Simon de conrresponsal y Katherine Davis de productora: Wolfgang Beltracchi is a name you may never have heard before.  Very few people have. But his paintings have brought him millions and millions of dollars in a career that spanned nearly 40 years. They have made their way into museums, galleries, and private collections all over the world.  What makes him a story for us is that all his paintings are fakes. And what makes him an unusual forger is that he didn’t copy the paintings of great artists, but created new works which he imagined the artist might have painted or which might have gotten lost. Connoisseurs and dealers acknowledge that Beltracchi is the most successful art forger of our time — perhaps of all time. Brilliant not only as a painter, but as a conman of epic proportions.

Bob Simon: Are you the best forger in the world?

Wolfgang Beltracchi: Maybe, yeah.  In the moment.

He agreed to meet with us in Cologne recently and took us to a small wooden bridge outside his home.  He volunteered to show us how he works. He was forging a Max Ernst, the German surrealist of the early 20th century.  Beltracchi was painting on this wooden bridge because Ernst had done much of his work on a wooden floor.

Bob Simon: I have seen Beltracchi forgeries on the cover of Christie’s catalogues.

Jeff Taylor: Yes, yes.

Bob Simon: That’s pretty good isn’t it?

Jeff Taylor: It is really good, it is really good

Jeff Taylor teaches arts management at Purchase College. He says though there is no shortage of gifted forgers, Beltracchi holds the title. He has made more money than any other art forger ever.

Jeff Taylor: He combined all the nefarious techniques of everybody who came before him and made very important innovations in exactly what is essential.

Bob Simon: You have called him an evil genius?

Jeff Taylor: Yes.

Bob Simon: So aside from being a very talented painter, he was also a very accomplished conman?

Jeff Taylor: Absolutely one of the best.

He started making a few bucks in the game when he was quite young, but his career really took off when he married Helene, a perfect co-conspirator, in 1993.

Bob Simon: You were really the Bonnie and Clyde of the art world, weren’t you?

Wolfgang Beltracchi: Yes, Bonnie and Clyde, yeah. Without weapons. Only with pencils.

Bob Simon: But you were a pair, you did everything together.

Helene Beltracchi: Yeah.

Wolfgang Beltracchi: Everything together, yes, yes.

They invented a story that fooled them all. Helene said her grandfather hid his art collection at his country estate in Germany before the war to protect it from the Nazis.  When he died, she said, she inherited it.  But there was nothing to inherit, because there had never been a collection. Every one of the works had been painted by Wolfgang Beltracchi.

Helene Beltracchi: When I said it’s a collection of my grandfather it was OK.

Bob Simon: It was OK, but it wasn’t true

Helene Beltracchi: No, it wasn’t true.  But the others – never asked me more.

Bob Simon: ‘Cause it was a good story?

Helene Beltracchi: Yeah.

Bob Simon: And you were a good actress in telling the story?

Helene Beltracchi: Maybe.

She and Wolfgang even created fake labels from a real German dealer which they put on the backs of paintings, staining them with coffee and tea to make them look old.

They toured flea markets like this one to find canvases from the right periods.

Bob Simon: Tell me what we’re doing here. Tell me what we’re looking for.

Wolfgang Beltracchi: We’re looking for a painting like that because we need something that is 1919, 1910, see that’s a French one.

Bob Simon: You can get that completely clean?

Wolfgang Beltracchi: Yeah, yeah, completely clean, yeah.

They sent paint pigments to labs to make sure they had been available at the time the artist had painted.

Bob Simon: You were really perfectionists weren’t you?

Wolfgang Beltracchi: Yeah, yeah sure.

Bob Simon: And hearing you talk, you were really good criminals.

Wolfgang Beltracchi: Yeah, yeah.

Helene Beltracchi: Yeah.

Wolfgang Beltracchi: Yeah, it’s true.

To back up their story, they found an old box camera like this one, dressed Helene up to look like her grandmother, hung up some forgeries behind her and took some bogus photos on pre-war paper.

Jeff Taylor: To make it look like an old photograph which is, in the art world, in the documentation aspect, is golden.  Archival photographs are sort of the El Dorado.

Bob Simon: Now when you see something like that, do you say, “You gotta hand it to him”?

Jeff Taylor: Yes, yes you do.

Bob Simon: He was off and running.

Jeff Taylor: He was off and running.

Running to luxurious estates they bought in Germany and in France, vineyard included. They gave parties Gatsby would have loved and they traveled the world in style, by land or  by sea.  Bonnie and Clyde had taste.

Wolfgang Beltracchi: This is – was – my boat, yah.

Bob Simon: I don’t think you’re translating correctly. This isn’t a boat, it’s a yacht.

Beltracchi was riding high and thought he would stay up there forever.  He was turning out forgeries – like this Max Ernst which went for $7 million. But then in 2010, he got busted by this tube of white paint.

The Dutch manufacturer didn’t include on the tube that it contained traces of a pigment called titanium white. That form of titanium white wasn’t available when Ernst would have painted these works and Beltracchi’s high ride was over.

Jamie Martin, one of the world’s top forensic art analysts, uses science to help determine whether or not a painting is genuine. We asked him to examine this Beltracchi forgery for us.

Jamie Martin: His fakes are among the best fakes I’ve seen in my career. Very convincing.  Very well done.

Bob Simon: And what you’re saying is that basically he got away with it for 40 years because nobody was examining them properly?

Jamie Martin: Nobody was examining them closely enough.

He showed what he does, how he uses a stereomicroscope to study every millimeter of a painting’s surface, and to select and remove samples.

Bob Simon: You actually take little pieces off of the painting?

Jamie Martin: We take very little pieces. We take only the minimum amount that’s required. Smaller than the width of a human hair.

He uses what is called Raman spectroscopy, which can help detect historically inaccurate pigments. That’s what cut Beltracchi’s career short.  He was sentenced to six years in a German prison. His wife, Helene, to four. But the chaos they wrought has not been undone.  Now, galleries and auction houses who vouched for his forgeries have been sued by the collectors who bought them.

Bob Simon: You have, in fact, you’ve really upset the art world, haven’t you?

Wolfgang Beltracchi: Yeah sure, they all hate me, these experts now–

Bob Simon: Do you think the experts are just incompetent or that they are also frauds, that they pretend to know more than they know?

Wolfgang Beltracchi: No, no nearly all the experts we have met, we met, they were serious, really serious. Their only problem was that I was too good for them. Yes, that was their problem, that’s all.

And with all the legal problems they now have, many experts are very hesitant to use their expertise.

Jeff Taylor: I think they’re terrified. I think that Beltracchi particularly put them in a very nervous position.

Bob Simon: So being an art expert today is a risky business?

Jeff Taylor: It’s so risky that a lot of authentication boards have shut down. There’s just simply too much legal peril out there. It’s one of the reasons why a lot of experts will not give their opinions.

Many foundations representing major artists like Andy Warhol, Keith Haring and Willem de Kooning are refusing to authenticate works brought to them at all.  Francis O’Connor is the world’s top Jackson Pollock expert.  He says he can spot a fake Pollock in a second, but these days is keeping his opinions to himself.

Bob Simon: What if I were to come to you and say “this has been presented to me as a Pollock”

Francis O’Connor: Someone comes to me about once a week. I just let it go by

Bob Simon: Let it go by?

Francis O’Connor: In other words, ignore it.

Bob Simon: I’m not quite sure I understand.  If I come to you and I say, “Hey, this has been presented to me as a Pollock” and you can see right away that it isn’t, you’re not going to tell me “this is not a Pollock”?

Francis O’Connor: I would be very hesitant to give any opinion at that point, because of the legal situation.

Bob Simon: Where do I go to see whether my painting is a real Pollock or not?

Francis O’Connor: There is nowhere to go.

When collectors do have suspicions about their paintings, one of the few places they can go is Jamie Martin’s lab.

Bob Simon: Ballpark figure, if you’ve examined say a hundred paintings, how many of them are fakes?

Jamie Martin: I would say probably 98 percent are fake.

Bob Simon: No kidding.

Jamie Martin: That’s just the numbers.

At his trial in 2011, prosecutors said Beltracchi had created 36 fakes which were sold for $46 million.  But art historians believe, and Beltracchi told us, that there may be more than 300 of his fakes all over the world. German police have uncovered 60 so far and the numbers keep climbing.

Bob Simon: Do you think we’ll be uncovering fake Beltracchis for years to come?

Jeff Taylor: Absolutely. There’s gonna be many more out there. But one thing we know about fake art works is short of having them burned or destroyed, they have a strange way of finding their way back onto the market, generation after generation.

And no one disputes that they are awfully good.  Beautiful. This $7 million dollar fake Max Ernst is being shipped back to New York.  Its owner decided to keep it even after it had been exposed as a fake. He said it’s one of the best Max Ernsts he’s ever seen.

Beltracchi spent a year and a half in this grim penitentiary, but is now allowed to spend many days at home, where he is launching a new career. Beltracchi is painting again and is signing his works Beltracchi.  He needs to get his name out there, which is probably why he agreed to talk to us. He’s lost everything is now facing multiple lawsuits totaling $27 million.

Bob Simon: Did you ever think you would wind up in prison?

Wolfgang Beltracchi: No.

Bob Simon: At what point did you realize, uh-oh, I’m in trouble, this is over?

Wolfgang Beltracchi: When I was in prison.

Bob Simon: Not before then.

Wolfgang Beltracchi: Not really, no.

Bob Simon: Do you think you did anything wrong?

Wolfgang Beltracchi: Yes, I use the wrong titanium white, yeah.

Bob Simon: What do you think this Max Ernst would be worth?

Wolfgang Beltracchi: This one?

Bob Simon: Yeah.

Wolfgang Beltracchi: $5 million, I think.

Bob Simon: $5 million.  And you can do it in three days?

Wolfgang Beltracchi: Yeah, oh yes, yes, sure, or quicker.

Beltracchi estimates he has done 25 Max Ernsts. He is not copying an existing work. He’s painting something he thinks Ernst might have done if he’d had the time or felt like it.

Bob Simon: So you would be doing a Cezanne that Cezanne never painted but that you thought he might have wanted to paint?

Wolfgang Beltracchi: Yes, exactly.

So, in a sense, every Beltracchi painting is an original. He just lied about who painted it. He says forged a hundred artists and can do just about anyone.

