Luis Bisbe: deconstruyendo la exposición

El artista Luis Bisbe siempre ha tenido en su punto de mira la deconstrucción de los mecanismos implícitos en los cubos blancos de las salas de exposición. Allá por 2003, en su obra Pim, pam, pum (Espai 13 de la Fundació Miró de Barcelona) ya dio buenas pruebas de ello. Ahí va un vídeo:

Estos días expone en la Sala EtHall de Barcelona. Entre las varias propuestas que exhibe, ha planteado la colocación de algunas de sus piezas (y las de otros) poniendo en cuestión uno de los principios fundamentales de colgar las cosas: que estén rectas, niveladas. Para ello, simplemente ha torcido la caída de todas las obras. Un ejercicio que Ernst Gombrich ya recomendó irónicamente cuando trató el tema de la función de las imágenes.

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Puñetazo a un Monet

Andrew Shannon, de 49 años, que arruinó la obra Argenteuil Basin de Claude Monet (Galería Nacional de Irlanda) al propinarle un puñetazo en 2012, ha entrado en prisión tras una condena de cinco años. La obra está valorada en $10 millones. El Sr. Shannon dijo a la policía después de su detención que cometió el acto en un intento de “volver al estado” (“get back at the state”). Sin embargo, en el tribunal adujo que se trató de un accidente, alegando que “sentía débil” y que cayó sobre la pintura. La policía encontró en casa del Sr. Shannon cerca de 50 objetos robados, entre ellos obras de arte valiosas, libros y antigüedades. Gracias a Rubgomer por el pase. Fuente: Metro.co.uk

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Galería táctil: Un nuevo paseo – Esculpir el cuerpo – Museo del Louvre, París

La galería táctil del museo propone presentaciones temáticas de copias de obras del museo para que sean tocadas por los invidentes, los débiles visuales, los niños o los visitantes que deseen pasar por la experiencia de la percepción táctil.

La galerie tactile du musée propose des présentations thématiques de moulages d’oeuvres du musée destinés à être touchés par les non-voyants, les malvoyants, les enfants ou les visiteurs qui souhaitent faire l’expérience de la perception tactile.

http://www.louvre.fr/galerie-tactileun-nouveau-parcours-sculpter-le-corps

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“Antes mataba gente, hoy vigilo museos”.

La historia de los museos, y en general de la cultura, como instrumento político de desactivación de conflictos y de hacedor de  consensos en España es larga. A principios de los años 1980, el Ministerio de Cultura absorbió 9.511 funcionarios públicos, de los que 2.175 llegaron del Movimiento y 279 de las organizaciones sindicales de Franco. Se compró un espectro ideológico potencialmente desestabilizador para insertarlo en un espacio supuestamente desideologizado como el de la gestión cultural pública. Lo más revelador es que, en 1982, el PSOE ofreció a intelectuales y militantes comunistas entrar en cargos del Ministerio de Cultura como contrapartida al hecho de que el PCE quedara fuera del gobierno. El Ministerio cultural se convertía pues en la terapia institucional para endulzar agravios y desactivar residuos, y de paso, en un ejercicio metafórico de encuentro “nacional”, que no podrá ocultar choques habituales entre funcionarios de signo político distinto. Ese mismo proceso de convertir la gestión cultural en entornos de reconciliación profesional puede percibirse en un entorno bien distinto al ministerial, cuando, tras la renuncia a las armas de ETA (Político-Militar) en 1982, buena parte de sus exmiembros fueron acogidos en los departamentos de cultura municipales, forales y autonómicos vascos. El resultado es conocido por todos: una cultura institucionalizada y tuteada en la que los disensos han acabado desapareciendo.

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También en otro lugares estas herramientas son ampliamente utilizadas. En Palermo, dentro de un programa de reinserción de exsicarios de la Mafia, éstos han sido puestos a custodiar la obra Virgen de la Anunciación de Antonello da Messina (1430-1470), en la Galería Regional de Sicilia. Una media docena de ex presidiarios de la Cosa Nostra comparten las tareas de vigilancia del museo, situado en el imponente palacio Abatellis, con policías y vigilantes privados. Dice uno de ellos: “Antes mataba gente, hoy vigilo museos”.

Messina

Funeral

Funeral. Un trabajo de Oriol Font rodado durante el montaje de la colección Herbert en el MACBA en 2006. Gracias a Joana Masó por el pase.

Guarding Jeff Koons

A Photo Essay by Hrag Vartanian in Hyperallergic.
Thanks to Dominique Hurt .

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“Nevertheless, some museum visitors might see guards, so often silent and stone-faced, as more machine than human. That is a misconception. Many guards … speak with obvious passion about the exhibitions, as well as the visitors, for which they feel responsible.

