El selfie desastroso en el museo, o cómo no montar unas peanas

«Una serie de instalaciones maravillosas, sobre la media, para hacer el selfieperfecto que haga de Instagram la plataforma perfecta para experimentar todo este espectáculo de alto presupuesto». La definición que el diario Los Angeles Times dio sobre la muestra del artista Simon Birch, expuesta en la 14th Factory de la misma ciudad, no podía ser más acertada. Aunque ese artículo se escribió en mayo, hace dos semanas un incidente hizo valer el titular con creces.

La 14th Factory, propiedad de Birch y que abrió en marzo después de cuatro años de retrasos, es un espacio que alberga una colección del artista británico y otros 20 artistas más en 14 habitaciones. La instalación  Hypercaine presenta varias coronas y objetos expuestos sobre pedestales de distintas alturas, que los vuelve perfectos para causar un efecto dominó si alguien, por accidente o no, empuja una de las columnas. La 14th Factory vivía con el agorero del párrafo del Times, además de la disposición de los podios en la sala. Ya conocen a Murphy: «Si algo puede salir mal, saldrá».

Una joven se dispone a hacerse un selfie delante de uno de los pedestales. Al agacharse, pierde el equilibro y golpea a la columna, que inevitablemente golpea a la siguiente y así sucesivamente. Es el efecto dominó en todo su esplendor. La tercera ley de Newton manifestándose: acción y reacción. Hypercaine, que ha tardado seis años en ser montada, se desmonta en lo que tarda en pulsarse el botón de disparo de la cámara.

Una caída valorada en 200.000 dólares

Gloria Yu, una de las artistas que exponía junto a Birch, ha dicho a Hyperallergic que «tres esculturas resultaron dañadas permanentemente y otras tienen diferentes grados de daño». Las coronas, compuestas de elementos como madera, nylon, oro, plata y otros metales, estaban valoradas en 200.000 dólares.

La 14th Factory dice al portal CNet que no está detrás del vídeo. Hay algunas teorías que sitúan al clip, de 35 segundos de duración, como si se tratara de un viral para hacer publicidad de la galería y que así acuda más gente. La persona que lo ha colgado en YouTube dice ser un amigo personal de Birch, y de paso anima a que la gente se pase por la exposición. De momento lleva algo menos de medio millón de visitas.

Hay quien cree que Hypercaine, que estará expuesta hasta finales de este mes, es una colección destinada inevitablemente a que uno se haga selfies en ella, como decía el artículo de Los Angeles Times. Otros piensan que el incidente no hará otra cosa sino atraer montones de público deseoso de tomarse un  selfie sin tirar nada.

Las coronas de Hypercaine

Cuando los selfies destruyen

La joven que se ha llevado por delante media instalación en Los Ángeles no es la única que, por accidente, ha terminado destruyendo una obra de arte. El pasado febrero, un hombre aplastó una calabaza del artista japonés Yayoi Kusama al intentar hacerse un selfie. La sala fue cerrada al público temporalmente y un trabajador dijo que la hortaliza había sufrido «daños menores».

Hace algo más de un año, en Portugal, un hombre se encaramó a la estatua del rey Dom Sebastiao para hacerse un selfie. La figura llevaba 126 años en el muro exterior de la estación de tren de Rossio, en Lisboa, pero se rompió cuando el hombre se subió a ella. Aunque huyó de la escena del crimen, la policía terminó cogiéndole y llevándole ante un juez.

En marzo del 2015, dos mujeres tallaron sus iniciales en uno de los muros del Coliseo de Roma. Las dos chicas, de 21 y 25 años, cogieron una moneda y grabaron una J y una N en la piedra centenaria. Después subieron la foto a Facebook. Como en el caso anterior, la policía las detuvo y llevó a juicio. Al final, terminaron pagando una multa de miles de euros.

Mientras tanto, en España, tanto el Museo del Prado como el Thyssen Bornemisza explican a eldiario.es que «ni las fotos ni los palos-selfie están permitidos dentro del museo». El museo del Prado añade que «si hubiera una agresión, tendría que aplicarse el Artículo IV de la Ley 16/1935 de Patrimonio Histórico. Si no hay intencionalidad y es un accidente, habría que ver si ha habido imprudencia o no».

Fuente: Diario.es

La piña de unos estudiantes escoceses, convertida en obra de arte por error

Fuente: Público.

Una piña abre de nuevo el debate sobre el sentido del arte. Varios estudiantes escoceses —concretamente de la Universidad Robert Gordon— compraron una piña en supermercado por 1 libra y, apenas unos días después, reapareció en el mismo lugar pero convertida en obra de arte.

Según informa el diario británico The Independent, Ruairi Gray y Lloyd Jack, dos estudiantes veinteañeros, tuvieron a bien depositar sobre un exhibidor vacío la fruta de la discordia con el fin de sembrar el debate. Y vaya si lo consiguieron; cuatros días después de la «intervención» la piña yacía en el mismo lugar pero envuelta en una vitrina transparente.

En palabras de Gray: «Decidí ver cuánto tiempo permanecería allí o si la gente se creería que era arte. Días después comprobé que se había metido en una vitrina, es lo más divertido que ha pasado en todo el año. Mi tutor le preguntó a un profesor de arte si era real porque no podía creerlo».

Una de las asistentes de la exposición negó haber tenido nada que ver con lo sucedido, debido a que —según declaró a The Independent— es alérgica al piña.

1978: Action Directe roba «El prestidigitador», de El Bosco

El 13 de diciembre de 1978, el grupo de extrema izquierda francés Action Directe sustrajo la obra El prestidigitador, de Hieronymus Bosch (1502) del Museo Municipal de Saint-Germain-en-Laye, en donde estaba depositada desde 1872. En febrero de 1979 fue encontrada y devuelta al museo, aunque éste no volvió a abrir sus puertas desde entonces.

Fragmento del texto de Aurélien Gamboni (abril de 2003). Fuente: AG-Archives.net

«Intrigado por el singular eco de esta acción con el tema mismo del cuadro, y con ganas de entender si había en ello un gesto simbólico (y político), fui a Marsella para consultar a Jean-Marc Rouillan (uno de los fundadores de Action Directe) que se había beneficiado de un acuerdo de libertad condicional. Resultó que el robo de la pintura, una acción no reivindicada, tenía un objetivo material: los secuestradores querían cambiar el lienzo por dinero para financiar su causa. Sin embargo, el atractivo singular que el Bosco producía entre un gran número de partidarios de la ultraizquierda en ese momento, y en Rouillan en particular, no fue ajeno a la elección de este «objetivo». También me dio una vívida descripción de su encuentro con el cuadro en el Museo Municipal de Saint-Germain-en-Laye, en concreto la sensación «física» de «silbato de oreja» que le había causado la mera visión de esta pintura. Otro punto a destacar parece ser la relación especial que los secuestradores más tarde declararon con el objeto, así como la renuncia a considerar la reventa de la obra a un particular, ya que consideraban que debía ser pública.