Bob Simon: Could you do a Rembrandt?

Wolfgang Beltracchi: Yeah, sure.

Bob Simon: Could you do a Leonardo?

Wolfgang Beltracchi: Yeah, yeah, sure.

Bob Simon: Who couldn’t you do?

Wolfgang Beltracchi: Maybe Bellini. Bellini’s really difficult.

He has sold his forgeries. Of course, but says he can still see some of them because they’re on public display.

Bob Simon: Have you seen your paintings, your forgeries hanging in museums?

Wolfgang Beltracchi: Yeah. Yeah, all the museums, you know. I think I am one of the most exhibited painters in museums of the world.

Bob Simon: You are one of the most exhibited painters in the world?

Wolfgang Beltracchi: Yeah, yeah.

Bob Simon: That’s quite an accomplishment

Wolfgang Beltracchi: Yeah.

You might have seen his stuff in New York’s Metropolitan Museum or in the Hermitage in Lausanne…to name just a couple.  You can also see them in the homes of the one percent. Actor Steve Martin bought this one. Beltracchi’s forgeries have also made it into art books listing the best paintings of the 20th century and have been sold in many of the world’s top auction houses.

Ne mettons pas les tableaux sous verre

En dos diferentes artículos en la Tribune de l’Art  con fechas del 8 y 16 de febrero, Dider Rykner comenta la compleja situación sobre los necesarios dispositivos de seguridad de pinturas de gran valor que resultan, al final, excesivos. Y como incluso pueden llegar a ser contraproducentes en caso de necesidad de una rápida evacuación (como por ejemplo un incendio) y dificultan, en la mayoría de sus casos, la mirada. Y si no, pues que se lo pregunten a la imagen del autor reflejada por el cristal de más abajo…

2. Didier Rykner Autoportrait avec Bertrand Galimard Flavigny

Didier Rykner
Autoportrait avec Bertrand Galimard Flavigny
(derrière la vitre, un tableau d’Ingres)

Les nouvelles de Lens sont heureusement très rassurantes : le feutre utilisé pour écrire sur la Liberté part assez facilement, l’épaisse couche de vernis du tableau ayant servi de protection.

Si cette affaire doit, à notre avis, poser une nouvelle fois la question de la pertinence du déplacement inutile de cette œuvre fragile qui ne devrait plus quitter le Louvre, il ne faudrait pas, comme on peut le lire ici ou là, que cela accélère un phénomène très regrettable qui se développe dans beaucoup de musées : le placement sous une protection excessive des œuvres, très coûteuse alors que l’argent manque, et qui empêche leur bonne contemplation. Il suffit de se rendre dans la grande Galerie du Louvre et d’essayer de regarder le Saint Sébastien de Mantegna (ill.) pour comprendre le problème.
La pose de verres et de caissons climatiques sur les tableaux est une véritable plaie qui ne doit se faire que dans quelques cas exceptionnels, et encore. Le risque zéro n’existe pas et on ne peut raisonner en fonction d’incidents en définitive fort rares et presque jamais irrémédiables.

A-t-on d’ailleurs pensé aux conséquences sur une évacuation rapide qui serait rendue nécessaire par un incendie ou une soudaine catastrophe ? Il serait alors très difficile de sauver des œuvres devenues trop lourdes ou inaccessibles par des systèmes de protection sophistiqués.
Ne répondons pas à de vraies questions par de mauvaise solutions.

Andrea Mantegna (1431-1506) Saint Sébastien

Andrea Mantegna (1431-1506) Saint Sébastien

Il est de moins en moins difficile de repérer, dans les expositions en région, les œuvres prêtées par le Louvre. Celles-ci font en effet l’objet de mesures de précaution qu’on peut difficilement rater. Soit il s’agit d’une mise à distance, à l’aide d’un cordon ou d’une barrière de faible hauteur, qui est censée empêcher le visiteur de toucher l’œuvre par mégarde en la regardant de trop près (c’était le cas, par exemple, au Musée des Beaux-Arts de Rouen pour l’exposition dédiée à Delacroix et la Normandie l’année dernière dans le cadre de l’opération Le Temps des Collections), soit on se trouve devant une grosse vitre placée devant l’œuvre comme nous venons de le voir au Palais Lumière d’Évian dans l’exposition consacrée au Baron Vitta (voir l’article).

Ces dispositifs sont à la fois gênants pour le visiteur et, pour le premier, plus risqué pour les œuvres que ce dont il prétend les protéger. Qui n’a expérimenté le danger de ces barrières basses dans lesquelles un visiteur distrait aura vite fait de basculer, au risque de tomber sur l’œuvre ? Un vandale qui voudrait délibérément abimer un tableau ne se laissera évidemment pas arrêter par un tel dispositif qui ne dérange que les visiteurs ayant envie de voir l’œuvre de près.

Mais la demande la plus gênante est bien celle de mettre une vitre entre l’œuvre et les visiteurs. Dans l’exposition Vitta, deux tableaux d’Ingres, fort proches de sujet, de format et de technique, sont placés côte à côte. Celui de gauche appartient au Musée des Beaux-Arts de Lyon, qui l’a prêté sans demander autre chose que les précautions habituelles. Celui de droite vient du Louvre. Et il est à peu près invisible à cause des reflets, comme en témoigne la photo de face que nous en avons prise (ill. 2). C’est peut être bête, mais un amateur d’Ingres préférera toujours voir un tableau du maître que son propre reflet dans une glace. Il n’a pas besoin d’aller au musée pour cela.
Où est ici le plaisir de la contemplation d’une œuvre d’art ? Prétexter la sécurité des œuvres, alors qu’on ne cesse de leur faire courir des risques inutiles en les prêtant ou en les louant parfois pour des expositions sans intérêt, semble très hypocrite. Ou alors il faut définitivement cesser d’exposer les originaux et les enfermer dans des coffres où on est à peu près sûr qu’ils ne risqueront rien.

Exposition « L’effet Bloemaert », Utrecht

Exposition « L’effet Bloemaert », Utrecht
A gauche : Bergère avec des grappes, 1628
Karlsruhe, Staatliche Kunsthalle
Au centre : Allégorie de l’hiver, vers 1625-1630
Paris, Musée du Louvre
A droite : Bergère avec un poème, 1628
Tolède, Museum of Art
Photo : BBSG

Un pase más de Elena Vozmediano.

Crónica de un expolio silencioso en España

Con la que está cayendo, nos toca -desgraciadamente- hacer también una entrada aquí en referencia a la situación política y cultural del país. Y es que de manera silenciosa y escalonada, se están poniendo a la venta obras que -aunque en su pasado y presente su discurso no esté en sintonía con las ideas de algunos- quizás deberían estar en nuestros museos.

LA CRUCIFIXIÓN_EL GRECO

‘La crucifixión’ de El Greco, vendida en Londres.

Una crucifixión de grandes dimensiones de El Greco, que un día perteneció al Museo Zuloaga de Zumaia (Guipúzcoa), se remata en Londres por cuatro millones de euros… Un soberbio rubens (Retrato de un caballero) encuentra, también en la capital británica, comprador por 3,8 millones… La colección de 45 piezas de arte contemporáneo en homenaje a Chillida, propiedad del conglomerado Urvasco y depositada en el Bellas Artes de Bilbao, se liquida Christie’s para enjugar las deudas contraídas con la Diputación Foral… Se vende la excelente colección de arte precolombino Barbier-Mueller depositada en Barcelona… Podrían ser los titulares de un boletín de noticias sobre la fuga silenciosa de patrimonio en España. Y también, la invitación a formular unas preguntas urgentes: ¿estamos perdiendo nuestros tesoros artísticos? ¿Hay dejación por parte de quienes están obligados a protegerlos?

Cada caso, cada colección, cada obra narra su propia historia, pero contadas juntas construyen una novela inquietante, con un innegable ingrediente en su trama: los fortísimos recortes en el Ministerio de Cultura esquilman las posibilidades de retener las obras. Sucedió en verano, cuando uno de los nietos de Zuloaga vendió en la sala Sotheby’s de Londres la Crucifixión de El Greco, que durante años se expuso en el museo dedicado al pintor en Zumaia. En España hay otros tres lienzos del artista de este tamaño y temática. Ancora —asociación destinada a proteger los bienes artísticos del País Vasco— puso el grito en el cielo. “Intentamos frenar la venta, fuimos a la Diputación [de quien depende el cuidado de ese patrimonio], pero no sabían nada. Luego nos enteramos de que Cultura le había concedido el permiso de exportación. Una pérdida lamentable”, apunta Alberto Fernández, de Ancora. ¿Por qué se consintió su salida?

Juan Antonio García Castro, director del Museo de El Greco, en Toledo, calcula que entre taller, seguidores, imitadores y obras autógrafas, el catálogo del pintor cretense oscila entre 300 y 400 piezas. Pero hay trabajos —como el que prepara Carmen Garrido, antigua restauradora del Prado— que dejan en solo 70 las piezas de las que hay certeza absoluta. Si hasta ahora los grecos eran valiosos, en el futuro lo serán más. Pero esta interpretación no caló en la Junta de Calificación, Valoración y Exportación de Bienes del Patrimonio Histórico Español del Ministerio de Cultura, que se encarga de dar el plácet a la salida de las obras.

El organismo autorizó la venta porque entendió que “era una obra de taller y la imagen era una de sus composiciones más repetidas”, justifica un miembro de la junta. Claro que el coleccionista que pagó 3.442.500 libras (4.053.902 euros) por la tela no pensó lo mismo. Tampoco García Castro: “Ojalá el Estado la hubiera comprado para el museo”.

‘Retrato de un caballero’ de Rubens.

La historia se repitió recientemente con Retrato de un caballero, de Rubens (1577-1640). Un pequeño pero soberbio óleo influido por Velázquez que formaba parte de la colección de Fórum Filatélico y salía a la venta para ayudar a resarcir a los estafados por el fraude de los sellos. Era impensable que el Estado no ejerciera la opción de compra o al menos denegara a la tela su salida del país.  Pero no lo hizo, y permitió que se subastara en Sotheby’s Londres. El cuadro pasó de un precio de salida de 477.700 euros a rematarse por 3.818.320 euros.