“Museum guards find the lost, shepherd the confused and save runaway toddlers from impending collisions with immovable sculptures. The job demands long hours, constant vigilance and a reservoir of patience to put up with illicit picture takers, soda smugglers and pontificating amateur art critics, among other annoyances. Consider these guards the army grunts of the art world.”

—David Wallis, “Varied Duties, and Many Facets, in a Guard’s Life,” New York Times, March 20, 2013

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‘One of the things is that people always forget about museums, and forget about guards, is that when the docents go, the curators go, we’re the only ones left,’ says Booker, 72, one of several museum guards at L.A.’s major museums who talked about their unusual line of work for a Sunday Arts & Books story.

“‘And patrons are very demanding — they don’t care if you are a curator, they want to know, and you are supposed to know because you are standing in front of this stuff,’ Booker continues. ‘And to know a lot, more than just where’s the toilet and where’s the Picasso. They want to know about every kind of art there is.’”

—Diane Haithman, “Museum security guards: Lots of art and a little eavesdropping,” Los Angeles Times, July 15, 2011

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“Aside from the fact that the Russian museum guards appear to be a homogenous corps of women of a certain age and museum security staff in the U.S. is more diverse, the two significant differences between guarding art in Russia and guarding art in this country is the uniform and the chair.”

—Robin Wander, “Lens turned on museum guards in new exhibit at Stanford’s Cantor Arts Center,” Stanford News, July 25, 2012

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“I set out to get the opinions of these master observers on the pieces they guard day in and day out. Unfortunately, getting them to open up turned out to be more difficult than I had originally thought. I went to the Whitney Biennial’s press preview thinking I could waltz up to anyone with a badge, ask them whatever I wanted, and be met with a happy reply. Instead, my questions were answered with questions like, ‘Who are you?’ and, ‘Why are you asking me this?’ Later, I emailed the museum’s senior publicist and was told that ‘it is Whitney policy to have only curators comment on the art…’ Bourgeois elitism! Someone take the cork out of these untapped geysers of art criticism and let them gush!”

—Xavier Aaronson, “No Fluff in Their Stuff: Museum Guards Review the Whitney Biennial,” Vice, April 5, 2012

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“When I worked at the Walker, we had a series of tiny (about two or three inches high, for easy concealment) books called Bored Beyond Belief. They passed hands from guard to guard, and everyone added things – stories, writing, art, and comics.

“Most of the guards were artists of some kind, so they were usually well drawn and always entertaining, especially when faced with the kind of sensory deprivation one is sometimes subjected to in that situation. (My first month there was rotating through six empty galleries and a Donald Judd exhibit.)

“I believe that most of them are in the possession of the series originator.”

—@xicana63 on “A Day in the Life of a Security Guard,” Metafilter, November 14, 2013

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“Is it about, that the guards matter? Or is it about the matter of the guards … And we thought it’s basically about both those things.”

—Margot Adler, “Museum Guards ‘Sw!pe’ The Spotlight,” NPR, March 20, 2010

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‘Part of the advantage of hiring artists and art students is that they’re more enthusiastic about the artwork,’ said Joel Woodard, head of security.”

—Kathleen Luppi, “Art Museum’s guards aren’t just security experts — they’re also artists,” Laguna Beach Coastline Pilot, July 31, 2014

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“The game consists of two-minute matches in which two players take on two roles: the photographer and the guard. The photographer’s task is to take a photo of each museum exhibit by moving next to it, while the guard has to take the photographer into custody before he succeeds.”

—András Neltz, “Tourists Face Off Against Museum Guards in a Great-Looking Party Game,” Kotauku, December 31, 2013

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“‘[Performance artist] Marina Abramovic attracted a lot of people from all over the country. Two days before the exhibition ended, a lady waited all day and couldn’t get her time. She said she was going to sleep outside the museum all night so she’d be first in line for the final day. The next morning, she was the first person queued up. As she approached Marina, she started taking off her clothes. The security officers surrounded her and covered her up. She said, ‘This is what Marina likes! I’m performing too.’ We managed to get her to put her clothes back on, but she started crying when we had to ask her to leave.’—Tunji Adeniji, director of facilities and safety, MoMA”

—Sarah Bruning, “Museum stories of the worst museumgoers security guards have seen,” Time Out New York, June 25, 2014

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“For the grand finale of the museum of museum guards, perhaps even for the encore, it would have to be a guard from the third floor of the National Gallery. Between attempts to bring the Italian Renaissance and German Romanticism closer together, it resounds, so that the marble in the columns starts to shake and the faces of boys and girls on the paintings flush. The museum, in which the exhibits protect themselves alone, will end with a room with a display of the fart of a guard, an act inspired by classical art, a gesture of pure, organic creative expression, without restraint and without apology.”

