Category Archives: iconoclastia

1978: Action Directe roba “El prestidigitador”, de El Bosco

El 13 de diciembre de 1978, el grupo de extrema izquierda francés Action Directe sustrajo la obra El prestidigitador, de Hieronymus Bosch (1502) del Museo Municipal de Saint-Germain-en-Laye, en donde estaba depositada desde 1872. En febrero de 1979 fue encontrada y devuelta al museo, aunque éste no volvió a abrir sus puertas desde entonces.

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Fragmento del texto de Aurélien Gamboni (abril de 2003). Fuente: AG-Archives.net

“Intrigado por el singular eco de esta acción con el tema mismo del cuadro, y con ganas de entender si había en ello un gesto simbólico (y político), fui a Marsella para consultar a Jean-Marc Rouillan (uno de los fundadores de Action Directe) que se había beneficiado de un acuerdo de libertad condicional. Resultó que el robo de la pintura, una acción no reivindicada, tenía un objetivo material: los secuestradores querían cambiar el lienzo por dinero para financiar su causa. Sin embargo, el atractivo singular que el Bosco producía entre un gran número de partidarios de la ultraizquierda en ese momento, y en Rouillan en particular, no fue ajeno a la elección de este “objetivo”. También me dio una vívida descripción de su encuentro con el cuadro en el Museo Municipal de Saint-Germain-en-Laye, en concreto la sensación “física” de “silbato de oreja” que le había causado la mera visión de esta pintura. Otro punto a destacar parece ser la relación especial que los secuestradores más tarde declararon con el objeto, así como la renuncia a considerar la reventa de la obra a un particular, ya que consideraban que debía ser pública.

Por último (y en palabras de Rouillan), como en la escena de El Bosco, lo que sucedería al final fue un “nuevo pacto de tontos”: los policías que habían tendido una trampa pero que fallarán, los secuestradores que escapan (pero no consiguen su dinero). En cuanto al museo, que recuperó el cuadro, las deficiencias en su aparato de seguridad fueron objeto de implacables críticas y no se ha reabierto desde entonces.

Este evento fue en cierta medida reavivó mi investigación, ya que tenía que hacer posteriormente una solicitud de autorización especial para ver la tabla en Saint-Germain-en-Laye, en el sótano de un edificio seguro del que no tengo derecho a revelar la ubicación. Tomo nota de que la imagen de la cara escondida en la mesa, lo que me pareció ser uno de los elementos clave de la composición, no le parecía obvio ni a Jean-Marc Rouillan ni a la Señora Virole, conservadora del museo cerrado. Esta última incluso se negó a ver en esta interpretación, considerada “esotérica”, otra cosa que no fuera una simple proyección, una ilusión generada por mis propios ojos. Si los espectadores fueran los cuadros, como preconizaba Marcel Duchamp, podríamos hacer notar que este trabajo está a veces lejos de ser reconocido como legítimo por aquellos que se preocupan de vigilar las obras de arte y de su recepción.”

Istvan Kantor

Istvan Kantor (Monty Cantsin)’s work in the late 1970s and early 1980s consisted most notably of the “Blood Campaign”, an ongoing series of performances in which he takes his own blood and splashes it onto walls, canvases or into the audience. At the same time, he continued to work within the Neoist network, co-organizing and participating in a series of Neoist festivals, which began as “Apartment Festivals”, which were also called simply “APTs”.

His more controversial works involve vandalism and gore, painting large X’s in his own blood on the walls of modern art museums including next to two Picasso paintings at the MOMA in 1988 and at the Jeff Koons retrospective at the Whitney Museum in 2004. In doing so he has been banned from some art galleries, a status he holds with pride. In 2004, he threw a vial of his own blood on a wall beside a sculpture of Michael Jackson by Paul McCarthy in the Hamburger Bahnhof contemporary art museum of Berlin. Although his later work has been dismissed as a simple vandalism by some parts of the media. Curator Laura O’Reilly, commenting on Istvan Kantors writing “Monty Cantsin” on a piece by artist Nelson Saiers in The Hole Shop gallery in New york, said “There’s a fine line between pissing on someone else’s piece as a form self expression — if you’re going to call that art”. Fuente: wikipedia

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Demolire l’arte

Tratto dall’omonimo cortometraggio di Luther Blissett.

Nell’ottobre scorso, su proposta di Walter Weltroni, il consiglio dei ministri ha approvato un disegno di legge che prevede un’inasprimento delle pene per quanti “danneggiano o deturpano cose d’interesse storico-artistico”. Il fenomeno del vandalismo anti-artistico è sempre più diffuso. Per quali motivi? Perché statue e dipinti sono bersaglio di veri e propri bliz, di beffarde e anonime aggressioni? Gli ultimi episodi hanno lasciato l’opinionepubblica sbigottita e senza risposte.

“L’arte è viva! Godetela, ridetene, odiatela o amatela, ma non adoratela! Non siamo in chiesa, appendetela alle vostre pareti, pulitevici il culo magari… ma usatela!”

Ferragosto ’96. All’alba i soliti ignoti sfondano una vetrata della Galleria d’Arte Moderna di Bologna e sottraggono parti di due opere degli artisti londinesi Gilbert & George. L’indomani il materiale trafugato viene fatto trovare in un sacchetto della spazzatura a meno di centro metri dalla galleria.

Notte del 12 Novembre ’95. Viene decapitata una statua dello scultore inglese Henry Moore esposta in piazza del Nettuno a Bologna. Il giorno seguente turisti e passanti ammirano la statua per ore, prima che qualcuno si accorga che ne manca un pezzo. In un comunicato stampa Luther Blissett commenta:

“l’anonimo che ha deturpato l’opera d’arte ne ha messo in atto alcune potenzialità in precedenza congelate nel blocco. Ha liberato il gesto espressivo dell’artista. I passanti non hanno contemplato un corpo morto, un rottame dell’arte di ieri, ma hanno colto la materia nel pieno e nel vivo della sua trasformazione.”

Simili gesti non sono una novità. Nel decennio scorso alcune statue di Michelangelo sono state più volte attaccate a martellate.

“La ronda di notte” di Rembrandt ha subito ripetuti assalti con spruzzi di liquidi corrosivi. Ma oggi la frequenza del fenomeno, unitamente ad alcuni precedenti, ci fa sospettare che tali gesti siano parte di una vasta guerriglia culturale.

Giugno 1958, pinacoteca di Brera. Il pittore milanese Nunzio Van Guglielmi infrange il vetro che portegge “Lo sposalizio della Vergine” di Raffaello e incolla sul dipinto un volantino con la scritta: “Viva la rivoluzione italiana, via il governo clericale!”. Vanguglielmi viene internato in manicomio. L’Internazionale Situazionista dirama il volantino: “Difendete la libertà ovunque”, in cui si inneggia all’attentato e si chiede la liberazione di Vanguglielmi.