Justo es reconocer que la obra la adquirió Fórum Filatélico en el extranjero, por lo que el propietario puede reexportarla en cualquier momento. El vendedor (el organismo concursal) se amparó en una ley de hace 28 años. Una regulación que daba estas facilidades con el objetivo de fomentar el coleccionismo en una España en la que este era una rareza. ¿Resultado? Otra pieza perdida.

Porque el gran arma para evitar la merma del patrimonio es la legislación. Una normativa estricta que, al menos, bloquee la salida de piezas cuando no hay, como ahora, dinero público para comprarlas. Tanto es así, que en 2013 Cultura no ha adquirido ninguna obra en subasta en el extranjero. Ahí fuera tiene que competir con el resto de pujadores y carece de derecho de tanteo (compra preferente). La última adquisición de cierto empaque data de 2011 y fue un conjunto de 42 vistas de ciudades de Genaro Pérez Villaamil procedentes de la colección del Duque de Claredon.

Cultura cuenta con un presupuesto para adquisiciones un 85% menor al de los tiempos del boom económico. Este año, la Junta de Calificación de Bienes ha tramitado la exportación de 14.277 objetos artísticos de los cuales se denegó la salida del país solo a 68 (0,48% del total). Sobre ese número, 34 se adquirieron, 11 fueron autorizados a salir posteriormente —en una segunda ronda de estudio— y 23 no se compraron. Estos últimos, cuya exportación se bloquea, “son los imprescindibles para nuestro patrimonio”, puntualiza un representante del organismo público de valoración.

Pese a los indicios, Dalia Padilla, directora de Christie’s en Madrid, recuerda que “las leyes [de exportación] son muy claras”. España tiene una normativa similar a la francesa y la italiana (las obras de más de 100 años deben solicitar permiso de exportación así como todos los bienes incluidos en el Inventario General). El espíritu de la ley se aparta del modelo inglés. “Cuánto más restrictiva sea una normativa más mercado negro provocará”, advierte el coleccionista Juan Várez.

De los 14.277 objetos examinados este año solo se denegó la salida del país de 68

Pero ese laissez faire, laissez passer también produce sus monstruos. Estos meses vuela hacia Catar el óleo Niño con paloma, de Picasso, uno de los iconos de la londinense National Gallery, que durante 30 años colgó de sus paredes. Propiedad de la familia galesa Aberconway, sus miembros lo pusieron a la venta, de forma privada, en 2012 en Christie’s. Hasta abril de este año el museo británico intentó —gracias a una prohibición temporal de exportación— conseguir fondos públicos para impedir su salida de Inglaterra. No lo consiguió y tuvo que levantar el veto. Lord Inglewood, que se movilizó para lograr el dinero, calificó la pérdida de la tela, adquirida por el emirato catarí, como “una gran vergüenza”.

Por eso hay que tomar precauciones. Tendemos a asociar el expolio en el arte solo con la pintura, y es necesario mirar más allá: hacia el suelo y la mar. España tiene uno de los mayores patrimonios arqueológicos del mundo tanto en tierra como sumergido. Casos como el del Odyssey, y las 595.000 monedas de oro y plata extraídas ilegalmente del buque Nuestra Señora de las Mercedes, o el expolio de los cascos celtíberos de Aranda de Moncayo nos lo recuerdan. Pero también la pérdida de la colección —313 piezas— de arte precolombino Barbier-Mueller, que durante 15 años se expuso en el Palacio Nadal de Barcelona y que la familia vendió en marzo pasado en Sotheby’s. Es cierto que nunca fue patrimonio de la ciudad, porque estaba alquilada a su propietario. Sin embargo también lo es que en su día el Estado la intentó comprar, aunque “lo hinchado del precio, las sombras sobre la procedencia de algunas piezas y las condiciones de exposición dieron al traste con la idea”, recuerda Félix Jiménez Villalba, subdirector del Museo de América de Madrid.

Desde luego, esta pérdida no solo afecta a los tiempos precolombinos sino, también, a los actuales. Tanto es así que la crisis se llevó por delante el pasado verano la colección del grupo inmobiliario Urvasco, que fue liquidada por completo en la sala londinense de Christie’s para enjugar las deudas contraídas con la Diputación Foral de Vizcaya. El corpus de 45 obras (Anish Kapoor, Cy Twombly, Georg Baselitz, Richard Serra…) componía la colección Homenaje a Chillida, creada como tributo al escultor tras su muerte en 2002, y se hallaba depositada en el Museo de Bellas Artes de Bilbao. El conjunto de piezas fue ofrecido como dación a la institución autonómica; sin embargo lo rechazó. “Nunca deberían haber salido de aquí. Nunca se volverá a reunir una colección igual”, se lamenta Pedro Carreras, galerista bilbaíno responsable de atesorar las obras. “Pero con la crisis… La Diputación prefería antes cualquier cantidad de dinero”.

Sea como sea, advierten los expertos, esta novela no solo puede estar formada por normas y números. “Todos tenemos una responsabilidad con el futuro. Hay demasiada obra que se está yendo”, admite Manuel Borja-Villel, director del Reina Sofía. “Y no solo es lo que perdemos sino lo que podríamos haber tenido y ya no tendremos. Es un problema grave. Y no es una cuestión de dinero, sino de actitud. Si quieres que las obras se queden puedes comprar promoviendo la dación [pagar impuestos mediante piezas]”.

Para eso hace falta sensibilidad y una actitud distinta ante la evidencia de que España tiene un problema de conservación de su patrimonio. El catedrático Francisco Calvo Serraller pone un ejemplo sangrante: “La salida del constable fue un disparate político”. Se refiere a la venta de La esclusa, una de las joyas de la colección Thyssen, que Carmen Cervera vendió por “falta de liquidez”. Consiguió 28 millones. Pero lo grave, paradójicamente, se halla, a juicio del experto, en la infinidad de familias españolas que atesoran obras desde hace generaciones y no lo comunican. “El 90% de nuestro patrimonio está sin declarar. No tenemos ni idea de lo que hemos perdido, ni de lo que estamos perdiendo. Cualquiera puede sacar piezas de la forma más impune en el espacio Schengen”, avisa Calvo Serraller.

Este expolio cotidiano se refugia en una Europa sin controles fronterizos, una legislación que en caso de expolio, como tal, aplica como máximo una condena de tres años de cárcel —“sería deseable la creación de un delito específico que lo tipifique y el agravamiento de las penas”, analiza David Velázquez, socio de Penal del bufete Cuatrecasas— y una regulación que asfixia al arte y sus aledaños. “¿Qué aliciente tiene declarar el patrimonio?”, se interroga Calvo Serraller. El mercado español resulta tan pequeño que cualquier familia preferirá vender en Londres o Nueva York antes que en Madrid, ya que el precio que logrará será superior.

Fuente de la noticia aquí

El secuestro de ‘El sireno’ del Puerto Viejo de Algorta

La desaparición de la obra, tachada de «acto vandálico» por el Ayuntamiento, ha sido reivindicada por tres encapuchados en un vídeo colgado en YouTube

 

La Policía local de Getxo ha abierto una investigación para detener a los responsables de la desaparición del ‘Sireno’, la fotografía que desde hace tres años adornaba el muelle del Puerto Viejo de Algorta. En el espacio que ocupaba la obra, echada a faltar en la madrugada del pasado domingo, luce ahora una misteriosa interrogación realizada con pintura blanca. La acción fue reivindicada a primera hora de la tarde de ayer por tres jóvenes encapuchados en un vídeo colgado en YouTube. El montaje audiovisual, que lleva por título ‘¿Dónde está el Sireno?’, cuenta con una escenografía yidahista, que remite también a los tiempos de actividad de ETA. El centro de la imagen está ocupado por una joven que esconde su faz bajo un pañuelo blanco, escoltada a ambos lados por dos personas que también cubren sus rostros, de pie y con sendas pistolas de agua y frutas a modo de parafernalia militar.

Con la imagen del ‘secuestrado’ -tumbado y apoyado sobre una pared como telón de fondo-, dicen haber actuado movidos por la necesidad de «poner sobre la mesa el tan necesario debate sobre el Plan General de Ordenación Urbana (de Getxo) que se resolverá en los próximos meses». Justifican la sustracción por la falta de «recursos para poder sacar a la luz nuestras demandas», algo por lo que se podrían enfrentar a «dos años de cárcel», según avanzan ellos mismos en su alocución.

La mujer desgrana en un tono de voz monocorde sus exigencias para ‘liberar’ la obra de arte, de tres metros de altura. Pasan por que, «en el plazo de quince días», el Consistorio haga público un compromiso «de no construir nuevas viviendas, naves industriales, ni carreteras mientras en el municipio haya viviendas desocupadas y naves sin utilizar». Además, exigen el reparto de «mil retoños de árboles autóctonos» entre el vecindario, en sendos actos que deberán tener lugar en las plazas de Telletxe, en Algorta, y Ajedrez, en Las Arenas.

A partir de este punto, y a lo largo de cinco minutos, repasan la situación de la localidad, «inmersa en un proceso de mercantilización sin precedentes, obsesionada en vender una imagen de lo que no es». Por último, realizan una alusión directa al alcalde, Imanol Landa, y a varios integrantes del equipo de gobierno: «Josu Loroño, Joseba Arregi, Koldo Iturbe… Vuestras corbatas no son más que nudos alrededor de vuestros cuellos. Tal vez acabéis ahogándoos en vuestro propio cemento».

Mutismo municipal

Durante la tarde de ayer, y pese a reiterados intentos por parte de EL CORREO, fue imposible recabar la versión del Ayuntamiento ante este vídeo. Fuentes municipales se remitieron a una nota de prensa hecha pública antes de la difusión de la grabación por las redes sociales. En el escrito, y «a la espera de esclarecer los hechos», califican la desaparición de la obra de «acto vandálico en contra de la cultura y de una novedosa iniciativa en la que se combinaron diferentes expresiones artísticas».

Al mismo tiempo, la Administración local reitera su «compromiso y apuesta» por este tipo de arte y adelanta que «trataremos de que dicha figura vuelva a ocupar su lugar en el muelle del Puerto Viejo». Todo ello, a expensas de que la investigación abierta por la guardia urbana sirva para recuperar la imagen del artista argentino Marcos López.