Por último (y en palabras de Rouillan), como en la escena de El Bosco, lo que sucedería al final fue un «nuevo pacto de tontos»: los policías que habían tendido una trampa pero que fallarán, los secuestradores que escapan (pero no consiguen su dinero). En cuanto al museo, que recuperó el cuadro, las deficiencias en su aparato de seguridad fueron objeto de implacables críticas y no se ha reabierto desde entonces.

Este evento fue en cierta medida reavivó mi investigación, ya que tenía que hacer posteriormente una solicitud de autorización especial para ver la tabla en Saint-Germain-en-Laye, en el sótano de un edificio seguro del que no tengo derecho a revelar la ubicación. Tomo nota de que la imagen de la cara escondida en la mesa, lo que me pareció ser uno de los elementos clave de la composición, no le parecía obvio ni a Jean-Marc Rouillan ni a la Señora Virole, conservadora del museo cerrado. Esta última incluso se negó a ver en esta interpretación, considerada «esotérica», otra cosa que no fuera una simple proyección, una ilusión generada por mis propios ojos. Si los espectadores fueran los cuadros, como preconizaba Marcel Duchamp, podríamos hacer notar que este trabajo está a veces lejos de ser reconocido como legítimo por aquellos que se preocupan de vigilar las obras de arte y de su recepción.»

Istvan Kantor

Istvan Kantor (Monty Cantsin)’s work in the late 1970s and early 1980s consisted most notably of the «Blood Campaign», an ongoing series of performances in which he takes his own blood and splashes it onto walls, canvases or into the audience. At the same time, he continued to work within the Neoist network, co-organizing and participating in a series of Neoist festivals, which began as «Apartment Festivals», which were also called simply «APTs».

His more controversial works involve vandalism and gore, painting large X’s in his own blood on the walls of modern art museums including next to two Picasso paintings at the MOMA in 1988 and at the Jeff Koons retrospective at the Whitney Museum in 2004. In doing so he has been banned from some art galleries, a status he holds with pride. In 2004, he threw a vial of his own blood on a wall beside a sculpture of Michael Jackson by Paul McCarthy in the Hamburger Bahnhof contemporary art museum of Berlin. Although his later work has been dismissed as a simple vandalism by some parts of the media. Curator Laura O’Reilly, commenting on Istvan Kantors writing «Monty Cantsin» on a piece by artist Nelson Saiers in The Hole Shop gallery in New york, said «There’s a fine line between pissing on someone else’s piece as a form self expression — if you’re going to call that art”. Fuente: wikipedia

Demolire l’arte

Tratto dall’omonimo cortometraggio di Luther Blissett.

Nell’ottobre scorso, su proposta di Walter Weltroni, il consiglio dei ministri ha approvato un disegno di legge che prevede un’inasprimento delle pene per quanti «danneggiano o deturpano cose d’interesse storico-artistico». Il fenomeno del vandalismo anti-artistico è sempre più diffuso. Per quali motivi? Perché statue e dipinti sono bersaglio di veri e propri bliz, di beffarde e anonime aggressioni? Gli ultimi episodi hanno lasciato l’opinionepubblica sbigottita e senza risposte.

«L’arte è viva! Godetela, ridetene, odiatela o amatela, ma non adoratela! Non siamo in chiesa, appendetela alle vostre pareti, pulitevici il culo magari… ma usatela!»

Ferragosto ’96. All’alba i soliti ignoti sfondano una vetrata della Galleria d’Arte Moderna di Bologna e sottraggono parti di due opere degli artisti londinesi Gilbert & George. L’indomani il materiale trafugato viene fatto trovare in un sacchetto della spazzatura a meno di centro metri dalla galleria.

Notte del 12 Novembre ’95. Viene decapitata una statua dello scultore inglese Henry Moore esposta in piazza del Nettuno a Bologna. Il giorno seguente turisti e passanti ammirano la statua per ore, prima che qualcuno si accorga che ne manca un pezzo. In un comunicato stampa Luther Blissett commenta:

«l’anonimo che ha deturpato l’opera d’arte ne ha messo in atto alcune potenzialità in precedenza congelate nel blocco. Ha liberato il gesto espressivo dell’artista. I passanti non hanno contemplato un corpo morto, un rottame dell’arte di ieri, ma hanno colto la materia nel pieno e nel vivo della sua trasformazione.»

Simili gesti non sono una novità. Nel decennio scorso alcune statue di Michelangelo sono state più volte attaccate a martellate.

«La ronda di notte» di Rembrandt ha subito ripetuti assalti con spruzzi di liquidi corrosivi. Ma oggi la frequenza del fenomeno, unitamente ad alcuni precedenti, ci fa sospettare che tali gesti siano parte di una vasta guerriglia culturale.

Giugno 1958, pinacoteca di Brera. Il pittore milanese Nunzio Van Guglielmi infrange il vetro che portegge «Lo sposalizio della Vergine» di Raffaello e incolla sul dipinto un volantino con la scritta: «Viva la rivoluzione italiana, via il governo clericale!». Vanguglielmi viene internato in manicomio. L’Internazionale Situazionista dirama il volantino: «Difendete la libertà ovunque», in cui si inneggia all’attentato e si chiede la liberazione di Vanguglielmi.

Gennaio 1963. Alcuni studenti rivoluzionari di Caracas sferrano un attacco armato ad una mostra d’arte francese e rubano cinque quadri che si offrono di restituire in cambio del rilascio dei prigionieri politici. Dopo uno scontro a fuoco la polizia si impossessa nuovamente dei dipinti. I rivoluzionari cercano invano di fare esplodere il furgone della polizia che li trasporta. Ancora i situazionisti commentano: «questo è senza dubbio un modo esemplare di trattare l’arte del passato, per riportarla in gioco e farla contare veramente nella nostra vita.»

Insurrezione di Dresda 1848. L’anarchico Mikhail Bakunin propone senza successo di saccheggiare il museo cittadino e di mettere i quadri sulle barricate per dissuadere la polizia dall’aprire il fuoco.