Gennaio 1963. Alcuni studenti rivoluzionari di Caracas sferrano un attacco armato ad una mostra d’arte francese e rubano cinque quadri che si offrono di restituire in cambio del rilascio dei prigionieri politici. Dopo uno scontro a fuoco la polizia si impossessa nuovamente dei dipinti. I rivoluzionari cercano invano di fare esplodere il furgone della polizia che li trasporta. Ancora i situazionisti commentano: “questo è senza dubbio un modo esemplare di trattare l’arte del passato, per riportarla in gioco e farla contare veramente nella nostra vita.”

Insurrezione di Dresda 1848. L’anarchico Mikhail Bakunin propone senza successo di saccheggiare il museo cittadino e di mettere i quadri sulle barricate per dissuadere la polizia dall’aprire il fuoco.

L’attacco all’arte viene oggi teorizzato dall’inglese Stewart Home autore di diversi libri culto. Intervistato sull’ergomento Home ha dichiarato: “Quando sento parlare di arte metto subito mano alla spranga. L’arte è noiosa, è una truffa ai danni della vita. Congela le emozioni e spinge ad adorare falsi idoli. Il minimo che si possa fare è distruggere questi idoli. Lasciate che gli intellettuali si scandalizzino, dicano pure che siamo vandali e teppisti. L’arte è un cadavere in putrefazione, il teppismo è vita! È facile e divertente! Uccidete l’intellettualino che è in voi e unitevi alla marmaglia!”

È guerra aperta! Forse la demolizione dell’arte è una nuova tendenza in procinto di conquistare i giovani. Se è così Veltroni ha di che riflettere: nessun disegno di legge può mettere recinti alla cultura pop!

(Nota del editor). En un panfleto titulado «Defiende la libertad en todas partes» (fechado el 4 de julio de 1958), Giuseppe Pinot-Gallizio —en nombre de la sección italiana de la Internacional Situacionista— lanzó una campaña para sacar del manicomio al pintor milanés Nunzio Van Guglielmi. Éste había sido internado por romper una ventana de Los desposorios de la Virgen de Rafael y pegar en la obra un pasquín ensalzando la revolución contra el estamento clerical. En París, el 7 de julio de 1958, Asger Jorn hizo público el texto «Au secours de van Guglielmi». En él denunciaba el encarcelamiento de Guglielmi «como un ataque contra el espíritu moderno», y elogiaba al pintor milanés por haber asaltado «los falsos ideales artísticos del pasado». Al año siguiente, Guglielmi fue declarado en su sano juicio y liberado del manicomio.
HOME, Stewart (2002). El asalto a la cultura. Movimientos utópicos desde el Letrismo a las Class War. Barcelona: Virus, p. 83

Destruction in Art Symposium

The Destruction in Art Symposium (DIAS) was a gathering of a diverse group of international artists, poets, and scientists to London, from 9–11 September 1966. Included in this number were representatives of the counter-cultural underground who were there to speak on the theme of destruction in art. The Honorary Committee was led by Gustav Metzger. The main objective of DIAS was to focus attention on the element of destruction in Happenings and other art forms, and to relate this destruction in society.

John Latham constructed three large “Skoob Towers” out of books, which they called “The laws of England”, and set fire to them outside of the British Museum.

Source: Wikipedia

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Niños maltratan una obra de arte mientras los graban adultos

Fuente: Hyperallergic (Claire Voon). Gracias a Enric Farrés por el pase.

Recently released CCTV video shows the young lads touching and pulling the wall-mounted work, but we also see their two adult chaperones whip out their phones and film the entire incident — because documentation of this precious scene for posterity sure beats discipline. Not until the boys deliver their fatal blow, pulling the artwork off the wall then letting it crash back against it, do their chaperones frantically wave their hands, gesturing for their charges to return. You’d think one would exercise extra precaution in a building where everything on view is highly breakable, but some people just don’t want to interrupt that moment when art seduces their kids.

The sculpture, “Angel Is Waiting” by artist and pioneer of China’s studio glass movement Shelly Xue, has been on view — and cordoned off by rope barriers — since 2014. It depicts a pair of angel’s wings constructed of glass fragments. According to Arte MagazineXue spent about 27 months making it and dedicated it to her newborn daughterRather than fixing the work after the boys’ rough handling of it, she has decided to leave it as is. She has simply retitled it “Broken.”

The museum has reportedly not announced whether the children or women received any form of punishment, but it has installed a screen playing the surveillance footage on loop next to the piece — perhaps as a cautionary tale, or as a way to shame the delinquents and their documentarians, which would align well with Chinese custom. Either way, the moment is gathering more views and shares than if it had only been played at that family’s next reunion!

Made To Be Destroyed

In the exhibtion FADE IN: INT. ART GALLERY – DAY that explores the role that art plays in narrative film and television, we can find Made To Be Destroyed, 2016 by Christian Marclay.

 
With this work, Marclay edits together a multitude of film clips in which artworks are destroyed. The minutia of the preliminary research and ensuing editing highlights a series of narrative and cultural patterns whereby art is the victim of violence. Whether sprayed (Batman, 1989), burnt (Equilibrium, 2002) or smashed (Le sang d’un poète, 1932 The Naked Gun, 1988), artworks are destroyed in moments that express rage against the self and others, the pain of loss, rebellion against a state or political power, or simply the perfect foil for a slapstick mishap.

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Christian Marclay, became internationally known in the 1980s for his reassembled readymades created from fragmented vinyl records, in his series of work Recycled Records. If you want to read more from him, you can go to this Journal of Contemporary Art.

Thanks to Elena Vozmediano for the info.

 

El Destruccionismo

 

La réplica infiel


ENCUENTRO-CONVOCATORIA PARA «LA RÉPLICA INFIEL» DE XAVIER LE ROY Y SCARLET YU
23 Y 25 FEB 19:30 H.

Fuente: CA2M Centro Dos de Mayo

INSCRIPCIÓN 23 DE FEBRERO

INSCRIPCIÓN 25 DE FEBRERO

Esta convocatoria se dirige a todas aquellas personas que se interesan y sienten curiosidad por:

-El espacio expositivo.
-Las normas implícitas de comportamiento en el museo.
-Procesos de aprendizaje y transmisión de lo que uno aprende.
-La transformación de las ideas mientras éstas se actualizan en algo, una acción.
-El paso desconocido/indeterminado entre una idea y la forma dada a una cosa o una acción.
-Guiar y ser guiado.
-Crear, escuchar y contar historias o transmitirlas de unos a otros.
-La manera de ver, observar, escuchar, contar, caminar, cómo la gente se relaciona entre sí en espacios expositivos, haciendo y deshaciendo
grupos.

Esto es para cualquiera y todas aquellas personas a las que les gustaría formar parte de:
Un intercambio inmaterial y su potencial de transformarnos tanto a nosotros/as como a otros/as. Para todos aquellos y aquellas que disfruten y sientan curiosidad por: aprender, transmitir, presentar, pasar algo que se convertirá en una especie de visita guiada por la exposición, ¿o se convertirá en un culto, un rumor, en algo de lo que se habla? ¿Qué se puede transmitir en una exposición? ¿Para qué? ¿Cómo?