Los que sí se mostraron más locuaces fueron los partidos de la oposición municipal. El concejal del PP Eduardo Andrade considera que «no son formas de protestar, y no compartimos en absoluto ese tipo de actitudes». A su juicio, existen otros cauces para canalizar el malestar vecinal. «Nosotros siempre hemos estado abiertos a escuchar a los vecinos y transmitir sus quejas al equipo de gobierno», recuerda.

Desde EH Bildu, aseguraron que, más allá de las opiniones contrarias o favorables al ‘Sireno’, «esperamos que esta obra sea devuelta». La coalición soberanista, que enmarcó la desaparición en un contexto de «discusión artística y social», defiende que «los planes y proyectos que son importantes en el futuro de Getxo tienen que ser consensuados de una manera natural y democrática». A su vez, el portavoz socialista, Luis Almansa, restó importancia a los hechos, aunque tachó el robo de «broma de mal gusto, inadmisible, que no es otra cosa que un acto de vandalismo».

El ‘Sireno’ es una fotografía seleccionada en el concurso internacional de Getxophoto. Tras su exhibición, fue adquirida de forma temporal en 2011 por el Ayuntamiento.

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Fuente de esta noticia aquí

Les gardiens d’exposition face au trouble suscité par Huyghe et Parreno

Elena Vozmediano, colaboradora habitual en este blog, nos pasa otro artículo, esta vez  publicado en Le Monde.

La nota compara los proyectos de Pierre Huyghe y Philippe Parreno expuestos en la Galería Sur del Centro Pompidou y en el Palais de Tokyo. Y se refiere a las posibilidades de interacción con la obra, las reacciones del público y las anécdotas de los vigilantes a cargo de “la buena conservación” de las obras.

Simon Bruneel-Millon abre una interesante reflexión sobre la “democracia” del arte que yo más bien apuntaría hacia la “espectacularización” del arte. Sí, queremos experiencias nuevas en el museo (centro de arte, galería o self-runned space) pero la “tocabilidad” o la “interactividad” no lo son todo. O al menos eso es lo que interpreto leyendo estas líneas desde el google translator. Quien pudiera estar ahí para verlo en persona y actualizar este post!

Más información sobre La exposición de Pierre Huyghe en este artículo de Mousse Magazine. Y sobre la the Philippe Parreno en The Guardian.

Huyghe et Parreno

Dans la galerie Sud du Centre Pompidou, la chaise du gardien est placée à côté d’une plante verte. Mais de gardien, nenni. Il court dans l’exposition d’art contemporain de Pierre Huyghe à la rencontre des visiteurs pour les empêcher de toucher les oeuvres, et même d’enfouir leurs mains dans une montagne de sable fuchsia. “Le caractère inhabituel de l’exposition incite les gens à transgresser les règles et à toucher à tout : ils oublient qu’ils sont dans un musée !”, explique Emilie, l’une de ces gardiens jamais au repos.

Il faut dire que l’artiste conceptuel français Pierre Huyghe et son ami Philippe Parreno – auquel le Palais de Tokyo a donné carte blanche, au même moment – ont transformé la notion même d’exposition, donnant ainsi la pleine mesure du renouveau qu’ils ont apporté dans le champ de l’art. Les oeuvres présentées y ont moins d’importance que les situations qu’elles créent chez celui qui les regarde ou les traverse. Ce qui ne manque pas de désarçonner le visiteur.

Ce dernier est averti du rôle qu’il va jouer dans l’exposition avant même d’en franchir le seuil. Chez Pierre Huyghe, un comédien scande le nom de chaque visiteur comme pour l’annoncer aux œuvres, tandis que chez Philippe Parreno, une imposante marquise lumineuse, de celles qui ornent les rues de Broadway, s’agrippe à la façade. Sans titre aucun, cette enseigne n’annonce qu’elle-même, suggèrant que l’acteur de l’exposition n’est autre que celui qui la découvre.

L’excitation est à son comble

Les agents de surveillance sont les premiers témoins de la réaction du public face à ces projets ambitieux. Jérémy s’avoue surpris par l’animation procurée par les portes automatiques d’une installation de Parreno, s’ouvrant sur les sons de l’extérieur du Palais de Tokyo.  “Ils veulent tous traverser la porte automatique: on dirait des gamins”, s’amuse t-il. “Ils ont beau en voir tous les jours au supermarché, ils veulent traverser celle-là, alors qu’elle ne mène nulle part…”

Dans l’exposition Huyghe, l’excitation est à son comble quand arrive l’un des performers du moment: un élégant lévrier blanc affublé d’une patte rose. “C’est très étrange ce qui se passe avec ce chien”, constate Pascal. “ Dès qu’il survient, tout le monde s’agglutine et dégaine les appareils photo; on dirait une star poursuivie par des paparazzi ”.

Si l’interaction entre l’œuvre et le visiteur est parfois décriée – Dominique Baqué dans son ouvrage “Pour un nouvel art politique: de l’art contemporain au documentaire” (Flammarion, 2014) parle d’une « illusion relationnelle » nivelant « conflits, écarts et différences » – il serait difficile de déceler dans ces expositions radicales, sans discours ni cartel explicatif, une forme de démagogie.

« On me demande parfois: mais où est l’œuvre ? », explique un gardien chargé de surveiller une scène vide. Il s’agit d’une oeuvre de Parreno destinée à stimuler l’imaginaire du visiteur. Simplement suggéré par le son des pas des danseurs, il doit reconstituer le ballet qui s’exécute devant ses yeux.

« On distingue rapidement ceux qui viennent pour Huyghe de ceux qui sont là par hasard, perdus au Centre Pompidou… C’est une exposition pour classe supérieure », suggère Pascal. Un avis qui tranche avec celui du critique d’art et théoricien Nicolas Bourriaud pour qui ces situations « régies par un strict souci de laisser sa chance à chacun » confèrent à cette pratique un caractère « foncièrement démocratique ».

Les gardiens témoignent du trouble procuré aux visiteurs par ces expositions. Mais si elles sont complexes, dotées de niveaux de lecture inépuisables, c’est toujours l’expérience du visiteur qui prime. Il devient alors un regardeur actif, confronté tout aussi bien à la poésie qu’à l’inquiétude

Una “boda guerilla” delante de La noche estrellada de Van Gogh

Podría haber sido una boda en intimidad, por la poca afluencia de invitados al evento. Pero acabó saltando a los medios.

Y es que los cuadros más famosos de Vincent Van Gogh, además de inspirar curiosos objetos que sobrepasan al souvenir, como vaporosas faldas de tul, chanclas tipo flip flop, fundas de móbiles y de consolas, y motivos para calabazas de halloween, también hace que la gente se enamore y que hasta unos quieran casarse delante de esa misma pintura. Imparable embrujo el de este pintor!

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Martin Gee, supervisor de diseño en la Boston Globe, y Carrie Hoover, directora de arte de la revista Edible Vineyard, afirman que se conocieron y se enamoraron delante de La noche estrellada de Van Gogh, en el MOMA. Y cuando quisieron casarse, decidieron hacerlo en ese mismo lugar sin previo aviso al museo. El director, Glenn D. Lowry, afirma que tuvo que echar al guarda de seguridad para que la ceremonia pudiera tener lugar. Y es que, según él, se percató de que la cosa iba en serio.

Al menos a Martin y a Carrie les dio por esta especie de nueva religión artítistica y no por ambientar su boda en el cuadro.

Más detalles de la boda aquí y una entrevista al director sobre el asunto en este otro lugar.

 

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Y un extenso recorrido fotográfico por nuestra publicación…

Que aquí no puede ser exhaustivo. Así que para más información visita esta otra entrada.

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Sigue leyendo

Y los ladrones se llevaron un Van Gogh falso…

A veces no siempre los ladrones de arte están bien informados… o al menos esa  podría ser la primera impresión al leer esta noticia. Pero es cierto que los caprichos de un fetichista pueden llegar a ser muy variopintos y no sé yo si es que a algún coleccionista privado se le antojó un Van Gogh falso…

La cosa es que a mediados de julio, diez pinturas y dos dibujos fueron robados en el Museo Van Buuren a las afueras de Bruselas. “Los ladrones fueron particularmente rápidos, todo lo hicieron en menos de dos minutos” dijo la curadora Isabelle Anspach. Muchos de los trabajos robados eran de gran valor, incluyendo ‘The Thinker’ del pintor holandés Kees van Dongen cuya suma asegurada asciende a 1.2 millones de Euros.

Lo que seguramente no sabían los ladrones al escoger el dibujo atribuído a Van Gogh, ‘Peasant Woman Pealing Potatoes’, era que se piensa que es una falsificación ya que “el lápiz común, utilizado en este dibujo, indica el trabajo propio de un copista. Además la mujer tiene los labios pintados de rojo, lo cual es muy inusual en un dibujo de Van Gogh. Por último, el papel marrón sobre el cual está el dibujo, no fue utilizado por Van Gogh en ningún otro dibujo que se le conozca.” Escribió el erudito holandés Liesbeth Heenk.

‘Peasant Woman Pealing Potatoes’ tiene una ‘falsa’ firma de Van Gogh. Foto: Museo van Buuren

Debido a la naturaleza de la colección del Museo Van Buren, las pérdidas son irremplazables.

Otros trabajos robados incluyen una pintura de Pieter Brueghel el Joven y ‘Shrimps and Shells’ una obra de James Ensor de 1894.

 

Gracias a Elena Vozmediano por el pase! Por cierto, mirad su nueva web…

 

 

Ten paintings and two drawings were nimbly stolen in the course of two minutes, according to representatives at the Van Buuren Museum, on the outskirts of Brussels.

“All alarms went off, but they [the thieves] were particularly fast, everything was done in two minutes,” said curator Isabelle Anspach.

Several of the works were said to have been of great value, including ‘The Thinker’ by Dutch painter Kees van Dongen, said to have a replacement value of 1.2 million Euros.

The thieves are unlikely to have known, however, when they chose the drawing near the stairs, Peasant Woman Pealing Potatoes, that although labelled Van Gogh it is believed to be a fake.

It was one of the Van Gogh drawings singled out by Dutch scholar Liesbeth Heenk, who wrote of it, “The regular pencil marks betray the typical care of a copyist… The lips of the woman have been coloured red, which would have been very unusual for Van Gogh. The brownish woven paper has not been used for other Van Gogh drawings and the signature seems spurious.”