L’attacco all’arte viene oggi teorizzato dall’inglese Stewart Home autore di diversi libri culto. Intervistato sull’ergomento Home ha dichiarato: «Quando sento parlare di arte metto subito mano alla spranga. L’arte è noiosa, è una truffa ai danni della vita. Congela le emozioni e spinge ad adorare falsi idoli. Il minimo che si possa fare è distruggere questi idoli. Lasciate che gli intellettuali si scandalizzino, dicano pure che siamo vandali e teppisti. L’arte è un cadavere in putrefazione, il teppismo è vita! È facile e divertente! Uccidete l’intellettualino che è in voi e unitevi alla marmaglia!»

È guerra aperta! Forse la demolizione dell’arte è una nuova tendenza in procinto di conquistare i giovani. Se è così Veltroni ha di che riflettere: nessun disegno di legge può mettere recinti alla cultura pop!

(Nota del editor). En un panfleto titulado «Defiende la libertad en todas partes» (fechado el 4 de julio de 1958), Giuseppe Pinot-Gallizio —en nombre de la sección italiana de la Internacional Situacionista— lanzó una campaña para sacar del manicomio al pintor milanés Nunzio Van Guglielmi. Éste había sido internado por romper una ventana de Los desposorios de la Virgen de Rafael y pegar en la obra un pasquín ensalzando la revolución contra el estamento clerical. En París, el 7 de julio de 1958, Asger Jorn hizo público el texto «Au secours de van Guglielmi». En él denunciaba el encarcelamiento de Guglielmi «como un ataque contra el espíritu moderno», y elogiaba al pintor milanés por haber asaltado «los falsos ideales artísticos del pasado». Al año siguiente, Guglielmi fue declarado en su sano juicio y liberado del manicomio.
HOME, Stewart (2002). El asalto a la cultura. Movimientos utópicos desde el Letrismo a las Class War. Barcelona: Virus, p. 83

Destruction in Art Symposium

The Destruction in Art Symposium (DIAS) was a gathering of a diverse group of international artists, poets, and scientists to London, from 9–11 September 1966. Included in this number were representatives of the counter-cultural underground who were there to speak on the theme of destruction in art. The Honorary Committee was led by Gustav Metzger. The main objective of DIAS was to focus attention on the element of destruction in Happenings and other art forms, and to relate this destruction in society.

John Latham constructed three large «Skoob Towers» out of books, which they called «The laws of England», and set fire to them outside of the British Museum.

Source: Wikipedia

 

Un joven deja unas gafas en un museo y la gente se piensa que es arte

Fuente: El Periódico

TJ Khayatan es un joven de 17 años que el próximo otoño comenzará la universidad. Recientemente fue de visita al MOMA de San Francisco con sus amigos a disfrutar un poco del arte. Según él mismo ha explicado a algunos medios, les gustaron la mayoría de obras expuestas, pero algunas piezas no las entendieron y les sorpendió, incluso, que fueran calificadas de arte (como un peluche arropado con una manta gris que había en una sala). Desconcertados, decieron hacer un experimento.

Pusieron unas gafas en el suelo, cerca de una pared, y se pusieron a observar la reacción de la gente que visitaba el museo. Al poco observaron que alrededor de las gafas se habían arremolinado varias personas que miraban las gafas cual obra de arte y que, además, les hacían fotos como si fueran la ‘Gioconda’. La prueba había sido un éxito y, excitados, hicieron fotos de la gente mirando «su obra de arte».

El pasado lunes, el chaval publicó las fotos en Twitter, y ya llevan más de 55.000 retuits. Tanto es así, que la historia ha dado la vuelta al mundo y TJ Khayatan ya ha explicado su ocurrencia a varios medios de comunicación.

Niños maltratan una obra de arte mientras los graban adultos

Fuente: Hyperallergic (Claire Voon). Gracias a Enric Farrés por el pase.

Recently released CCTV video shows the young lads touching and pulling the wall-mounted work, but we also see their two adult chaperones whip out their phones and film the entire incident — because documentation of this precious scene for posterity sure beats discipline. Not until the boys deliver their fatal blow, pulling the artwork off the wall then letting it crash back against it, do their chaperones frantically wave their hands, gesturing for their charges to return. You’d think one would exercise extra precaution in a building where everything on view is highly breakable, but some people just don’t want to interrupt that moment when art seduces their kids.

The sculpture, “Angel Is Waiting” by artist and pioneer of China’s studio glass movement Shelly Xue, has been on view — and cordoned off by rope barriers — since 2014. It depicts a pair of angel’s wings constructed of glass fragments. According to Arte Magazine, Xue spent about 27 months making it and dedicated it to her newborn daughter. Rather than fixing the work after the boys’ rough handling of it, she has decided to leave it as is. She has simply retitled it “Broken.”

The museum has reportedly not announced whether the children or women received any form of punishment, but it has installed a screen playing the surveillance footage on loop next to the piece — perhaps as a cautionary tale, or as a way to shame the delinquents and their documentarians, which would align well with Chinese custom. Either way, the moment is gathering more views and shares than if it had only been played at that family’s next reunion!

El Destruccionismo

 

Faking Rothko

 

Varios expertos que han declarado en el juicio sobre la venta de arte falso en la galeria Knoedler de Nueva York han reconocido ante el juez Paul Gardephe que no distinguieron una obra falsa de una original cuando confirmaron la autenticidad de los cuadros. El juicio, que tiene en vela al mundo del arte, ha sido suspendido, provisionalmente, en la cuarta semana de su curso.

Stephen Polcari, de la Universidad de California y autor de Abstract expresionism and the modern experience, fue cuestionado de la forma siguiente: «¿Usted ha dicho que todos los rothkos se parecen?». A lo cual él contestó: «Sí, Rothko es famoso por tener estilo propio en su firma». El interrogatorio continuó: «Respecto a la firma, ¿podría distinguir una verdadera de una falsa?». El académico negó con la cabeza: «No».

Un cuadro de Rothko, vendido en el 2004 a Domenico y Eleanore De Sole por 8.3 milones de dólares (6.6 millones de euros), es la base de una de las demandas contra la galería. El experto en Rothko no es el único que ha tenido que reconocer su error ante el juez, David Anfam, autor del único catálogo razonado de la obra rothkiana, ha sido más sutil en su declaración al constatar que él nunca aseguró que fuesen falsos aunque tampoco confirmó que fuesen auténticos.