Aspectos prácticos:
Si deseas formar parte de esta experiencia te comprometes a asistir al menos tres veces durante tres horas (o más si así lo deseas) los días que quieras durante la exposición (18 de marzo al 25 de septiembre de 2016) La réplica infiel en el CA2M. Aprenderás de alguien que a su vez ha aprendido de otra persona: maneras de mirar, de observar, de caminar, posturas, y cosas que decir y también que escuchar. Durante ese día, después de haber aprendido esas cosas que conformarán una especie de visita guiada, te encargarás de presentarla a otros-a-s visitantes (a algunos los conocerás y a otros no), tras lo cual pasarás este conocimiento a otra persona (a un amigo, a alguien que conozcas o, si lo prefieres, a alguien que todavía no conoces).

Cada participante se compromete a pasar lo que ha aprendido al menos a otra persona durante la exposición. Esto puede ser repetido tantas veces como desees. Puedes venir cuantas veces quieras y pasar tanto tiempo como quieras en «Para la réplica infiel de Scarlet Yu y Xavier Le Roy».

Xavier Le Roy estudió biología molecular en la Universidad de Montpellier, en Francia, y ha trabajado como bailarín y coreógrafo desde 1991.

Scarlet Yu obtuvo un Máster en Coreografía en Hong Kong Academy for Performing Arts y ha trabajado como performer y coreográfo desde el año 2000.

Para más información los días 23 y 25 de febrero a las 19:30 Xavier Le Roy y Scarlet Yu realizarán dos encuentros informativos con las personas interesadas en formar parte de su propuesta para la exposición La réplica infiel.

Si quieres asistir envía un mail con tu preferencia de fecha (23 ó 25 de febrero) a actividades.ca2m@madrid.org

Detenida una artista por desnudarse en el Museo de Orsay ante la ‘Olympia’ de Manet

La artista luxemburguesa Déborah de Robertis ha sido detenida por exhibicionismo sexual después de que este domingo se desnudara en el Museo de Orsay de París delante del cuadro ‘Olympia’ de Édouard Manet. La polémica artista pretendía con esta ‘perfomance’ recrear esa obra en directo.

De Robertis llevaba una cámara consigo para grabar la reacción del público, según ha explicado su abogado al diario francés ‘L’Est Républicain’, que ha destacado que su clienta llevó a cabo simplemente una “performance artística” ante la obra de Manet, un desnudo realista inspirado en la ‘Venus de Urbino’ de Tiziano, que causó escándalo en su época, en 1863. De Robertis se desnudó y se estiró en la misma posición que la mujer del cuadro en un momento en que había bastantes personas contemplando la obra. Nada más detectar el incidente, el museo cerró la sala, pidió a Robertis que se vistiera y, como esta se negó, llamó a la policía, que procedió a su detención.

No es la primera vez que Robertis realiza un acto de este tipo. En mayo del 2014, también en el Museo de Orsay, recreó el cuadro de Gustave Courbet ‘El origen del mundo’. En aquella ocasión, con un vestido corto de lentejuelas doradas y sin ropa interior, De Robertis se sentó ante la famosa obra, abrió las piernas y, con ayuda de sus manos, mostró su sexo a los visitantes durante varios minutos.

La artista colgó entonces un vídeo en internet en el que se veía cómo los trabajadores de ese centro se interpusieron entre ella y el público para obstaculizar la visión y, sin forzarla físicamente a interrumpir el espectáculo, procedieron a desalojar la sala.

Fuente: El Periódico de Catalunya
Entrada relacionada: El origen del mundo

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En un mitin del PP tapan con abrigos los genitales de un desnudo de Antonio López

Durante el acto electoral del PP en el Palacio de los Serrano, la escultura del hombre desnudo situado en el patio renacentista apareció cuidadosamente cubierta.

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De esta guisa, abrigado para que no cogiera frío, apareció una de las obras más importantes del patrimonio artístico de Ávila en un acto electoral que el PP organizó el pasado día 11 de diciembre en el Palacio de Los Serrano; y donde la presidenta de la Comunidad de Madrid, Cristina Cifuentes, acudió a hacer campaña acompañada de Pablo Casado, en mitin centrado en los jóvenes.

Se trata de un desnudo del artista Antonio López, que dado su hiperrealismo alguien optó por convertir en percha de cazadoras y así evitar a la mocedad una visión que pudiera afectarles el desarrollo. La escultura, situada en uno de los lados del patio renacentista del palacio, es una de las obras más valiosas del patrimonio de la Fundación Caja de Ávila y su autor es el artista español más cotizado, lo que no fue óbice para que fuera censurado en su más elemental hombría, como informa el Diario Digital de Ávila.

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De hecho, la escultura procede de un exposición inaugurada con gran orgullo por el artista en la primavera de 2014 y había visto “numerosos actos y presentaciones, pero siempre como su creador le trajo al mundo, nunca con ropa. Ha tenido que esperar al sábado, a una campaña electoral, para que alguien la considerada impúdica y no respetase lo que es una obra de arte”.

Así es cómo lucía el hombre desnudo de Antonio López con todo el asunto al aire, tal y como el propio autor quiso que siempre se mostrara:

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Fuente  Strambotic.

Felices votaciones a todos!

El “Santísimo Coño Insumiso”

“Imputadas las tres feministas que sacaron en procesión el ‘Santísimo Coño Insumiso’”. Fuente: AndalucesDiario

Procesión del 'Coño Insumiso' en Sevilla.// LAURA LEÓNProcesión del ‘Coño Insumiso’ en Sevilla.// LAURA LEÓN

A raíz de una denuncia de la Asociación de Abogados Cristianos y tras haber ordenado en septiembre pasado a la Policía su identificación formal, la juez de Instrucción número 10 de Sevilla cita a declarar como imputadas por un supuesto delito contra los sentimientos religiosos a las tres mujeres que sacaron en procesión una vagina gigante de plástico durante una protesta laboral en Sevilla.

Tres meses atrás la juez libraba oficio a la Policía para que identificara a las mujeres que portaban en andas “una vagina de plástico de un par de metros de altura a modo de Virgen” en la manifestación del 1 de mayo de 2014 convocada por la Confederación General del Trabajo (CGT), hechos por los que también están imputados dos dirigentes del sindicato por un delito contra los sentimientos religiosos.

Fuentes del caso dijeron entonces que la instructora había tomado esta decisión después de que el secretario general de la CGT en Sevilla, Miguel Sevillano, señalara en su declaración como imputado que, en el marco de la manifestación celebrada el 1 de mayo por el Día del Trabajo, otros grupos se unieron a la misma, entre ellos Aquelarre Feminista Sevillano, con el que la CGT “no tiene nada que ver”.