Kees van Dongen’s The Thinker, 1907, valued at more than €1m, was one of the more expensive works stolen. Photo: Musée et Jardins van Buuren

Due to the personal nature of the collection the losses are irreplaceable to the Van Buuren Museum. An Art Deco-style villa, it was filled with art in the Twenties and Thirties by Dutch banker-patron David van Buuren and his wife, Alice.

Other works stolen include a painting by Pieter Brueghel the Younger, and James Ensor’s Shrimps and Shells, 1894.

Antidisturbios en Art Basel

Hoy A*desk nos recuerda que, mal nos pese, el sistema del arte a veces nos la sirve sin metáforas para enseñarnos como realmente funciona… Y lo hace refiriéndose a los hechos acontecidos el 17 de junio por la policía suiza para proteger el arte.

Era un día después del cierre de la reciente feria de Art Basel, un viernes en la noche, sobre las 22h. Un grupo de unos 105 artistas y activistas tomaron, como Basel wird besetzt había anunciado, la Favela Café del artista Tadashi Kawamata y el arquitecto Christophe Scheidegger. Fue en protesta por la estetización de los problemas económicos, sociales y políticos de las favelas brasileñas para la construcción de un café chic, cuyos caros productos iban destinados a los visitantes de la feria. Ocuparon el lugar para convertirlo en un bar musical, hasta que la organización de la feria y la policía decidieron actuar. Fue pues, como es habitual y se puede ver en el vídeo, con pelotas de goma y gases lacrimógenos.

Algunas webs como ArtLeaks o Hyperallergic mencionan la dureza con la que la policía actuó y la forma en la que se les criminalizó en los medios de comunicación para justificar la actuación de los antidisturbios. Este procedimiento no es nada nuevo, pero quizás sí interesante cómo Hyperallergic revisa y compara varios medios.

Esto nos recuerda que quizás habría que retomar algunos de los debates en relación a qué es el espacio público y sus usos, así como su abusiva y sistemática regulación. Y en concreto, en relación al proyecto Favela Café, la falta de apertura crítica y qué representa realmente. Y es que el lugar para la instalación de la Favela Café  era la principal plaza de Basel: la Messeplatz, de la que, durante la feria, es ya costumbre reivindicar su uso público.

Par terminar, aquí algo de información sobre el proceso de ideación y construcción de la Favela Café:

Activist arrested for allegedly defacing Westminster Abbey statue

Tal y como nos cuenta Elena Vozmediano, Fathers 4 Justice siguen con su cometido y acumulan el tercer caso de lo que podría llamarse vandalismo artístico reivindicativo. Esta vez  con una estatua de Westminster Abbey. Obsérvese que ahora los medios de comunicación ya no muestran fotos de la obra ni detalles de los daños.

Fuente: The Guardian

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An activist who allegedly defaced a statue at Westminster Abbey in a protest against the family court system will continue to be questioned by police on Monday.

Cheryl Corless, a campaigner for the pressure group Stolen Children of the UK, was arrested on suspicion of criminal damage after entering the abbey and allegedly spraying the statue on the left hand of the nave, protest group Fathers4Justice said in a statement.

Martin Matthews, a Fathers4Justice campaigner from Great Bookham in Surrey, was also present during the incident but was not arrested, the organisation said.

It is the third protest of its kind in recent weeks and the second in Westminster Abbey itself. Fathers4Justice has encouraged its supporters to take direct action in the spirit of the Suffragettes.

A Fathers4Justice spokesman said: “This was a copycat Suffragette-style protest. Obviously that is the way we are heading at the moment after the two protests on paintings.

“Everyone is celebrating what the Suffragettes did 100 years ago and now we are doing the same type of thing to get equality for fathers in the justice system.

“This protest is about the whole family courts system and the fact that they operate in secret behind closed doors – they are unaccountable and can do whatever they like without the public knowing a thing about it.

“We want to see a transparent and open family court system.”

A Scotland Yard spokesman said on Sunday night: “At 7.05pm we were called to reports that a statue had been spray-painted in Westminster Abbey.

“A woman has been arrested on suspicion of criminal damage and is being held at a central London police station. A man was also present but was not arrested.”

Last week Paul Douglas Manning, 57, a protester thought to be linked to Fathers4Justice, allegedly glued a four-inch photograph of a young boy to John Constable’s masterpiece The Hay Wain in the National Gallery. He has been charged with criminal damage.

Fathers4Justice campaigner Tim Haries allegedly sprayed the word “help” onto a portrait of the Queen in Westminster Abbey on June 13. He has indicated that he will plead not guilty to one count of criminal damage.

On Friday, Fathers4Justice announced that it was abandoning its five-year “attempted engagement with the political establishment” and called on supporters to take “independent weekly direct action”.

John Constable Painting Attacked by Fathers 4 Justice

Paul Douglas Manning, 57 años, de Shieffeld es uno de los miembros de Fathers 4 Justice. Después de haberlo detenido, la policía lo declara como responsable de pegar una fotografía de su hijo sobre la pintura The Hay Wain de John Constable como acto reivindicativo sobre la custodia de su hijo. En de la fotografía, había escrita la palabra “Help” y parece no haber dañado al cuadro. Esta acción ha sido llevada a cabo después de 5 años de intentar recuperar a su hijo por la vía legal y después de convocar a Fathers 4 Justice a llevar a cabo una acción semanal. Esta organización defiende los derechos de los padres desde 2002 y han ganado mucha atención de los medios debido a la naturaleza de sus actos reivindicativos.

El ataque al retrato de Isabel II también se atribuye a uno de los miembros de la misma organización, Tim Haries de 41  años. Tim ya está en trámites con la justicia y parece ser que, pese a la negativa de Manning a colaborar, va a tener que hacer lo mismo o buscar otras vías para que le absuelvan de los cargos criminales.

Hace poco, un artículo en The Guardian especulaba sobre si existe una moda a atacar obras de arte. Y ayer el Huffignston Post incluía unas diapositivas sobre The Art of Vandalism. Parece ser que los ingleses la tienen tomada con el valor económico y simbólico del arte, de modo que en las próximas semanas subiré más material relacionado con esto.

Gracias a Elena Vozmediano por el pase!

Fuente: MailOnline

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A man thought to be a campaigner for Fathers 4 Justice has been charged with criminal damage after a picture of a boy was stuck to one of the country’s most famous paintings.

Paul Douglas Manning, 57, from Sheffield, was arrested yesterday after a photograph was stuck to the canvas of John Constable’s The Hay Wain at the National Gallery.

He appeared at Westminster Magistrates’ Court today where he was bailed to appear at Southwark Crown Court on July 12.

The incident comes two weeks after a man, also linked to Fathers 4 Justice, was accused of defacing a portrait of the Queen at Westminster Abbey.

A spokesman from the group, which campaigns for fathers’ custody rights, yesterday claimed responsibility for the latest attack.

In a statement it said it was a ‘final act of desperation’ after a man lost a final appeal in the High Court over custody rights to his son.

Gallery curators said there was ‘no lasting damage’ to the painting, which was completed by Constable in 1821 and shows a hay cart crossing the River Stour near Flatford Mill in Suffolk.

A National Gallery spokesman said: ‘No damage to Constable’s original paint occurred and there is no lasting damage to the painting.

‘We are currently investigating this with the police.’

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VANDALISED THE HAY WAY PAINTING BY JOHN CONSTABLE

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The painting was due to be put back on display today, she added.

Separately, a court was told yesterday that a Fathers 4 Justice campaigner caused up to £10,000 worth of damage when he allegedly defaced a portrait of the Queen at Westminster Abbey.

Tim Haries, 41, from Doncaster, is accused of daubing the artwork, created for the Diamond Jubilee, with the word ‘help’ after smuggling spray paint into the Abbey on June 13.

The £160,000 painting, called The Coronation Theatre, had only been on show for two weeks.

Haries is due to stand trial after indicated a plea of not guilty to one count of criminal damage at Southwark Crown Court yesterday.

Fathers 4 Justice yesterday called on fathers to take direct action ‘to defend themselves and the 1,000 families a week destroyed in the secret family courts’.

It also said it was refusing to deal with the national media because of ‘inaccurate and misleading reporting’ of its campaign.

Sobre la exposición de restos humanos

Un estudio revela que los museos británicos toman más precauciones a la hora de exponer momias, huesos y otros restos humanos, incluso de animales, por temor a posibles críticas de visitantes y colectivos pese a que, según las estadísticas, el 91% está afavor de que se muestren.

Fuente: Público.es

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¿Tienen derechos humanos las momias de Egipto? Dicho de otra manera, ¿la exposición de sus restos vulnera su derecho a la privacidad? La pregunta parece un tanto ridícula, pero los museos británicos llevan un tiempo haciéndosela, y la respuesta no es negativa. De repente, les ha entrado miedo.

La socióloga Tiffany Jenkins ha hecho un recuento de esta nueva política en su libro Contesting Human Remains in Museum Collections y el resultado es sorprendente.

El Museo de Londres retiró huesos deformados que revelaban una malformación producida por la falta de nutrición. El Museo de la Universidad de Manchester hizo lo mismo con una cabeza momificada de la Edad de Hierro, de aspecto algo horripilante.

En Manchester cubrieron las momias con sábanas de lino hasta que tuvieron que rectificar por el rechazo de los visitantes. ¿Cuál es el interés de examinar momias si lo único que puedes ver es un trozo de tela?

La galería egipcia del Museo de Bristol expone un cuerpo en posición fetal dentro de una caja que sólo se ilumina si aprietas un botón. Pero sus ataúdes con momias están medio tapados, como si diera vergüenza husmear en su interior. Lo curioso es que todo esto no se debe a ninguna imposición del público. Una encuesta de 2010 revela que el 91% está a favor de que se expongan restos humanos. El 52% dice que con independencia de la edad que tengan. El 27% pide que al menos tengan cien años.

“No es algo exigido por la presión popular, sino por la inseguridad profesional (de los responsables de los museos) dice Jenkins. Desgraciadamente, perjudica a los millones de personas que disfrutan aprendiendo al ver restos humanos, y tiene un impacto negativo en la investigación”.