Las dudas no sólo afectan a artistas del calibre de Mark Rothko sino que el historiador Jack Flam, especialista en Robert Motherwell, tampoco se percató de la obra falsa en el 2006. Estos casos destaparon la red que falsificaba y vendía obras, supuestamente, de Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Sam Francis, Lee Krasner, Clyfford Still y Barnett Newmanentre otros. Desde 1994, cuando la mexicana Glafira Rosales, en nombre del heredero de un coleccionista anónimo suizo (míster X), vendió el primer cuadro a Knoedler & Company, hasta 2009, unas 60 obras de arte (cuatro por año) fueron adjudicadas a coleccionistas y compradores por un total de 60 millones de euros de facturación, según las cifras que se han citado en el juicio. Los beneficios de la galería fueron de más del 50%, es decir, más de 30 millones de euros.

La galería Knoedler, que llevaba 170 años en funcionamiento con impoluta reputación, cerró abruptamente en 2011. Su directora Ann Freedman dejó el puesto. La mexicana Glafira Rosales tenía de compañero sentimental y compinche al gallego José Carlos Bergantinos Díaz, quien proveía los cuadros del chino Pei Shen Qian, un artista llegado a Nueva York que producía su propio arte aunque vivía de las falsificaciones que le compraba el gallego. La trama se destapó en el 2012 y el español fue detenido en el 2014 en Sevilla. Se ha resistido a la extradición a Estados Unidos de América para el juicio. Glafira, en cambio, se ha declarado culpable.

Pero no todos los expertos en el expresionismo abstracto americano fueron contratados por la Knoedler para autentificar obras. Algunos de los que trabajaron para la veterana firma olieron lo que se cocía entre el chino, el gallego y la mexicana durante 15 años. El historiador John Elderfield, y hasta el hijo de Rothko, Christopher, han declarado que sus nombres fueron utilizados sin su permiso en las transacciones y autentificaciones de piezas atribuidas a Mark Rothko.

El mundo del arte mira con lupa cada testigo y declaración que se produce en el juicio. Nadie da crédito a que el timo artístico y comercial pudiese prolongarse durante 15 años entre nombres de tan buena fama como la galería centenaria, los sabios académicos y los expresionistas abstractos.

Fuente: El Mundo. Más en The Guardian.

Pintura de Mark Rothko que ha resultado ser falsa

Aquí, algunos esbozos gráficos de las sesiones del juicio, aparecidos en Illustrated Courtroom.

La réplica infiel

ENCUENTRO-CONVOCATORIA PARA «LA RÉPLICA INFIEL» DE XAVIER LE ROY Y SCARLET YU
23 Y 25 FEB 19:30 H.

Fuente: CA2M Centro Dos de Mayo

INSCRIPCIÓN 23 DE FEBRERO

INSCRIPCIÓN 25 DE FEBRERO

Esta convocatoria se dirige a todas aquellas personas que se interesan y sienten curiosidad por:

-El espacio expositivo.
-Las normas implícitas de comportamiento en el museo.
-Procesos de aprendizaje y transmisión de lo que uno aprende.
-La transformación de las ideas mientras éstas se actualizan en algo, una acción.
-El paso desconocido/indeterminado entre una idea y la forma dada a una cosa o una acción.
-Guiar y ser guiado.
-Crear, escuchar y contar historias o transmitirlas de unos a otros.
-La manera de ver, observar, escuchar, contar, caminar, cómo la gente se relaciona entre sí en espacios expositivos, haciendo y deshaciendo
grupos.

Esto es para cualquiera y todas aquellas personas a las que les gustaría formar parte de:
Un intercambio inmaterial y su potencial de transformarnos tanto a nosotros/as como a otros/as. Para todos aquellos y aquellas que disfruten y sientan curiosidad por: aprender, transmitir, presentar, pasar algo que se convertirá en una especie de visita guiada por la exposición, ¿o se convertirá en un culto, un rumor, en algo de lo que se habla? ¿Qué se puede transmitir en una exposición? ¿Para qué? ¿Cómo?

Aspectos prácticos:
Si deseas formar parte de esta experiencia te comprometes a asistir al menos tres veces durante tres horas (o más si así lo deseas) los días que quieras durante la exposición (18 de marzo al 25 de septiembre de 2016) La réplica infiel en el CA2M. Aprenderás de alguien que a su vez ha aprendido de otra persona: maneras de mirar, de observar, de caminar, posturas, y cosas que decir y también que escuchar. Durante ese día, después de haber aprendido esas cosas que conformarán una especie de visita guiada, te encargarás de presentarla a otros-a-s visitantes (a algunos los conocerás y a otros no), tras lo cual pasarás este conocimiento a otra persona (a un amigo, a alguien que conozcas o, si lo prefieres, a alguien que todavía no conoces).

Cada participante se compromete a pasar lo que ha aprendido al menos a otra persona durante la exposición. Esto puede ser repetido tantas veces como desees. Puedes venir cuantas veces quieras y pasar tanto tiempo como quieras en «Para la réplica infiel de Scarlet Yu y Xavier Le Roy».

Xavier Le Roy estudió biología molecular en la Universidad de Montpellier, en Francia, y ha trabajado como bailarín y coreógrafo desde 1991.

Scarlet Yu obtuvo un Máster en Coreografía en Hong Kong Academy for Performing Arts y ha trabajado como performer y coreográfo desde el año 2000.

Para más información los días 23 y 25 de febrero a las 19:30 Xavier Le Roy y Scarlet Yu realizarán dos encuentros informativos con las personas interesadas en formar parte de su propuesta para la exposición La réplica infiel.

Si quieres asistir envía un mail con tu preferencia de fecha (23 ó 25 de febrero) a actividades.ca2m@madrid.org

Detenida una artista por desnudarse en el Museo de Orsay ante la ‘Olympia’ de Manet

La artista luxemburguesa Déborah de Robertis ha sido detenida por exhibicionismo sexual después de que este domingo se desnudara en el Museo de Orsay de París delante del cuadro ‘Olympia’ de Édouard Manet. La polémica artista pretendía con esta ‘perfomance’ recrear esa obra en directo.

De Robertis llevaba una cámara consigo para grabar la reacción del público, según ha explicado su abogado al diario francés ‘L’Est Républicain’, que ha destacado que su clienta llevó a cabo simplemente una «performance artística» ante la obra de Manet, un desnudo realista inspirado en la ‘Venus de Urbino’ de Tiziano, que causó escándalo en su época, en 1863. De Robertis se desnudó y se estiró en la misma posición que la mujer del cuadro en un momento en que había bastantes personas contemplando la obra. Nada más detectar el incidente, el museo cerró la sala, pidió a Robertis que se vistiera y, como esta se negó, llamó a la policía, que procedió a su detención.