NO HABÍA SIMBOLOS RELIGIOSOS

Al hilo de ello, Miguel Sevillano puso de manifiesto que, cuando este grupo feminista se unió a la manifestación, “lo que llevaban no simulaba un paso de Semana Santa ni ningún símbolo religioso”, no obstante lo cual quiso dejar claro que él “no tuvo nada que ver en su creación”.

La juez pidió a la Policía que identificara a las mujeres en base al vídeo que consta a tal efecto, en el cual algunas de ellas portan mantilla y llevan el rostro descubierto, mientras otras sí tienen la cara cubierta por capirotes de nazareno.

En esta causa permanecen imputados tanto el secretario general de la CGT en Sevilla como el secretario de Organización de la CGT en Andalucía, Félix Cervera, contra quienes la Asociación de Abogados Cristianos se querelló por un delito contra los sentimientos religiosos en concurso con un delito de provocación a la discriminación, al odio y a la violencia por motivos referentes a la religión o creencias.

TONO DE BURLA

En la querella, consultada por Europa Press, dicha asociación relataba que los hechos ocurrieron el día 10 de abril de 2014, cuando miembros del sindicato “convocaron, organizaron y realizaron” una manifestación titulada ‘Procesión del santísimo coño insumiso’ y del ‘santo entierro de los derechos socio-laborales’, que partió de la sede de la CGT en Sevilla.

Ya el 1 de mayo de 2014, se convocó nuevamente por la CGT una manifestación “semejante a la anterior”, indica la asociación, que añade que, en dichas manifestaciones, “se recreaban procesiones de Semana Santa, escenificadas en tono de burla”, todo ello “a ritmo de tamborada y presidida por el ‘paso’ de una vagina de plástico de un par de metros de altura a modo de Virgen, portada en andas”.

LA DEFENSA, ‘ASOMBRADA’

Luis de los Santos, abogado de los imputados perteneciente a la cooperativa Jarsia, ya expresó a Europa Press su “asombro” por “la utilización banal y basada en intereses políticos predemocráticos del derecho penal” por parte de la Asociación de Abogados Cristianos, y anunció que solicitará el archivo de las actuaciones, ya que, en base a las declaraciones, considera probado “que no hay delito alguno, al ser una manifestación alejada de cualquier cariz religioso”.

El letrado lamentó que “se intente engañar” a la opinión pública y a la ciudadanía en una ciudad “en la que la religiosidad popular está tan arraigada”, aseverando que este asunto “no tiene nada que ver con la religión”, de manera que “se intenta a través del Código penal criminalizar la libertad sindical y la de expresión”.

Siete motivos para censurar el arte en España

“Siete motivos para censurar el arte en España”, por Peio H. Riaño. Fuente: El Español

La libertad de expresión del artista sale mal parada cuando la sociedad se ofende con sus acciones más provocadoras.

El Fiat Uno franquista de los artistas Núria Güell y Levi Orta, prohibido en Figueres.

El Fiat Uno franquista de los artistas Núria Güell
y Levi Orta, prohibido en Figueres.

La plaza grita y se revuelve. La indignación ha arrastrado a la masa a concentrarse para acabar con el monstruo. No hay antorchas y como no es un cuento tampoco un castillo en las profundidades de la montaña. El nuevo Frankenstein se llama Abel Azcona, tiene 27 años y se ha enfrentado en Pamplona a la fe de los católicos. Ha utilizado 242 formas sagradas para denunciar los casos de pederastia en la Iglesia. La zarabanda ha llegado a las puertas de la sala de exposiciones Serapio Esparza, ha arrancado los carteles que anunciaban la muestra Desterrados -primera retrospectiva del artista en su ciudad- y atacado la obra, tal y como declara Azcona.

Acción de Abel Azcona.

ACCIÓN DE ABEL AZCONA.

1. PROHIBIDO UTILIZAR HOSTIAS

Delegación del Gobierno en Navarra ha enviado a la Fiscalía un informe sobre la exposición en la que puede verse la instalación para que investigue si “incurre en un delito contra los sentimientos religiosos, contraviniendo lo recogido en el artículo 525 del Código Penal”.

Change.org también está que arde: la petición de censura de la exposición supera ya los 100.000 adscritos, hay otra que apoya al artista que suma menos de 300 personas. La Asociación de Abogados Católicos ha puesto una querella criminal porque supone un delito de ofensa a los sentimientos religiosos y un delito de profanación. La Policía Municipal contó 900 personas rezando en la sala por el alma del chico. Al alcalde Joseba Asiron (Bildu) tampoco le gusta la acción y desea hablar con el autor para que sea él quien retire la obra. Así que las hostias “desaparecieron” un día y ambas partes acordaron no reponerlas. Es la diferencia entre rectificar y censurar.

El director del MACBA quiso retirar esta obra, pero rectificó y dimitió.

El director del MACBA quiso retirar esta obra, pero rectificó y dimitió.

2. PROHIBIDO SODOMIZAR AL REY

El arte molesta e incomoda, hace reaccionar a la sociedad con un reflejo que le sirven los artistas más provocadores. El arte se salta las líneas editoriales y pone en entredicho todo, incluso las instituciones que les dan cobijo. Hace unos meses el director del MACBA Bartomeu Marí censuró la escultura de Ines Doujak, Haute Couture 04 Transport, en la que un perro pastor alemán sodomiza a la líder laborista bolivariana Dolomita Barrios, que a su vez penetra al rey Juan Carlos, mientras éste vomita aciano sobre una cama de cascos de oficiales de la SS. El intento de cancelación de la exposición en la que se incluía la pieza acabó con la carrera de los dos comisarios y del propio director, en el año que la institución cumple 20 años.

CIU no dejó salir del garaje al coche franquista.

CIU no dejó salir del garaje al coche franquista.

3. PROHIBIDO PASEAR A FRANCO EN UN FIAT

El Ayuntamiento de Figueres (CIU) prohibió circular por la ciudad al coche tuneado con fotos del dictador y simbología franquista que los artistas Núria Güell y Levi Orta prepararon para el festival de cultura contemporánea Ingrávids. La Transición no pasó la ITV. El poder de las imágenes -un coche destartalado con pegatinas franquistas- es tan grande, que el arte no es capaz… de ser visto como arte. El artista siempre ha sido valorado como bohemio, precario, creativo, pero cuando se presenta como factor irritante con licencia para expresarse sin límites el choque está garantizado.

“El arte de acción tiene tantos objetivos como artistas hay. No hay una misión concreta”, explican los artistas desde Beirut a este periódico. “Los límites del proceso creativo del artista ningún límite es válido”, aseguran sobre los márgenes de su actividad. “La creación y límites no van de la mano, porque la creación es pura libertad. Otra cosa es la estructura institucional artística, porque responden a otros intereses que imponen límites al artista”.