Los museos actúan por una especie de temor preventivo a las críticas. Saben que la sensibilidad de la gente ha cambiado en muchos temas y se adelantan así a cualquier protesta. El Museo de Historia Natural continúa exponiendo animales disecados, pero se apresura a señalar en un cartel que son ejemplares antiguos y que esa es una práctica abandonada.

En la última década, se han dado casos similares a los del hombre de Banyoles. Un museo de Glasgow devolvió antiguas cabezas de maoríes a Nueva Zelanda para que fueran enterradas.

Sí hay un grupo que está contra la exposición de restos humanos. Podríamos denominarlo religioso estirando mucho el significado de la palabra. Se trata de la asociación pagana Homenaje a los Muertos Antiguos.

También opinan de forma similar los grupos druidas, que tienen estatus de religión en Reino Unido, irónicamente definidos en su momento por la revista Spectator como “la religión sin las partes aburridas”.

“Nadie es dueño de los restos humanos”, señaló a The Guardian Emma Restall, del grupo pagano. “Lo que queremos es que se consulte a la gente local, grupos paganos, arqueólogos y científicos sobre lo que se debe hacer. Es posible que haya que exponer los restos de una forma más respetuosa”, añadió.

En cualquier caso, la presión sobre los museos no es muy grande. Son los propios conservadores los que parecen estar echándose atrás, aunque terminarán consiguiendo que nadie vaya a los museos si sólo se pueden ver cajas.

Why the sudden trend to attack paintings?

Podríamos afirmar que existe una moda por atacar y pintarrajear pinturas?

Este artículo en The Gaurdian expone los recientes casos de pintadas al retrato de Isabel II, a un mural de Mark Rothko y a La libertad guiando al pueblo para especular sobre algunos posibles motivos al respecto. Lástima que no lo desarrolle en más profundidad.

Gracias Elena Vozmediano por el pase!

Queen

The Queen’s portrait and (right) an image of it after the attack. Photograph: Getty Images

 

Is there a sudden fashion for attacking works of art? The recent paint assault on a portrait of the Queen in Westminster Abbey was the latest in a stream of acts of art vandalism.

Last October at Tate Modern a man scribbled on Mark Rothko’s Black on Maroon. He claimed his destructive act was a creative gesture, but this cut no ice with a judge, who sentenced him to two years in prison. This February, a woman defaced one of the icons of French art, Liberty Leading the People by Delacroix, at the new outpost of the Louvre in Lens.

That is three highly publicised art attacks in less than a year. It looks as if a shared spirit is gripping the assailants. In all three cases over just a few months, each attacker thought she or he was making some kind of public statement. This is in contrast with previous art vandals who have attacked works such as Poussin’s The Adoration of the Golden Calf or Rembrandt’s Danae for more baffling reasons. The latest art attackers are saying something, or think they are. Vladimir Umanets damaged the Rothko in the name of an art movement called “yellowism”. The art assailant who picked on the Delacroix wrote “AE911” on it with a marker pen – referring to a website that deals in 9/11 conspiracy theories. The suspected royal-art defacer also has a cause – reportedly wanting to draw attention to his having lost contact with his children.

Museums hate articles such as this one, for a good reason: they fear that publicising art vandalism invites more. And it is plausible that a real lust to attack art is gripping people who have noticed the sheer publicity it can bring to what might otherwise be lost causes.

This is an age of protest. If you have a cause you can share with lots of other people, you take to the streets. But what if your cause is too strange or overlooked for mass protest? Attacking an authority figure is one way to get it in the headlines, and as authority figures go, paintings are vulnerable. A portrait of the Queen has a lot less security around it than the woman herself. A museum is a tranquil place where a moment of destruction can catch guards unaware. The results can be gratifying, if you are desperate to get your voice heard.

Manchester Museum bosses puzzled by ancient Egyptian statue which mysteriously turns itself

El Museo de Manchester afirma que una estatua egípcia gira sobre sí misma 180 grados durante el día. Lo documenta el vídeo de más abajo.

Algunos de los comentarios a la noticia por parte de los lectores especulan sobre el asunto: podría deberse a campos magnéticos, a vibraciones de la vitrina al acercarse los visitantes, a manipulaciones por parte del mismo museo por necesitar de fondos, etc

Fuente: The Independent

Gracias a Santi Méndez por el pase.

Bosses at Manchester Museum have been left puzzled by the mystery of an ancient Egyptian statuette which – a video has revealed – seems to turn itself around 180 degrees in its display case.

The 10-inch tall statue of Neb-Sanu, which dates back to 1800 BC, was found in a mummy’s tomb and has been at the Museum for eighty years.

And now a time-lapse video clearly shows it turning on its axis during the day, apparently of its own volition. During the night, however, it remains still.

Campbell Price, an Egyptologist at the museum, suggests the museum may have been struck by ancient curse.

He told the Manchester Evening News: “I noticed one day that it had turned around. I thought it was strange because it is in a case and I am the only one who has a key.

“I put it back but then the next day it had moved again. We set up a time-lapse video and, although the naked eye can’t see it, you can clearly see it rotate on the film. The statuette is something that used to go in the tomb along with the mummy.

“Mourners would lay offerings at its feet.

“In Ancient Egypt they believed that if the mummy is destroyed then the statuette can act as an alternative vessel for the spirit. Maybe that is what is causing the movement.”.

But he said Professor Brian Cox, who teaches physics at the university, has given a more worldly explanation: “Brian thinks it’s differential friction, where two surfaces – the serpentine stone of the statuette and glass shelf it is on – cause a subtle vibration which is making the statuette turn.

“But it has been on those surfaces since we have had it and it has never moved before. And why would it go around in a perfect circle?”

‘Scandalising’ ancient nudes pulled from Qatar exhibit

Qatar pide a Grecia que retire dos esculturas por representar a dos hombres desnudos. Evidentemente, un largo debate se abrió a partir de este hecho y lo que suponía una colaboración entre los dos países.

Fuente: International Business Times

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A museum exhibition in Doha that was supposed to open a “bridge of friendship” between Greece and Qatar ended in embarrassment for both after a Greek cultural minister refused to let Qatari officials cover the genitalia of two traditional Greek nudes.

Qatar Museums Authority’s “Olympics: Past and Present” exhibition at the Qatar Olympic and Sports Museum opened March 27 with what it has been described as the largest showcase of its kind tracing the ancient and modern Olympic Games.

The statues in question, dating to between the sixth and second centuries B.C., were to be the centerpiece of the “Olympia: Myth – Cult – Games” section, which takes visitors through the history of ancient Olympia with more than 600 original objects on loan from the National Archeological Museum, the Numismatic Museum and the Museum of Olympia, birthplace of the games.

The cultural exchange was widely regarded as a way for cash-strapped Greece to woo investors from the energy-rich Persian Gulf emirate, which has filed two unsuccessful bids in recent years to host the Olympic Games.

In January, Greek Prime Minister Antonis Samaras announced that Qatar would invest as much as €1 billion ($1.3 billion) in a joint fund with Athens. Shortly afterward, the emir of Qatar, Sheikh Hamad bin Khalifa Al Thani, bought six isles in the Ionian Sea for his three wives and 24 children. Then, in March, Greece’s junior minister for culture, Costas Tzavaras, traveled to Doha on a bridge-building mission to tour the then-forthcoming Olympics exhibit, and that’s when relations between the two nations soured.

“Organizers in Qatar wanted to cover up the statues’ members with black cloth,” a culture ministry source told Agence France-Presse. “So they were never put on display. They went back into storage and returned [to Greece] on April 19.”

The statues, a Classical Greek youth and a Roman-era copy of an athlete, are now back on display at the National Archeological Museum. Like the Olympic competitors of antiquity they depict, both are shown sporting in the nude.

Qatari officials insisted the drapes were a precautionary measure to avoid “scandalizing” female visitors, but, in the end, Greece objected, saying the statues should be displayed in all their anatomical glory.

A representative of the Qatar Museums Authority, or QMA, told Doha News that initial AFP reports last week were false, and that the statues’ removal was “not due to censorship.”

“The decision to remove the objects was based on the flow of the exhibition, awareness of the outreach to all schools and families in Qatar, and desire to be sensitive to community needs and standards,” the QMA representative said.

Doha News explained that residents of the Middle East hold conflicting views on the arts, citing a survey last year showing that six out of 10 Arabs expressed support for government censorship of the arts.

Respondents said regulatory bodies and state-affiliated institutions were necessary, given that art could be “inappropriate” and offend “religious beliefs.”

Interestingly, while QMA authorities reportedly deemed the male genitalia too tantalizing for female visitors, they seemed to have had no problem with female breasts scandalizing the males. Statues like the partially bare-breasted Nike remain intact and on view in Doha through the end of June.

Armed museum guards to prevent looting

Lawrence Rothfield, director de la Cultura Policial de la Universidad de Chicago argumenta que los propios guardas de seguridad de los museos deberían ser capaces de defender sus colecciones para no dejarlo a manos de los militares o las autoridades locales. Se refiere en concreto a saqueos como los acontecidos en Iraq o Egipto, pero también apunta que así debería ser en países como los Estados Unidos que también pueden sufrir una alteración del orden social o político en cualquier momento.

Fuente: The Guardian

Museum guards and others tasked with protecting the world’s cultural treasures should be routinely armed to defend heritage sites from the depredations of conflict, according to a leading expert.

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Professor Lawrence Rothfield, faculty director of the University of Chicago’s cultural policy centre, told the Guardian that ministries, foundations and local authorities “should not assume that the brutal policing job required to prevent looters and professional art thieves from carrying away items is just one for the national police or for other forces not under their direct control”.

He was speaking in advance of the annual conference of the Association for Research into Crimes Against Art (ARCA), held over the weekend in the central Italian town of Amelia. Rothfield said he would also like to see museum attendants, site wardens and others given thorough training in crowd control. And not just in the developing world.

“Even in the US and other very stable countries, disasters can occur that open the door to looting,” he said, citing New Orleans after Hurricane Katrina as an example of how quickly normality can disintegrate.

His controversial proposal follows a string of heritage disasters arising from the turmoil in the Middle East. In 2003, looters ransacked the Iraqi national museum. In January, as protests against the regime of President Hosni Mubarak gathered momentum, thieves broke into the Museum of Egyptian Antiquities in Cairo.