No es la primera vez que Robertis realiza un acto de este tipo. En mayo del 2014, también en el Museo de Orsay, recreó el cuadro de Gustave Courbet ‘El origen del mundo’. En aquella ocasión, con un vestido corto de lentejuelas doradas y sin ropa interior, De Robertis se sentó ante la famosa obra, abrió las piernas y, con ayuda de sus manos, mostró su sexo a los visitantes durante varios minutos.

La artista colgó entonces un vídeo en internet en el que se veía cómo los trabajadores de ese centro se interpusieron entre ella y el público para obstaculizar la visión y, sin forzarla físicamente a interrumpir el espectáculo, procedieron a desalojar la sala.

Fuente: El Periódico de Catalunya
Entrada relacionada: El origen del mundo

 

Apuñalan a una señora y lo confunden con arte

Fuente: Eldiario.es

Una mujer fue apuñalada durante la feria Art Basel de Miami y, entre tanto arte contemporáneo, los visitantes creyeron que se trataba de una performance. Otras personas, también, pensaron que el cordón policial que rodeaba el área donde se produjo el incidente era parte de alguna instalación artística. Según informa ABC, los hechos sucedieron el pasado viernes y tanto la atacante como la víctima eran visitantes de la exposición, no artistas.

Según El Nuevo Herald, la atacante fue detenida e identificada: se trata de una estudiante universitaria de 24 años afincada en Nueva York. La víctima, de 33 años, declaró que no conocía a su agresora y que no tuvieron ninguna interacción previa al ataque. Fue trasladada de inmediato al Jackson Memorial Hospital de Miami, y se encuentra fuera de peligro.

El apuñalamiento, con una cuchilla X-Acto, se produjo junto a la instalación titulada The Swamp of Sagittarius, de la artista Naomi Fisher, que también se encontraba en el lugar de los hechos y que se mostró muy impactada. La portavoz de Art Basel, Sara Fitzmaurice, publicó un comunicado en el que informaba de que “El ataque fue un incidente aislado que fue puesto de inmediato bajo control. La sospechosa fue arrestada por la policía, que estuvo en cuestión de segundos en la escena de los hechos… La víctima está en nuestros pensamientos”. La feria se ha desarrollado entre estrictas medidas de seguridad, tras los atentados de París y la masacre en San Bernardino, California.

El «Santísimo Coño Insumiso»

«Imputadas las tres feministas que sacaron en procesión el ‘Santísimo Coño Insumiso’». Fuente: AndalucesDiario

Procesión del ‘Coño Insumiso’ en Sevilla.// LAURA LEÓN

A raíz de una denuncia de la Asociación de Abogados Cristianos y tras haber ordenado en septiembre pasado a la Policía su identificación formal, la juez de Instrucción número 10 de Sevilla cita a declarar como imputadas por un supuesto delito contra los sentimientos religiosos a las tres mujeres que sacaron en procesión una vagina gigante de plástico durante una protesta laboral en Sevilla.

Tres meses atrás la juez libraba oficio a la Policía para que identificara a las mujeres que portaban en andas “una vagina de plástico de un par de metros de altura a modo de Virgen” en la manifestación del 1 de mayo de 2014 convocada por la Confederación General del Trabajo (CGT), hechos por los que también están imputados dos dirigentes del sindicato por un delito contra los sentimientos religiosos.

Fuentes del caso dijeron entonces que la instructora había tomado esta decisión después de que el secretario general de la CGT en Sevilla, Miguel Sevillano, señalara en su declaración como imputado que, en el marco de la manifestación celebrada el 1 de mayo por el Día del Trabajo, otros grupos se unieron a la misma, entre ellos Aquelarre Feminista Sevillano, con el que la CGT “no tiene nada que ver”.

NO HABÍA SIMBOLOS RELIGIOSOS

Al hilo de ello, Miguel Sevillano puso de manifiesto que, cuando este grupo feminista se unió a la manifestación, “lo que llevaban no simulaba un paso de Semana Santa ni ningún símbolo religioso”, no obstante lo cual quiso dejar claro que él “no tuvo nada que ver en su creación”.

La juez pidió a la Policía que identificara a las mujeres en base al vídeo que consta a tal efecto, en el cual algunas de ellas portan mantilla y llevan el rostro descubierto, mientras otras sí tienen la cara cubierta por capirotes de nazareno.

En esta causa permanecen imputados tanto el secretario general de la CGT en Sevilla como el secretario de Organización de la CGT en Andalucía, Félix Cervera, contra quienes la Asociación de Abogados Cristianos se querelló por un delito contra los sentimientos religiosos en concurso con un delito de provocación a la discriminación, al odio y a la violencia por motivos referentes a la religión o creencias.

TONO DE BURLA

En la querella, consultada por Europa Press, dicha asociación relataba que los hechos ocurrieron el día 10 de abril de 2014, cuando miembros del sindicato “convocaron, organizaron y realizaron” una manifestación titulada ‘Procesión del santísimo coño insumiso’ y del ‘santo entierro de los derechos socio-laborales’, que partió de la sede de la CGT en Sevilla.

Ya el 1 de mayo de 2014, se convocó nuevamente por la CGT una manifestación “semejante a la anterior”, indica la asociación, que añade que, en dichas manifestaciones, “se recreaban procesiones de Semana Santa, escenificadas en tono de burla”, todo ello “a ritmo de tamborada y presidida por el ‘paso’ de una vagina de plástico de un par de metros de altura a modo de Virgen, portada en andas”.

LA DEFENSA, ‘ASOMBRADA’

Luis de los Santos, abogado de los imputados perteneciente a la cooperativa Jarsia, ya expresó a Europa Press su “asombro” por “la utilización banal y basada en intereses políticos predemocráticos del derecho penal” por parte de la Asociación de Abogados Cristianos, y anunció que solicitará el archivo de las actuaciones, ya que, en base a las declaraciones, considera probado “que no hay delito alguno, al ser una manifestación alejada de cualquier cariz religioso”.

El letrado lamentó que “se intente engañar” a la opinión pública y a la ciudadanía en una ciudad “en la que la religiosidad popular está tan arraigada”, aseverando que este asunto “no tiene nada que ver con la religión”, de manera que “se intenta a través del Código penal criminalizar la libertad sindical y la de expresión”.