Con el Fiat de tercera mano querían hacer reflexionar sobre la presencia de actitudes franquistas y fascistas en la sociedad española y europea: “El coche debía salir cada dos horas por las ramblas de Figueras, como si fuera un fantasma. Que es lo que pasó con Franco, que murió pero no los resortes de su ideología”.

La nevera de Merino en la edición de Arco 2012.

La nevera de Merino en la edición de Arco 2012. Efe

4. PROHIBIDO METER A FRANCO EN UNA NEVERA

“El límite es la Ley, pero viendo qué tipo de leyes aprueba este Gobierno para el control y la sumisión, creo que el límite se está difuminando. Además, están todos los intermediarios entre la obra de arte y la política que acallan muchas de esas críticas”, explica Eugenio Merino a este periódico. El artista tuvo que defenderse en los tribunales de las demandas que la Fundación Francisco Franco por su pieza Always Franco, mostrada en ARCO 2012. Las dos fueron desestimadas, los jueces priorizaron el derecho a la libertad de expresión.

El representante de la Fundación evidenció otra forma de censura: “Hemos conseguido que Eugenio Merino no vaya a ferias de arte”. Consideraron que el artista “no puede injuriar a personas que han sido de notable relevancia en la nación y en Europa”. Para Merino, el objetivo del arte es, precisamente, “poner en evidencia las incoherencias de nuestra sociedad y rebelarse contra el poder”.

Laura Corcuera y Mónica Cofiño fueron censuradas por esta imagen.

Laura Corcuera y Mónica Cofiño fueron censuradas por esta imagen.

5. PROHIBIDO DEFECAR EN LA CONSTITUCIÓN

El Museo Nacional de Ciencias Naturales suspendió la intervención de Laura Corcuera y Mónica Cofiño horas antes de su celebración en el aula de Biología, porque a la directora de la institución no le gustó que lasperformers se fotografiaran y compartieran por redes sociales imágenes de ellas defecando en el monumento a la Constitución de 1978. Ambas estaban incluidas en el programa de actividades que acompañaba a la exposición dedicada a la mierda. Las artistas aseguraron que se trataba de una acción muy positiva porque utilizaban el monumento como retrete y la mierda como abono para algo nuevo.

“Hay ciertas imágenes que se hacen intolerables”, cuenta a este periódico el experto Jorge Luis Marzo, autor del libro Arte en España (1939-2015), ideas, prácticas, políticas (Cátedra). “El arte otorga la posibilidad de crear unas imágenes que de otra manera no serían posibles”. El arte tiene la facultad de crear conflicto y de traspasar unas fronteras que nadie más posee. “Hay un rechazo frontal al hecho de que haya una disciplina que sea capaz de cruzar fronteras cuyos efectos no se tolerarían en otro ámbito”, añade el crítico y comisario.

Exposicion censurada Ausín Sainz, en Salamanca.

Exposicion censurada Ausín Sainz, en Salamanca.

6. PROHIBIDO DEFECAR EN LA CABEZA DE RAJOY

Dos policías vestidos de paisano entran en la sala y piden el DNI al artista. Le entregan una carta en la que le comunican que la inauguración de la exposición que está montando en el centro Julián Sánchez El Charro ha sido cancelada. Sacaron las pinturas de Ausín Sainz por la puerta de atrás con el pretexto de “no aptas para la familia”. Retrató a unos cuantos políticos con excrementos humanos en la cabeza, entre ellos el presidente del Gobierno. “Somos un país censor porque no hemos tenido una cultura burguesa, con todo lo bueno y malo que tiene eso. Por otro lado hemos salido de un régimen dictatorial. ARCO también forma parte de este guion: es un invento para convertir el arte en publicidad”, cuenta Jorge Luis Marzo.

Los fósforos que incendiaron el Museo Reina Sofía.

Los fósforos que incendiaron el Museo Reina Sofía.

7. PROHIBIDO INVITAR A QUEMAR IGLESIAS

Lo habitual es que el código artístico neutralice la transgresión. Es decir, la mayoría de los que pasan el algodón a los límites de la libertad de expresión del país suelen actuar fuera de los museos. Marzo cuenta que el sistema del arte español ignora a los transgresores. En los museos la obra política queda desactivada, convertida en decoración. A pesar de ello, Azcona ha buscado la acción en el museo. No es el único, claro, las cajas de cerillas del colectivo Mujeres Públicas incendiaron el Museo Reina Sofía, porque incluían una leyenda polémica: “La única Iglesia que ilumina es la que arde”.

La Asociación de Abogados Cristianos presentó una querella contra Manuel Borja-Villel, director del museo, como responsable de los contenidos expuestos. Le acusaron de permitir la exposición de “mensajes que incitan a la quema de iglesias, obras que hacen escarnio de las oraciones cristianas y frases que injurian al papa Francisco y a los santos de la Iglesia pueden ser conductas delictivas tipificadas en el Código Penal”. Todo quedó en intento de censura. ¿Por qué ofende el arte? Para Marzo, “la gente se siente amenazada por ciertas imágenes, porque no las consideran bajo la óptica artística, sino desde la real”. El arte no es la vida, aunque a veces se confunda.

El caso del pintor Santos Iñurrieta

El 11 de diciembre de 1992, el pintor vitoriano Santos Iñurrieta era detenido por la Policía Municipal cuando arremetió contra un grupo de esculturas del artista Agustín Ibarrola, instalado en la Plaza de la Virgen Blanca de Vitoria, justo cuando pasaba al lado el concejal de cultura de la capital vasca, Andrés Sánchez. Al ser arrestado, Iñurrieta declaró: “Quería que me detuvieran y de una vez denunciar la actuación de un departamento de cultura que se gasta unos siete millones de pesetas en la exposición de Ibarrola y no tiene dinero para promocionar de verdad la actividad artística de los jóvenes”.

Un juez consideró que la acción generaba “alarma social” por lo que ordenó el ingreso en prisión preventiva del artista en la prisión de Nanclares de la Oca. El juez creyó que los hechos podían ser considerados un “delito de daños”. El auto de prisión dictado por el juez consideró como agravante su condición de pintor: “Si una persona de relevante condición social, que debe ser arquetipo para los demás, realiza actos de esa índole, el ejemplo que se da a la ciudadanía debe calificarse como deplorable”. El director de Cultura del Ayuntamiento de Vitoria, Enrique Ruiz de Gordoa, cifró en 46.750 pesetas el dinero que costaría reparar el conjunto escultórico de Ibarrola.

Algunos artistas de Vitoria, entre ellos Juan Mieg, Fernando Illana y Javier Girbau, protestaron por el encarcelamiento de Iñurrieta ordenado por el juez. Consideraron abusivo que se pudiera adoptar semejante medida como respuesta a su acto de denuncia. Illana advirtió que él “podría ser el próximo en derribar la escultura de Ibarrola si Iñurrieta sigue en la cárcel”.