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Most recently, there have been reports that the Libyan conflict has put some cultural treasures at risk. Another conference, held under the auspices of Unesco and the Italian government at Caserta near Naples this month, heard from representatives of the anti-Gaddafi rebels of a robbery at the Bank of Benghazi in May. One of those present reported that the treasures stolen included Greco-Roman gold and silver artefacts and coins.

Rothfield’s views hardened while conducting a study of the Cairo museum raid. Much remains unclear about the incident, including whether “the whole thing was a well-controlled gambit to persuade the international community that the country was descending into chaos and that the revolt needed to be crushed”, he said.

But two key points had emerged. One was that the museum authorities were unable to count on the police when they needed them most. The second was that no amount of education on the value and importance of cultural heritage would prevent a disaster.

Egyptians have long been schooled to treasure the evidence of their past. But, said Rothfield, “even if you have 90% of the people on your side, it doesn’t take many others to do the damage”.

That, of course, does not mean education is dispensable. One of Rothfield’s fellow speakers at ARCA’s conference was Laurie Rush, an archaeologist attached to the US army’s 10th Mountain Division.

Her mission is to help soldiers identify cultural property in their forward deployments and keep damage to a minimum. Five years ago, her unit produced a pack of cards, each with a different message about heritage protection.

The nine of spades, for example, has a picture of a Chinook helicopter and the message: “Rotor rush can damage archaeological sites. Locate your landing zones a safe distance away from known sites.” Rush said she had secured changes to army regulations, and these had saved a Mesopotamian settlement, several thousand years old, near forward operating base Hammer, east of Baghdad.

“A young soldier contacted us having seen military contractors scooping up dirt to make an earthen wall. He realised it was archaeological material and, because of our project, there were military regulations that empowered the base commander to give orders for the protection of the site.”

Many other sites in Iraq have been less fortunate. The invasion was the prelude to a calamity for Iraq’s cultural heritage. Rothfield said it was estimated that looters had dug up three times the area excavated before the invasion.

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“The Baghdad museum lost around 15,000 items, half of which were recovered. But the country has lost several hundred thousand items, and they will probably never come back,” he said.

SR2 Security Robot vs the army grunts of the art world

In the 1990s, a technology company, Cybermotion, tried to sell museums on the concept of robot security guards.

With a squat body on three wheels, a rail-like neck and a rectangular head, the SR2 Security Robot looked like Number 5 from the movie “Short Circuit.” It used sonar and infrared technology to monitor the air quality, temperature and humidity in galleries, and could detect motion caused by potential intruders. But the motorized museum guard failed to catch on, and Cybermotion closed in 2001.

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Nevertheless, some museum visitors might see guards, so often silent and stone-faced, as more machine than human. That is a misconception. Many guards, like the six profiled below, speak with obvious passion about the exhibitions, as well as the visitors, for which they feel responsible.

Museum guards find the lost, shepherd the confused and save runaway toddlers from impending collisions with immovable sculptures. The job demands long hours, constant vigilance and a reservoir of patience to put up with illicit picture takers, soda smugglers and pontificating amateur art critics, among other annoyances. Consider these guards the army grunts of the art world.

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Luther Nakapaahu

National Museum

Of the American Indian

Most museum guards field common questions. Greatest hits include “Where are the bathrooms?” and “Can I touch this?” But visitors to the National Museum of the American Indian in New York often ask Luther Nakapaahu about survival skills: for example, “How do you make a bed in the snow?” Mr. Nakapaahu, an enrolled member of the Northern Arapaho Tribe, is the only guard of Native American descent at the New York museum.

He grew up in Honolulu and moved to the Wind River Indian Reservation in Wyoming when he was 17, after his mother died. His maternal grandparents put him right to work, rebuilding the family’s horse ranch.

“Wyoming, it was a shock,” said Mr. Nakapaahu, 51, a large man with close-cropped hair and a baritone voice. “We started learning how to bale hay, going up to the mountains to cut tepee poles, learning to shave tepee poles, then learning to break and ride horses.”

Mr. Nakapaahu sees parallels between handling horses and communicating with crowds at museums. “Sometimes with horses and people, patience is a virtue,” he said. With a grin, he recalled the first time he tried to corral horses by chasing them: his uncle “just started laughing. What he showed us was you take a bale of oats, put it in a pail and yell — and they come to us.”

Mr. Nakapaahu, who spends some breaks in the museum’s library learning about his heritage, scans new exhibitions for artifacts from his tribe. He recalled spotting a Northern Arapaho saddle displayed in “A Song for the Horse Nation,” a 2009-11 exhibition. “It’s sort of everything mixed up in one feeling,” he said quietly. “Happy, pride, shock.”

Todd Balthazor

Walker Art Center

If you notice a guard at the Walker Art Center in Minneapolis suddenly balancing on one foot or striking a yoga pose, it’s probably just Todd Balthazor limbering up. “I’m stretching all the time,” he said. “You have to do that, or else you are going to stiffen up. We have some elderly workers, and they just walk like trees.”

Even when the galleries are packed, Mr. Balthazor, 31, admits to struggling on occasion against monotony. To stay sharp, he developed tricks like memorizing a guest’s outfit or holding his breath “until you almost black out.” He also keeps an eye out for material for his autobiographical comic strip, which the museum publishes online.

In the strip, “It Is What It Is,” Mr. Balthazor frequently aims graphic barbs at museum guests, like the “photo bomber,” who poses in front of large paintings without considering the art. “They look at it like, ‘This is going to be a great backdrop for my Facebook profile,’ ” Mr. Balthazor said.

In another strip, he bemoans having to guard “Ja Ja Ja Ja Ja, Nee Nee Nee Nee Nee,” an audio installation by the German artist Joseph Beuys. “It’s an 11-minute loop of him just going, ‘Ja, ja, ja, nee, nee, nee.’ You can’t even think, unfortunately, when you’re next to that,” he said. “And then you had to stand right next to the speakers because they didn’t want people to actually poke at it with pencils.”

Dynnita Bryant

Philadelphia Museum of Art

“It’s not going to work. It’s not going to work. It’s not going to work.” Dynnita Bryant heard that refrain repeatedly while laboring to persuade fellow guards at the Philadelphia Museum of Art to form a union.

But Ms. Bryant received encouragement from many visitors and inspiration from paintings in the museum. Vincent Van Gogh’s “Sunflowers” and Peter Paul Rubens’s “Prometheus Bound” particularly stirred her. “ ‘Sunflowers’ makes me think, I stand next to this priceless piece of art for this little bit of change, and ‘Prometheus Bound’ makes me think, this is us,” said Ms. Bryant, who now moonlights as president of the Philadelphia Security Officers Union.

In 2011, the union’s first contract with AlliedBarton Security Services, which provides guards for the museum, increased guards’ wages to $10.88 an hour from $10.03 and stipulated two subsequent raises. Guards also received up to three paid sick days; before they had none. Ms. Bryant said the extra 85 cents an hour had improved the lives of many guards. “I could buy a loaf of bread and have some change,” she said. “That was a victory to me.”

Darrell Lawrence

Smithsonian National Air

And Space Museum

Though he went “hand-to-hand with the Taliban” as a military policeman at Guantánamo Bay Naval Base and fought in the gulf war, Darrell Lawrence argues that working as a guard at the Smithsonian National Air and Space Museum in Washington is a more difficult job. “It’s more peaceful here” than in Iraq, he allows, but in the military, “you knew who your enemy was.”

Visitors to museums tend not to advertise themselves as terrorists. “Everybody who comes through the door is a threat,” said Mr. Lawrence, who frequently responds to questions with “No, sir” or “Yes, sir.”

The threat level rose in 2009, when a white supremacist shot and killed a guard at the United States Holocaust Memorial Museum in Washington. “It’s a wake-up call. You hate for something like that to happen, but you have to be on your toes and more aware,” said Mr. Lawrence, who called working as a museum guard a national service.

While Mr. Lawrence maintains an active-duty mind-set, he still manages to admire some of the museum’s exhibitions. He is in awe of the 1903 Wright Flyer, Wilbur and Orville Wright’s first airplane, but reveres a Predator drone on display. He credits a Predator with saving his life during Operation Desert Storm. He was about to transport Iraqi prisoners through hostile territory when the Predator detected and destroyed a potential ambush. “I love the drone,” he said. “I’ve seen it in action.”

Jeffrey Salter

Guggenheim Museum

Jeffrey Salter’s uniform at the Guggenheim Museum includes a large blue button that reads, “Ask Me About the Art.” Mr. Salter is one of the museum’s gallery guides, a job requiring the attentiveness of a security guard and the empathy of a psychotherapist. Though trained to protect exhibitions, gallery guides roam the Guggenheim to discuss art with visitors.

During impromptu exchanges at the museum, Mr. Salter often taps his training in improvisational theater. “If you are playing a scene and someone doesn’t say anything at first, you are looking for facial expressions and body language,” he said on a recent Saturday afternoon in a Guggenheim conference room. “I think that’s applicable to what I’m doing here.”

He studied improv at the Upright Citizens Brigade Training Center in New York and performs with a troupe called Gayle, named for the television host Gayle King, Oprah Winfrey’s prominent friend.

Mr. Salter, a thin, bearded 27-year-old with an appreciation for the absurd (in a comedic sketch, he portrayed the husband of an eight-pound catfish), laments that museum guards have a reputation as scolds. “We’re not monolithic, authoritarian figures,” he said. “We have these complex lives and are nice people to be around.”

He can be tough if necessary. To command attention while maintaining an affable tone, Mr. Salter drew inspiration from his high school English class. He recalled a teacher “who was, on the one hand, a really accessible, friendly guy, but if you were talking during a lecture, he would let you know that wasn’t acceptable.”

Though he has yet to speak about his museum job on stage, Mr. Salter often finds humor in art. He singled out the work of the whimsical Italian artist Maurizio Cattelan, who created “Not Afraid of Love,” a life-size sculpture of an elephant cloaked in a bedsheet with holes for its eyes and trunk. “There was something very funny,” he said, “about the proverbial elephant in the room trying to hide itself.”

Linda Smith

Baltimore Museum of Art

Linda Smith is used to being overlooked. Museum visitors, understandably, focus on the art rather than the people protecting the art. “The irony is that the guard is the most visible staff member in the museum,” Ms. Smith said.