Siete motivos para censurar el arte en España

«Siete motivos para censurar el arte en España», por Peio H. Riaño. Fuente: El Español

La libertad de expresión del artista sale mal parada cuando la sociedad se ofende con sus acciones más provocadoras.

El Fiat Uno franquista de los artistas Núria Güell
y Levi Orta, prohibido en Figueres.

La plaza grita y se revuelve. La indignación ha arrastrado a la masa a concentrarse para acabar con el monstruo. No hay antorchas y como no es un cuento tampoco un castillo en las profundidades de la montaña. El nuevo Frankenstein se llama Abel Azcona, tiene 27 años y se ha enfrentado en Pamplona a la fe de los católicos. Ha utilizado 242 formas sagradas para denunciar los casos de pederastia en la Iglesia. La zarabanda ha llegado a las puertas de la sala de exposiciones Serapio Esparza, ha arrancado los carteles que anunciaban la muestra Desterrados -primera retrospectiva del artista en su ciudad- y atacado la obra, tal y como declara Azcona.

ACCIÓN DE ABEL AZCONA.

1. PROHIBIDO UTILIZAR HOSTIAS

Delegación del Gobierno en Navarra ha enviado a la Fiscalía un informe sobre la exposición en la que puede verse la instalación para que investigue si “incurre en un delito contra los sentimientos religiosos, contraviniendo lo recogido en el artículo 525 del Código Penal”.

Change.org también está que arde: la petición de censura de la exposición supera ya los 100.000 adscritos, hay otra que apoya al artista que suma menos de 300 personas. La Asociación de Abogados Católicos ha puesto una querella criminal porque supone un delito de ofensa a los sentimientos religiosos y un delito de profanación. La Policía Municipal contó 900 personas rezando en la sala por el alma del chico. Al alcalde Joseba Asiron (Bildu) tampoco le gusta la acción y desea hablar con el autor para que sea él quien retire la obra. Así que las hostias “desaparecieron” un día y ambas partes acordaron no reponerlas. Es la diferencia entre rectificar y censurar.

El director del MACBA quiso retirar esta obra, pero rectificó y dimitió.

2. PROHIBIDO SODOMIZAR AL REY

El arte molesta e incomoda, hace reaccionar a la sociedad con un reflejo que le sirven los artistas más provocadores. El arte se salta las líneas editoriales y pone en entredicho todo, incluso las instituciones que les dan cobijo. Hace unos meses el director del MACBA Bartomeu Marí censuró la escultura de Ines Doujak, Haute Couture 04 Transport, en la que un perro pastor alemán sodomiza a la líder laborista bolivariana Dolomita Barrios, que a su vez penetra al rey Juan Carlos, mientras éste vomita aciano sobre una cama de cascos de oficiales de la SS. El intento de cancelación de la exposición en la que se incluía la pieza acabó con la carrera de los dos comisarios y del propio director, en el año que la institución cumple 20 años.

CIU no dejó salir del garaje al coche franquista.

3. PROHIBIDO PASEAR A FRANCO EN UN FIAT

El Ayuntamiento de Figueres (CIU) prohibió circular por la ciudad al coche tuneado con fotos del dictador y simbología franquista que los artistas Núria Güell y Levi Orta prepararon para el festival de cultura contemporánea Ingrávids. La Transición no pasó la ITV. El poder de las imágenes -un coche destartalado con pegatinas franquistas- es tan grande, que el arte no es capaz… de ser visto como arte. El artista siempre ha sido valorado como bohemio, precario, creativo, pero cuando se presenta como factor irritante con licencia para expresarse sin límites el choque está garantizado.

“El arte de acción tiene tantos objetivos como artistas hay. No hay una misión concreta”, explican los artistas desde Beirut a este periódico. “Los límites del proceso creativo del artista ningún límite es válido”, aseguran sobre los márgenes de su actividad. “La creación y límites no van de la mano, porque la creación es pura libertad. Otra cosa es la estructura institucional artística, porque responden a otros intereses que imponen límites al artista”.

Con el Fiat de tercera mano querían hacer reflexionar sobre la presencia de actitudes franquistas y fascistas en la sociedad española y europea: “El coche debía salir cada dos horas por las ramblas de Figueras, como si fuera un fantasma. Que es lo que pasó con Franco, que murió pero no los resortes de su ideología”.

La nevera de Merino en la edición de Arco 2012. Efe

4. PROHIBIDO METER A FRANCO EN UNA NEVERA

“El límite es la Ley, pero viendo qué tipo de leyes aprueba este Gobierno para el control y la sumisión, creo que el límite se está difuminando. Además, están todos los intermediarios entre la obra de arte y la política que acallan muchas de esas críticas”, explica Eugenio Merino a este periódico. El artista tuvo que defenderse en los tribunales de las demandas que la Fundación Francisco Franco por su pieza Always Franco, mostrada en ARCO 2012. Las dos fueron desestimadas, los jueces priorizaron el derecho a la libertad de expresión.

El representante de la Fundación evidenció otra forma de censura: “Hemos conseguido que Eugenio Merino no vaya a ferias de arte”. Consideraron que el artista “no puede injuriar a personas que han sido de notable relevancia en la nación y en Europa”. Para Merino, el objetivo del arte es, precisamente, “poner en evidencia las incoherencias de nuestra sociedad y rebelarse contra el poder”.

Laura Corcuera y Mónica Cofiño fueron censuradas por esta imagen.

5. PROHIBIDO DEFECAR EN LA CONSTITUCIÓN

El Museo Nacional de Ciencias Naturales suspendió la intervención de Laura Corcuera y Mónica Cofiño horas antes de su celebración en el aula de Biología, porque a la directora de la institución no le gustó que lasperformers se fotografiaran y compartieran por redes sociales imágenes de ellas defecando en el monumento a la Constitución de 1978. Ambas estaban incluidas en el programa de actividades que acompañaba a la exposición dedicada a la mierda. Las artistas aseguraron que se trataba de una acción muy positiva porque utilizaban el monumento como retrete y la mierda como abono para algo nuevo.

“Hay ciertas imágenes que se hacen intolerables”, cuenta a este periódico el experto Jorge Luis Marzo, autor del libro Arte en España (1939-2015), ideas, prácticas, políticas (Cátedra). “El arte otorga la posibilidad de crear unas imágenes que de otra manera no serían posibles”. El arte tiene la facultad de crear conflicto y de traspasar unas fronteras que nadie más posee. “Hay un rechazo frontal al hecho de que haya una disciplina que sea capaz de cruzar fronteras cuyos efectos no se tolerarían en otro ámbito”, añade el crítico y comisario.