Al cabo de 48 horas, el juez excarceló al pintor bajo fianza de 100.000 pesetas. El juez criticó en su auto la actuación del artista, y descalificó el intento del autor de calificar el derribo de la obra de Ibarrola, compuesta de traviesas, como otra obra de arte. “Pretender explicar la acción del imputado calificándola de obra de arte a su vez”, citó el juez, “implica desconocer que la obra artística es un acto de amor y de paz y nunca puede ser motivo de enfrentamiento o violencia”. El juez José Miguel Martínez añadió que su actuación enviando a la cárcel al artista no había tenido como objetivo fundamental la de defender los intereses de Agustin Ibarrola, sino que se había guiado por la necesidad de proteger la líbertad de expresión artística y el derecho de los ciudadanos a la pacífica contemplación y crítica de una obra que forma parte de la cultura contemporánea.

Por su parte, el artista Jorge Oteiza defendió en un artículo la acción de Santos Iñurrieta. A los pocos días, un autodenominado Aralar Komando Kultura destrozó a martillazos una estela funeraria de Oteiza dedicada al padre Donostia en el monte Agiña (Navarra). Oteiza condenó la agresión a su escultura y acusó a un antiguo alumno suyo, Koldo Azpiazu, como autor material de la misma. Oteiza se mostró partidario de “la violencia contra los violentos” -dijo que su primera reacción al conocer el destrozo de su estela fue tratar al autor del desaguisado como a su piedra: “Destruirle la cara”-, y aseguró que “agredir una obra de arte es una acción destructiva que no lleva a ninguna parte”.

Algunos medios destacaron que tras el acto vandálico de Iñurrieta, y de otros similares en aquellos mismos días que constituyeron una auténtica guerra de imágenes, se escondían pugnas sobre el carácter de la política cultural en Euskadi.

Gracias a Natxo Rodríguez, Javier Sanmartín y Dani Castillejo por el pase.

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El pintor Santos Iñurrieta

Descubiertos cuadros del s. XVIII con garabatos en un museo francés

Fuente: 20 minutos

Varias pinturas de maestros franceses del siglo XVIII han aparecido esta semana deterioradas, con garabatos e incluso con perforaciones, en el museo Fragonard de Grasse, en el sureste de Francia. Se trata de un cuadro del propio Jean-Honoré Fragonard, que da nombre al museo, de tres del retratista François Gérard y de otro de François Vincent, cuyos daños fueron señalados por un visitante, explicó este sábado Le Parisien. El problema para la investigación policial es que el museo no dispone de sistema de vigilancia con cámaras Se encontraron varios agujeros y diversos garabatos hechos con bolígrafo, como un bigote dibujado a uno de los personajes de las telas vandalizadas. Los hechos se descubrieron el lunes pasado y se han producido unas cinco semanas después de que se hubieran constatado el 25 de septiembre actos similares sobre otras cuatro pinturas del museo, en ese caso reproducciones del siglo XIX, que entonces no se habían denunciado. Ahora, los responsables han alertado a la policía y evalúan el perjuicio, que podría ser de varios cientos de miles de euros. El problema para la investigación abierta por la policía científica que se encarga del caso es que el museo Fragonard no dispone de sistema de vigilancia con cámaras. Según los primeros elementos de las pesquisas, estos últimos deterioros se debieron de producir entre el 8 y el 19 de octubre. Una fuente citada por Le Parisien dijo no descartar ninguna pista y barajó una posible venganza, el acto de un desequilibrado o incluso una chiquillada.

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Manifestación contra Renoir

Fuente: The Boston Globe. Gracias a Pau Figueres por el pase. Aquí, en castellano.

It’s nothing personal, says Ben Ewen-Campen, he just doesn’t think French impressionist Pierre-Auguste Renoir is much of a painter. Monday, the Harvard postdoc joined some like-minded aesthetes for a playful protest outside the Museum of Fine Arts. The rally, which mostly bewildered passersby, was organized by Max Geller, creator of the Instagram account Renoir Sucks at Painting, who wants the MFA to take its Renoirs off the walls and replace them with something better. Holding homemade signs reading “God Hates Renoir” and “Treacle Harms Society,” the protesters ate cheese pizza purchased by Geller, and chanted: “Put some fingers on those hands! Give us work by Paul Gauguin !” and “Other art is worth your while! Renoir paints a steaming pile!” Craig Ronan, an artist from Somerville, learned about the protest on Instagram and decided to join. “I don’t have any relationship with these people aside from wanting artistic justice,” he said. The museum hasn’t commented on the fledgling movement, but a few folks walking by Monday seemed amused. “I love their sense of irony,” said Liz Byrd, a grandmother from Phoenix who spent the morning in the museum with her daughter and grandchild. “I love Renoir, but I think this is great.”

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Carla Zaccagnini: “Elementos de belleza” (2012)

Carla Zaccagnini’s artist’s book Elements of Beauty (2012) lays out materials that evidence the violent and frequent attacks carried out by militant members of the Women’s Social and Political Union, more commonly known as the Suffragettes, on a number of artworks and artefacts in English and Scottish museums. The actions began in 1913, an election year on the brink of World War I, and at a time when Britain’s colonial and imperial power was beginning to wane.

Elements of Beauty reproduces the records of these attacks and their public circulation through newspaper clippings, police surveillance photographs and writings in the Suffragettes’ own newspapers, Votes for Women and The Suffragette. This narrative produced a new subject, a disobedient and defiant white and predominantly middle- or upper-class female person fighting for enfranchisement. During the late Edwardian era, attitudes towards social issues, including women’s position in society, were starting to change, but a rigid class system was still firmly in place, as were colonial and nationalist prejudices, despite earlier abolitionist success. Women were highly affected by moralizing attitudes around sexuality and abortion, poor working conditions and lack of access to education. The Suffragettes were fighting for women to have the right to vote, a right that was initially restricted to women who held property.

Fuente: Afterall. Gracias a Montse Romaní por el pase.Untitled-1Carla Zaccagnini, Elements of Beauty, 2012, artist’s book, p.61, detail.

¿Por qué se destruye el arte?

Fuente: La Vanguardia

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El arte, con su presencia inmóvil y espíritu simbólico, acostumbra a ser una víctima fácil de abatir. La destrucción de los templos de Bel y Baal en Palmira es el caso más reciente de vandalismo artístico que ha dado la vuelta al mundo, obra de Estado Islámico. El grupo yihadista también ha presumido últimamente de dinamitar algunas ruinas de la ciudad asiria de Nimrudhacer añicos estatuas del Museo de la Civilización de Mosul (aunque los expertos afirmaron que la mayoría eran réplicas) o atacar a golpes de maza y disparos los restos de la ciudad histórica de Hatra. Pero ¿por qué el arte está en el punto de mira del fanatismo destructor?