Museum guards, in her opinion, deserve more attention, so in 2011 she curated “Guardists,” a gallery exhibition showcasing art by her co-workers. Several pieces sold, including two paintings by Ms. Smith, who earned an M.F.A. from Vermont College of Fine Arts.

She notes that several acclaimed artists have walked in her well-worn shoes. Former guards include Jackson Pollock, Sol LeWitt, Robert Mangold and Mel Bochner, who will be honored next year with a retrospective at the Jewish Museum in New York — the same institution that fired him as a guard in 1965 for sleeping on duty.

Ms. Smith considers Robert Ryman her guardist role model. “Ryman worked at the Museum of Modern Art for seven years,” she said. “He was not a painter when he started there, but he became one.”

Rather than being daunted by the works on the walls of a museum, Ms. Smith made the case that spending all day around art (or much of the night, the shift she works now) could fuel a competitive spirit. “For many artists,” she said, “if they don’t get a jolt of inspiration from a piece, there’s also the feeling of, ‘Well, I can do something as good as that.’ ”

“Las religiones dividen, los museos forman ciudadanos del mundo”

Reflexiones de Neil MacGregor, sobre los retos a los que se enfrentan los museos de todo el mundo.

Fuente original: Artículo en El País 17-Abril-2013

Neil MacGregor (Glasgow, 1946), director del Museo Británico de Londres, divulgador radiofónico y una de las autoridades intelectuales más admiradas de Reino Unido, vino a Madrid a celebrar algo más que el préstamo de la muestra de dibujos El trazo español en el British Museum.Dibujos del Renacimiento a Goya.“Este año se cumple medio siglo de la primera vez que visité el Prado. Lo recuerdo perfectamente; iba con mis padres y me negué a salir para comer… ¡quería seguir viendo más salas!”. Entonces, MacGregor solo era un chico escocés con una curiosa idea acerca del gusto artístico: “Crecí en Glasgow, al lado de la casa del refinado Stirling Maxwell, que tenía una de las mayores colecciones de arte español. Y cuando tenía ocho años, la ciudad compró Cristo de San Juan de la Cruz, de Dalí. De modo que a tan tierna edad pensaba que los coleccionistas coleccionaban arte español y que cuando las ciudades compraban, también se decantaban por su país”.

Aquel chico se convirtió en director de museo, primero de la National Gallery y desde 2002 del British, institución que aspira a contener el mundo desde la antigüedad hasta nuestros días. También hizo historia de la radio con un programa de la BBC (que se convirtió en libro, editado por Debate) en el que dos millones de años de la humanidad quedaban explicados en 100 objetos. Sobre los retos que aguardan en el futuro a los museos charló con EL PAÍS en el moderno, soleado y apacible claustro de la ampliación del Prado, metáfora de lo mucho que han cambiado las pinacotecas en este medio siglo. “Han cambiado, sí, ¡pero los cuadros, no!”.

Mostrar el pasado en el futuro.“Siguen siendo los lugares para entender el mundo mirando al pasado. En el Prado compruebas que la historia de Europa es una sola, cultural y políticamente. Luchamos últimamente por construir una única historia Europea cuando es una historia que llevamos construyendo desde hace siglos. Los museos te permiten entender el mundo. Obviamente, el British es distinto, porque reúne objetos de todas las civilizaciones. Pero lanza el mismo mensaje: el mundo siempre ha estado conectado”.

¿Entradas gratis para todos? “La tradición en Gran Bretaña es que los museos sean gratis, porque así fue el mandato del Parlamento que los creó en el siglo XVIII. Se establecieron sin coste para los ciudadanos ingleses y extranjeros. Si quieres que la gente entienda el mundo debes hacer la entrada accesible y gratuita. Un museo es un espacio público de la mente y el espíritu que todos los ciudadanos tienen el derecho a habitar”.

Sobrevivir a los recortes. “Como en España, las instituciones de Gran Bretaña sufren recortes en la asignación pública. Los combatimos recurriendo al dinero privado; echando mano de las ventas de la tienda y también de los patrocinadores, bien sean empresas o ciudadanos individuales. Y luego compartimos nuestra colección con el resto del mundo, como creo que está haciendo con mucho criterio el Prado. En todos los continentes puedes ver en estos momentos cuadros de la pinacoteca madrileña. Eso, además de reafirmarnos en que esos tesoros pertenecen a todo el mundo, también implica que los receptores de esas colecciones apoyan las finanzas del museo”.

“Para conseguir el equilibrio perfecto no hay una fórmula. La tradición británica siempre ha sido una mezcla entre lo público y lo privado. Mitad y mitad. Creo que ese es un buen porcentaje. El Estado garantiza la continuidad y la seguridad de la colección y las empresas, los particulares y los museos del extranjero ayudan de otras maneras. La fórmula es difícil, pero clara: mucho trabajo duro. Puede ser un asunto complejo, pero recuerda a los museos cuál es su público y de qué modo deben dirigirse a él. Es importante no ser totalmente dependiente de lo privado ni de lo público; es necesario tener independencia a la hora de contar una historia académicamente verdadera”.

¿A quién sirve la diplomacia cultural? “Depende lo que entienda por ese concepto. No creo en los museos como un arma del Estado. Porque las piezas no les pertenecen. Ahora bien, al hacer viajar a las obras se crea un diálogo, un debate con la gente. Últimamente estamos prestando mucho más a China e India. Ellos nunca han tenido la oportunidad de ver las piezas del antiguo Egipto, por ejemplo. Con ellas, permitimos a esos países entrar y relacionarse con la historia de nuestro tiempo, que es una historia global. Es una forma de comunicación, pero no debe ser un subterfugio para emplear a Velázquez en el propio interés de un país o de otro”.

¿Expolio o propiedad legítima? “No creo en la devolución de las piezas si fueron correctamente adquiridas. Y sabemos que no siempre fue de esa manera: hubo un montón de saqueos en la II Guerra Mundial. Las cosas no han mejorado mucho en los últimos 30 o 40 años. Pero si los objetos fueron obtenidos legalmente, como sucedió con el Partenón, no entiendo por qué habría que devolverlas. Sucede lo mismo con las pinturas flamencas del Prado, ¿por qué deberían devolverse? Aquí están accesibles a todo el mundo. El gran desafío es luchar contra las excavaciones ilegales y ser capaces de compartir estos tesoros con todo el mundo. Estas joyas no pertenecen a París, a Berlín o a Madrid, sino que estas ciudades deben compartirlas. Las religiones dividen, los museos forman ciudadanos del mundo”.

Desafíos. “El peligro para el futuro de los museos es el nacionalismo. La misma existencia de las colecciones de arte supone una negación del nacionalismo, porque aportan una visión de la humanidad en su conjunto. Quizá es más importante hoy que nunca, cuando vemos los peligros de la división por todo el mundo. Estas colecciones nos enseñan a compartir”.

¿Hay un límite para el número de visitantes? “Es un gran dilema. Nosotros tenemos seis millones. Hay un límite, indudablemente. Tenemos que ser capaces de acomodar nuestros edificios a esa demanda. Y luego, volvemos a la idea del museo viajero; si los visitantes no pueden venir aquí, podemos mandarles las piezas. También hay que trabajar por hacer las colecciones accesibles para todos, en la Red y también en los teléfonos inteligentes. Y lo que hacen los móviles es hacer accesible la colección a todos los usos”.

The Decapitation of Margaret Thatcher, the Statue

Sobre la escultura de Margaret Thatcher realizada por el artista Neil Simmons y su decapitación cometida en 2002 por el productor de teatro Paul Kelleher.

En relación al entierro de Margaret Thatcher, ocurrido el día de hoy 17 de Abril.

Fuente original en Hyperallergic, por  Hrag Vartanian.

What looks like the scar of the 2002 attack is still visible after the repair.

When I was in London last January, I had the chance to visit a hidden gem — well, depending on how you define “gem” — of a sculpture in the Guildhall Art Gallery in central London. Neil Simmons’ marble likeness of former British Prime Minister Margaret Thatcher has a very pretentious (as you might expect) name, “Rt. Hon. The Baroness Thatcher of Kesteven, L.G., O.M., F.R.S.” (2001), and it sits in the corner of this small art museum with an excellent collection of Pre-Raphaelite painting.

Why such an important — if controversial figure — in contemporary Britain would be tucked into the corner of the city’s official art gallery is an interesting story, as it wasn’t always the case.

On July 3, 2002, theater producer Paul Kelleher, at the time 37, decapitated the eight-foot marble statue of the former British Prime Minister, which was once more prominently displayed at the Guildhall Art Gallery. He swung at the statue with a cricket bat concealed in his trousers, then used one of the “heavy metal poles that are used to support the rope cordon” to decapitate the statue. After the beheading, he waited for the police to arrive.

Afterwards, Kelleher explained his crime:

“I haven’t really hurt anybody, it’s just a statue, an idol we seem to be worshipping to a greater extent.” He later explained his defence involved his “artistic expression and my right to interact with this broken world.”

He was eventually convicted of criminal damage and sentenced to three months in jail.

Sculptor Neil Simmons told the BBC at the time he was “deeply saddened” by the damage, while Thatcher said nothing and released no official statements.

After the incident the museum repaired the damage, moved the statue to the corner, and encased it in glass. There it sits, away from the spotlight.

Neil Simmons, “Rt. Hon. The Baroness Thatcher of Kesteven, L.G., O.M., F.R.S.” (2001) (all photos by the author for Hyperallergic)

It’s worth mentioning that the now infamous sculpture was judged “too domineering” by the National Portrait Gallery in London, which refused the work before it was finally placed at Guildhall, and it’s not the only official statue of Baroness Thatcher — another one is housed in the Houses of Parliament.

Now, after yesterday’s death of the Iron Lady, there are calls by some people in the UK — most British conservatives and military officers — to erect a new statue to Thatcher on thefourth plinth in Trafalgar Square. This is the same plinth that has been used as a site for temporary contemporary art installation since 1998. The fourth plinth was originally intended as the pedestal for a statue of William IV, but lack of funding left it empty for over a century before contemporary art lovers got a hold of it.

Will the UK decide to forgo a great contemporary art site that has featured work by Marc Quinn, Antony Gormley, Michael Elmgreen and Ingar Dragset, and others for a monument to British conservatism? Whatever the decision, I think it will be very telling.