Exposicion censurada Ausín Sainz, en Salamanca.

6. PROHIBIDO DEFECAR EN LA CABEZA DE RAJOY

Dos policías vestidos de paisano entran en la sala y piden el DNI al artista. Le entregan una carta en la que le comunican que la inauguración de la exposición que está montando en el centro Julián Sánchez El Charro ha sido cancelada. Sacaron las pinturas de Ausín Sainz por la puerta de atrás con el pretexto de “no aptas para la familia”. Retrató a unos cuantos políticos con excrementos humanos en la cabeza, entre ellos el presidente del Gobierno. “Somos un país censor porque no hemos tenido una cultura burguesa, con todo lo bueno y malo que tiene eso. Por otro lado hemos salido de un régimen dictatorial. ARCO también forma parte de este guion: es un invento para convertir el arte en publicidad”, cuenta Jorge Luis Marzo.

Los fósforos que incendiaron el Museo Reina Sofía.

7. PROHIBIDO INVITAR A QUEMAR IGLESIAS

Lo habitual es que el código artístico neutralice la transgresión. Es decir, la mayoría de los que pasan el algodón a los límites de la libertad de expresión del país suelen actuar fuera de los museos. Marzo cuenta que el sistema del arte español ignora a los transgresores. En los museos la obra política queda desactivada, convertida en decoración. A pesar de ello, Azcona ha buscado la acción en el museo. No es el único, claro, las cajas de cerillas del colectivo Mujeres Públicas incendiaron el Museo Reina Sofía, porque incluían una leyenda polémica: “La única Iglesia que ilumina es la que arde”.

La Asociación de Abogados Cristianos presentó una querella contra Manuel Borja-Villel, director del museo, como responsable de los contenidos expuestos. Le acusaron de permitir la exposición de “mensajes que incitan a la quema de iglesias, obras que hacen escarnio de las oraciones cristianas y frases que injurian al papa Francisco y a los santos de la Iglesia pueden ser conductas delictivas tipificadas en el Código Penal”. Todo quedó en intento de censura. ¿Por qué ofende el arte? Para Marzo, “la gente se siente amenazada por ciertas imágenes, porque no las consideran bajo la óptica artística, sino desde la real”. El arte no es la vida, aunque a veces se confunda.

El caso del pintor Santos Iñurrieta

El 11 de diciembre de 1992, el pintor vitoriano Santos Iñurrieta era detenido por la Policía Municipal cuando arremetió contra un grupo de esculturas del artista Agustín Ibarrola, instalado en la Plaza de la Virgen Blanca de Vitoria, justo cuando pasaba al lado el concejal de cultura de la capital vasca, Andrés Sánchez. Al ser arrestado, Iñurrieta declaró: «Quería que me detuvieran y de una vez denunciar la actuación de un departamento de cultura que se gasta unos siete millones de pesetas en la exposición de Ibarrola y no tiene dinero para promocionar de verdad la actividad artística de los jóvenes».

Un juez consideró que la acción generaba «alarma social» por lo que ordenó el ingreso en prisión preventiva del artista en la prisión de Nanclares de la Oca. El juez creyó que los hechos podían ser considerados un «delito de daños». El auto de prisión dictado por el juez consideró como agravante su condición de pintor: «Si una persona de relevante condición social, que debe ser arquetipo para los demás, realiza actos de esa índole, el ejemplo que se da a la ciudadanía debe calificarse como deplorable». El director de Cultura del Ayuntamiento de Vitoria, Enrique Ruiz de Gordoa, cifró en 46.750 pesetas el dinero que costaría reparar el conjunto escultórico de Ibarrola.

Algunos artistas de Vitoria, entre ellos Juan Mieg, Fernando Illana y Javier Girbau, protestaron por el encarcelamiento de Iñurrieta ordenado por el juez. Consideraron abusivo que se pudiera adoptar semejante medida como respuesta a su acto de denuncia. Illana advirtió que él «podría ser el próximo en derribar la escultura de Ibarrola si Iñurrieta sigue en la cárcel».

Al cabo de 48 horas, el juez excarceló al pintor bajo fianza de 100.000 pesetas. El juez criticó en su auto la actuación del artista, y descalificó el intento del autor de calificar el derribo de la obra de Ibarrola, compuesta de traviesas, como otra obra de arte. «Pretender explicar la acción del imputado calificándola de obra de arte a su vez», citó el juez, «implica desconocer que la obra artística es un acto de amor y de paz y nunca puede ser motivo de enfrentamiento o violencia». El juez José Miguel Martínez añadió que su actuación enviando a la cárcel al artista no había tenido como objetivo fundamental la de defender los intereses de Agustin Ibarrola, sino que se había guiado por la necesidad de proteger la líbertad de expresión artística y el derecho de los ciudadanos a la pacífica contemplación y crítica de una obra que forma parte de la cultura contemporánea.

Por su parte, el artista Jorge Oteiza defendió en un artículo la acción de Santos Iñurrieta. A los pocos días, un autodenominado Aralar Komando Kultura destrozó a martillazos una estela funeraria de Oteiza dedicada al padre Donostia en el monte Agiña (Navarra). Oteiza condenó la agresión a su escultura y acusó a un antiguo alumno suyo, Koldo Azpiazu, como autor material de la misma. Oteiza se mostró partidario de «la violencia contra los violentos» -dijo que su primera reacción al conocer el destrozo de su estela fue tratar al autor del desaguisado como a su piedra: «Destruirle la cara»-, y aseguró que «agredir una obra de arte es una acción destructiva que no lleva a ninguna parte».

Algunos medios destacaron que tras el acto vandálico de Iñurrieta, y de otros similares en aquellos mismos días que constituyeron una auténtica guerra de imágenes, se escondían pugnas sobre el carácter de la política cultural en Euskadi.

Gracias a Natxo Rodríguez, Javier Sanmartín y Dani Castillejo por el pase.

El pintor Santos Iñurrieta

Una limpiadora tira a la basura una instalación

Fuente: El Mundo

La obra de arte se titulaba ‘¿Dónde vamos a bailar esta noche?’. MUSEO BOLZANO DE MILÁN 

Una empleada de la limpieza del Museo Bolzano de Milán limpió por error una obra de arte creada por un dúo de artistas de vanguardia: Sara Goldschmied y Eleonora Chiari, según ha informado la BBC.

La obra denominada «¿Dónde vamos a bailar esta noche?» consistía en una serie de botellas de champán, confettis y desperdicios de una fiesta finalizada, por lo que la limpiadora los confundió con restos reales de la noche anterior. Ni corta ni perezosa metió los residuos de cristal, plástico y papel en bolsas y los arrojó a la basura.