“El arte siempre es vulnerable porque provoca respuestas, porque inconscientemente puede devenir en prototipo”, explican las expertas en iconoclasia Beatriz Yoldi y Dimitra Gozgou, autoras del estudio La destrucción del arte. Y aunque las últimas noticias publicadas en los medios de comunicación tengan a Estado Islámico como protagonista ejecutor, este tipo de agresiones son tan antiguas como la propia humanidad. “El arte, las imágenes, la arquitectura… son símbolos con los que una comunidad se siente identificada y destruirlos supone un golpe bajo contra su idiosincrasia”, explica Pedro Azara, arquitecto y profesor de Estética y Teoría de las Artes de la Universitat Politècnica de Catalunya. “Los líderes asirios destruían monumentos y ciudades cuando conquistaban un territorio, era una manera de imponerse e infundir terror”, añade. Lo que no deja de ser irónico… El IE actúa como antaño lo hicieron las culturas que ahora está demoliendo a su paso por Iraq y Siria.

Política y religión

Existen diferentes razones para atentar contra las manifestaciones artísticas. En el caso del IE, las motivaciones son tanto religiosas como políticas. “Aplican una interpretación extrema del Corán con carácter retroactivo”, explica Adelina Millet, directora del Institut del Pròxim Orient Antic. “Realmente creen que deben destruir todo aquello contrario al Islam, pero también saben que sus acciones atacan la memoria de Occidente, se trata de una agresión doble”, argumenta.

“Aunque a nosotros nos pueda parecer horrible, porque lo es, no es inaudito”, afirma Millet antes de poner algún ejemplo. “Los conquistadores españoles destruyeron todo lo que iba contra la religión católica y no solo arte, sino culturas enteras”. Y otro todavía más antiguo: “Cuando los griegos conquistaron Egipto, intentaron destruir las Pirámides, pero desistieron porque era un arduo trabajo, solo lograron agujerear un poco la de Micerinos”.

Cuando el predicador Savonarola quiso imponer una conducta ejemplar a la lujuriosa y humanista Florencia del siglo XV, muchas obras de arte consideradas paganas acabaron en las famosas hogueras de vanidad. La tradición cuenta que el mismo Botticelli lanzó al fuego muchos de sus lienzos de temática mitológica.

Y mucho antes, en el siglo IV, Teófilo de Alejandría destruyó el Serapeo, templo dedicado al dios egipcio Serapis (producto del sincretismo de las mitologías egipcia y griega). Esta agresión comandada por el patriarca copto simbolizó el triunfo del cristianismo sobre las otras religiones.

Más motivos iconoclastas

Las razones para dañar o destruir una obra de arte van más allá de las meramente políticas o religiosas. Una de ellas es la damnatio memoriae. Las representaciones artísticas de las personas condenadas al olvido por su propia sociedad también son condenadas a desaparecer. Es lo que les sucedió, por ejemplo, al faraón Akenaton y a la reina Hatshepsut durante el antiguo Egipto. Así, pues, han llegado hasta nuestros días magníficos relieves, por ejemplo, de la época de Amarna casi intactos: solo se ha eliminado, con gran precisión, la figura del faraón hereje. A posteriori, representaciones de reyes egipcios y de sus dioses paganos sufrieron los golpes de cincel del puritanismo de nuevas religiones. El dios de la fertilidad Min, representado siempre con el falo erecto, es de los que más sufrió este tipo de censura.

El exceso de decoro también ha provocado que determinadas esculturas sufriesen mutilaciones en los genitales o que en algunas pinturas se cubriesen las partes desnudas del cuerpo. El ejemplo más conocido se encuentra en la misma Capilla Sixtina pintada por Miguel Ángel. En el año de la muerte del artista, el papa Pío IV encargó a Danielle di Volterra que cubriese los desnudos del Juicio Final. La misma suerte corrió el fresco de Masaccio de la capilla Brancacci que representa la expulsión de Adan y Eva del paraíso. En el siglo XVII se añadieron unos racimos de uva para ocultar sus ‘vergüenzas’. Actualmente, gracias a la restauración, ambas pinturas han recuperado su aspecto original.

Sexualidad mal entendida

De hecho, la evocación sexual que emana de determinadas representaciones artísticas, sobre todo figuras femeninas, es una de las causas principales del vandalismo artístico. “Estadísticamente, los atacadores en su mayoría son hombres y muchos de ellos han agredido obras figurativas femeninas por motivos ligados al deseo y a la posesión sexual”, explican las especialistas en iconoclasia Yoldi y Gozgou. Por lo tanto, “actúan contra ellas para liberarse del deseo, como represalia por hacerles sufrir o como castigo por no poder ser reales”, argumentan.

Un ejemplo sería el ataque que sufrió La primavera de Bouguereau, que muestra a una ninfa desnuda rodeada de pequeños ángeles. Un fanático lanzó una silla contra el cuadro para evitar que su madre o hermana pudieran contemplar pinturas de este tipo. También fue dañada la Danae de Rembrandt, en esta ocasión, por arma blanca. El agresor le asestó cuchillazos en la zona del vientre y le roció ácido en los genitales, el vientre, los pechos y finalmente en la cara, a modo de eyaculación.

Los trastornos psicológicos que sufren algunos atacantes también es una causa habitual de agresión. “Los iconoclastas son en realidad más idólatras de lo que ellos creen”, explican Yoldi y Gozgou. “Establecen un vínculo emocional muy fuerte con la obra y llegan a considerarla como algo mucho más trascendental y espiritual de lo que en realidad es”. Los agresores proceden a eliminarla porque les provoca una emoción insoportable, según las expertas. Después, “la pérdida del objeto amado y odiado puede generar un sentimiento de culpa y responsabilidad que guiaría el agresor hasta la autoagresión o el suicidio”, apuntan en su estudio.

En este sentido, una de las obras más famosas atacada por una persona con problemas mentales es la Pietà de Miguel Ángel. Su agresor, que declaró que él era Cristo eterno y que no podía tener madre, asestó 15 martillazos a la Virgen, que perdió el brazo izquierdo, la nariz, las cejas y la boca. El asaltante de la Ronda de Noche de Rembrandt, que sufrió varias puñaladas, también se consideraba hijo de Dios y acabó suicidándose poco después.

En busca de trascendencia

Otro motivo para violentar una obra de arte es la trascendencia que se puede alcanzar con ello. Por ejemplo, la sufragista Mary Richardson atacó con un cuchillo en 1914 a la Venus del espejo de Velázquez, recién adquirida por la National Gallery por una gran suma de dinero. La activista feminista buscaba así que trascendiera su protesta contra el encarcelamiento de una compañera.

Aunque este fue un caso muy sonado que creó escuela entre las mujeres sufragistas, que atacaron unas 140 obras en medio año, vale la pena viajar hasta el siglo IV a.C. para recordar el caso más significativo de destrucción artística para alcanzar popularidad. El protagonista es Eróstrato, que el 21 de julio del año 356 a.C., incendió el Templo de Artemisa en Éfeso, una de las siete maravillas del mundo antiguo. Su fin era pasar a la historia como el hombre que destruyó uno de los edificios más bellos del planeta. Los efesios reaccionaron prohibiendo, bajo pena de muerte, que nadie pronunciara o escribiera su nombre. Pero Eróstrato consiguió salirse con la suya. El término erostratismo hace referencia a la “manía que lleva a cometer actos delictivos para conseguir renombre”, según la RAE. Y la psicología habla del complejo de Eróstrato como el trastorno de un individuo para ser el centro de atención. Incluso Cervantes lo nombra en el Quijote.

Reconstrucciones costosas

Muchas obras atacadas a lo largo de la historia se han podido restaurar o reconstruir, sobre todo en la actualidad. Es el caso, por ejemplo, del Partenón de Atenas, destruido por los venecianos en 1687 cuando asediaron la ciudad controlada por los turcos. El templo de Atenea, que se había convertido en el polvorín otomano, saltó por los aires ante el bombardeo veneciano. Tal y como lo vemos hoy es fruto de la reconstrucción efectuada en el siglo XX.

“Cuando llegue la paz, y si hay voluntad y recursos financieros, se podrán reconstruir los templos de Bel y Baal en Palmira”, explica Azara recordando los últimos edificios históricos que la mano del hombre ha hecho añicos. “Un monumento siempre se puede reconstruir, y más si es de piedra”, insiste, “pero el daño humano es irreparable”, aludiendo al recién asesinato por parte del IE del arqueólogo de 82 años Jaled Al Asad, antiguo responsable de Palmira y uno de los grandes conocedores de la historia de estas ruinas. “El conocimiento de una persona no se puede restituir, no olvidemos que el ser humano es quien da valor e interpreta los símbolos”, concluye.

Museo de la Mierda (Castelbosco, Italia)

Fuente: Museo della Merda. Un pase de Pau Figueres.

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The Castelbosco farm, in the province of Piacenza, in the north of Italy, works to produce milk for Grana Padano cheese. It is home to 2,500 super-efficient, selected pedigree bovines that every day produce around 30,000 litres of milk and some 100,000 kilos of dung. A quantity of poop that the farm owner, Gianantonio Locatelli has transformed into a futuristic ecological and industrial project. Today, from that muck, he obtains methane, fertiliser for the fields, as well as raw material for plaster and bricks. And he does so using the latest technology which, as well as reducing atmospheric pollution and the distribution of nitrates in the soil, follows a principle that redesigns the cycle of nature to form a virtuous circle. Giving shit back the value it deserves. And restoring to agriculture and cattle-rearing the importance they always had.

Humanity, nature, art and technology. The Shit Museum is the upshot of understanding and dialogue between Locatelli with Luca Cipelletti, Gaspare Luigi Marcone and Massimo Valsecchi. It brings together biomechanics and environmental art, the agricultural landscape, the system of digesters that turn manure into energy, and the ground floor of the late-medieval castle of Castelbosco – kept warm thanks to the heat exchange of the engines that generate . Home to a series of installations in continuous evolution, dedicated to transformation, the ability to transmute natural substances and re-establish a healthier relationship between man and nature. Themes that were once the stuff of alchemists, and which are now at the basis of a project that does away with cultural norms and pre-concepts.

In the museum spaces and castle rooms – and in their digital version – those aesthetic and scientific, human and animal, modern-day and yesteryear experiences are and will be on show, displaying what a useful and living substance crap really is.
In both practical and metaphorical terms. From the dung beetle, considered a divine animal by the Egyptians (and symbol of the museum), to the use of excrement in architectural constructions in the most far-flung cultures of the planet, from the ancient Italian civilisations to Africa, via historical-literary works such as the Naturalis Historia by Pliny the Elder, right up to the latest scientific research projects and artistic production drawing on the use and reuse of waste. A contemporary cabinet of curiosities which finds its guiding light in the art and science of transformation.

Few phenomena are so rich in material and conceptual complexity as the cultural history of shit. The Shit Museum is an agency for change, a research and data-collection institute, housing documents and information on excrement in culture, technology and history. And it also has an enzymatic role: it dialogues with artists, scientists and institutions on ideas and projects linked to the value of faeces and its endless uses, both current and yet to be imagined.

De rerum natura: of the nature of things. Of its becoming something else, be it art or technology, Castelbosco is overall –the farm and museum – an ecological workshop of anticipation:a fertilising machine,a station for the production of power and ideas, situated halfway between the ideal and the material. Which sublimes the essence of dung, muck and crap. The mirror of a great plan which draws life and energy from a material erroneously considered worthless.

Massimo Torrigiani

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Aprendiendo la actitud estética

Fuente: Larry Shinner, La invención del arte. Una historia cultural, Paidós, Barcelona, 2014 (2001). Gracias a Joana Masó por el pase.

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Una mujer golpea y orina a un cuadro de Clyfford Still

Source: 9News.com Thanks to Shawn Taylor for the info.

The piece, titled “1957-J-No. 2,” is just one 2,400 works of art inside the Clyfford Still Museum downtown which opened in November. The painting was painted in 1957 and is oil on canvas. It is 113 x 155 inches.

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For some reason, Carmen Tisch was drawn to the painting last Thursday around 3:30 p.m., but not in the artistic sense of the word.

Instead, police say Tisch began scratching the painting, and pounding it with her fists.

Then police say she leaned against it, pulled her pants down and began urinating next to the painting.

The police report says the painting now has visible scratches on it, but it is unclear if any urine actually got on the artwork.

It’s estimated the painting is valued between $30 and $40 million.

“It comes across as pretty inconceivable that somebody would do that in the context of a museum,” Ivar Zeile, owner of Plus Gallery downtown, said.

Tisch was arrested and charged with criminal mischief by the Denver District Attorney’s office.

Museum officials aren’t talking about the incident or describing the damage to the painting. They’re only saying they’re cooperating with the police.

The cost to repair the damage, they tell police, will be around $10,000.

“It’s more of an embarrassment because they’ve been in place for less than two months,” Zeile said.

Still is considered one of the top abstract painters of the 20th century. After passing away 30 years ago, his wife started looking for an American city that was willing to build a museum for his works.

In 2004, Still’s wife picked Denver after a lobbying effort by then-Mayor John Hickenlooper.

Zeile says the museum will likely have to increase security.

“Something as ridiculous as a woman coming in, who is probably unknown to anybody, being able to even touch the piece is kind of a slap in the face to the authority of the museum,” Zeile said.

As of Wednesday night, Tisch was still in jail on a $20,000 bond. She declined 9NEWS’ request for an interview.

She does have a criminal record including arrests for DUI and armed robbery, but that armed robbery charge was later dismissed.

She’ll make her first court appearance on Friday.

The City and County of Denver owns the museum and paintings inside, but it’s unknown who will foot the bill to repair the painting at this point.

The museum released this statement on Wednesday: “On December 29, 2011, an incident of criminal mischief took place at the Clyfford Still Museum. The police were summoned and the offender was arrested and is currently in police custody. Museum officials are cooperating with the authorities regarding the situation and are in the process of further assessing the incident.”

Video here.

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