La instalación de las creadoras pretendía representar el hedonismo y la corrupción política de los años 80. El museo se disculpó por el fallo y alegó que había tenido mala suerte con la señora de la limpieza. «Ha habido ilustres precedentes como con la bañera de Joseph Beuys o la puerta de Duchamp. La obra será reinstaurada tan pronto como sea posible», bromeó el museo en su muro de Facebook.

La instalación quedó limpia como la patena.

Al parecer, el malentendido se produjo porque la trabajadora era nueva y le mandaron limpiar la sala donde se hizo la presentación de un libro. Pero se equivocó de lugar y pensó que tenía que limpiar «el desastre» de la sala. Entonces, organizó toda la basura en bolsas para reciclar, lo que permitió al museo recuperar gran parte de lo «limpiado».

El incidente reabre el debate sobre el arte moderno. Vittorio Sgarbi, uno de los principales críticos de arte de Italia, aseguró que la limpiadora tenía razón al tirar la instalación a la basura. «Si ella pensaba que era basura, significa que lo era. El arte debe ser entendido por cualquiera, incluidos los trabajadores de la limpieza. El hecho de que el museo pueda simplemente recolectar las piezas de la basura y ponerlas de nuevo juntas significa que no era arte de categoría», declaró Sgarbgi a la NBC.

Un accidente similar se produjo en Bari, al sur de Italia, en el año 2014 cuando un trabajador también tiró a la basura una obra de la Sala Murat.

Descubiertos cuadros del s. XVIII con garabatos en un museo francés

Fuente: 20 minutos

Varias pinturas de maestros franceses del siglo XVIII han aparecido esta semana deterioradas, con garabatos e incluso con perforaciones, en el museo Fragonard de Grasse, en el sureste de Francia. Se trata de un cuadro del propio Jean-Honoré Fragonard, que da nombre al museo, de tres del retratista François Gérard y de otro de François Vincent, cuyos daños fueron señalados por un visitante, explicó este sábado Le Parisien. El problema para la investigación policial es que el museo no dispone de sistema de vigilancia con cámaras Se encontraron varios agujeros y diversos garabatos hechos con bolígrafo, como un bigote dibujado a uno de los personajes de las telas vandalizadas. Los hechos se descubrieron el lunes pasado y se han producido unas cinco semanas después de que se hubieran constatado el 25 de septiembre actos similares sobre otras cuatro pinturas del museo, en ese caso reproducciones del siglo XIX, que entonces no se habían denunciado. Ahora, los responsables han alertado a la policía y evalúan el perjuicio, que podría ser de varios cientos de miles de euros. El problema para la investigación abierta por la policía científica que se encarga del caso es que el museo Fragonard no dispone de sistema de vigilancia con cámaras. Según los primeros elementos de las pesquisas, estos últimos deterioros se debieron de producir entre el 8 y el 19 de octubre. Una fuente citada por Le Parisien dijo no descartar ninguna pista y barajó una posible venganza, el acto de un desequilibrado o incluso una chiquillada.

Contemplatio Project: Picasso’s inspiring copyrights

Un nuevo proyecto de Carlos Collado. Fuente: Contemplatio Project. Hace 3 años, ya presentamos otro de sus trabajos acerca de las formas de consumo de imágenes en los museos.

How do we look at things nowadays? What’s our relationship with knowledge? How do we experience the museums?

El museo Picasso de Barcelona fue uno de los primeros museos que tuve la oportunidad de fotografiar con la complicidad de la institución. En aquel entonces (2011) Pepe Serra era el director del museo. Por casualidad varios años antes (2003) Gao Lletres me encargó un proyecto llamado “La Pedrera vista por… un biólogo”. Pepe Serra era entonces quien dirigía las actividades culturales de la Casa Milà a través de la Fundació Territori i Paisatge de Caixa Catalunya. Gracias a que recordaba mi trabajo y a su entusiasmo natural me abrió las puertas del museo, y pude hacer fotos periódicamente durante un par de meses. Al poco tiempo, Serra era nombrado director del Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC) y le sucedía el actual director. A éste no le interesó tanto mi propuesta de documentar a quienes miran obras de arte y la serie fotográfica quedó parada. De hecho, las imágenes no se han mostrado públicamente debido que las pinturas del genio malagueño estan protegidas por derechos de autor. Pues bien, como en mis fotografías lo importante es la persona que mira y no tanto la obra, me ha parecido oportuno intervenir las fotografías con el objetivo de abordar el concepto de derechos de autor o copyright.

Aquí os presento dos series distintas, ambas son el resultado de la imposibilidad de mostrar las pinturas de Picasso. La primera la llamo Espejos, y se refiere a la relación autoreferencial que tenemos como observadores con una obra que se ha creado para hablar de quienes observan (mirar también este otro post Instalación fotográfica Contemplatio).

La segunda se llama Sólo nos quedan píxeles. Esta serie refleja cómo las limitaciones de los derechos de autor en el mundo del arte pueden conducir a nuevas formas de expresión visual.

Mirrors (Picasso museum Barcelona, 2011)

Only some pixels left (Picasso museum Barcelona, 2011)

Manifestación contra Renoir

Fuente: The Boston Globe. Gracias a Pau Figueres por el pase. Aquí, en castellano.

It’s nothing personal, says Ben Ewen-Campen, he just doesn’t think French impressionist Pierre-Auguste Renoir is much of a painter. Monday, the Harvard postdoc joined some like-minded aesthetes for a playful protest outside the Museum of Fine Arts. The rally, which mostly bewildered passersby, was organized by Max Geller, creator of the Instagram account Renoir Sucks at Painting, who wants the MFA to take its Renoirs off the walls and replace them with something better. Holding homemade signs reading “God Hates Renoir” and “Treacle Harms Society,” the protesters ate cheese pizza purchased by Geller, and chanted: “Put some fingers on those hands! Give us work by Paul Gauguin !” and “Other art is worth your while! Renoir paints a steaming pile!” Craig Ronan, an artist from Somerville, learned about the protest on Instagram and decided to join. “I don’t have any relationship with these people aside from wanting artistic justice,” he said. The museum hasn’t commented on the fledgling movement, but a few folks walking by Monday seemed amused. “I love their sense of irony,” said Liz Byrd, a grandmother from Phoenix who spent the morning in the museum with her daughter and grandchild. “I love Renoir, but I think this is great.”