—Aleš Šteger, “The Museum of Museum Guards” (translation by Brian Henry), Blackbird Archive

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Jeff Koons: A Retrospective continues at the Whitney Museum (945 Madison Avenue, Upper East Side, Manhattan) until October 19.

Para qué sirve un museo

La reciente visita de Beyoncé al Museo del Louvre

La reciente visita de Beyonce al Museo del Louvre

Sábado 10 de la mañana en el DF, México; desde las puertas del Museo Tamayo sale una cola de público de al menos 100 metros de largo y aproximadamente de cinco metros de ancho, que llega hasta la avenida de Reforma: cientos de personas se agrupan y esperan para… Una voz dice por megafonía que “ les recuerdo que esta cola no es nada más que para recoger la cita de acceso a la exposición de Yayoi Kusama, las visitas de hoy sábado y mañana domingo ya están cerradas, y les recuerdo a todos que no se puede elegir hora de visita”. Bien, a los pocos días leo en el periódico que las “más importantes pinacotecas del mundo, las más visitadas, buscan fórmulas para gestionar el acceso de turistas en sus salas”. Así me entero de que la Capilla Sixtina es visitada al día por 22.000 personas; ya no se habla de personas sino de turistas.
Sin duda la Mona Lisa ya está aburrida de ver pasar delante de ella a miles de desconocidos a diario. Los museos tienen overdose de visitas. Claro que sólo unos pocos en el mundo. La exposición de Dalí en el Reina Sofía tuvo 732.000 visitas, 6.615 al día (EL PAIS), museo que por otro lado sólo es el duodécimo del ranking de los más visitados. Por delante están el Museo Británico, la National Gallery de Londres, los Museos Vaticanos, el National Palace Museum de Taipei, la National Gallery of Art de Washington, el Pompidou y el D’Orsay en París Desde 6,7 millones el primero a 3,5 el último. La lista de los menos visitados nunca se hace pública. Miles de museos en todo el mundo están vacíos prácticamente todos los días. No porque su contenido no sea importante, no sea especial, bello, interesante; todos y cada uno de los museos del mundo lo son (exceptuando los de cera y de los deportes, el de la Coca Cola, y alguna otra estupidez, no por absurda menos visitada). Yo he visitado hasta el de Carmen Miranda en Rio de Janeiro en Brasil (precioso), los arqueológicos de toda España, los de Historia, vestimenta, bellas artes (ese genérico en el que entra todo) y, por supuesto, de arte contemporáneo. El problema es, parece ser, la gran afluencia de público a unos pocos, y la pregunta es por qué no potencian a los que no va nadie o casi nadie, esos museos desconocidos, sin personal ni directores famosos, ni campañas de publicidad, ni gabinetes de prensa, ni exposiciones temporales. El problema es cómo controlar a los turistas que como locos acuden a ver lo que sea, es más yo añadiría a esos miles de jóvenes que, también enloquecidos, acuden con sus celulares a hacerse fotos delante de todo lo que se está quieto en un acto semivandálico. Un director de museo español afirma que a él no le gustan las prohibiciones; después de recuperarme del ataque de risa, le digo con todo mi afecto: a mí si, y se me ocurren unas cuantas prohibiciones que harían mucho bien en general al arte. Primero: prohibir los celulares y las fotografías, más aún los selfies que los penaría con trabajos sociales.
Cada vez que en un museo (incluso en una feria) veo a la gente que pasea sin mirar nada, leyendo la guía, haciendo fotos, hablando y riendo entre ellos, tocando las obras, comiéndose un bocadillo, me gustaría convertirme en un Jesucristo postmoderno y expulsarles del templo de la cultura. ¡Fuera de aquí, bárbaros, salvajes, ignorantes¡ La pregunta realmente es ¿para qué sirve un museo? Esos millones de personas en todo el mundo, casi todos ellos etiquetados con el despectivo nombre de “turista” (muchas veces son los mismos en todos los museos) , ¿van al museo a ver arte o a cumplir con las guías turísticas? ¿Las cientos de personas que hacen cola para entrar a ver la exposición de Yayoi Kusama, saben quién es, saben siquiera que es una mujer, tienen idea de que es lo que hace, lo que piensa, saben algo de algo… o sólo van a hacerse selfies? Sinceramente, lo siento, lo dudo profundamente. Con la pésima o nula educación cultural que se imparte en todo el mundo, con la absoluta ignorancia que del arte actual tienen los medios de comunicación, los libros de texto básicos, con la escasa venta de libros especializados y su nula lectura…. Esos millones de turistas en todo el mundo, sometidos a una encuesta imposible dirían que un museo sirve para comprar recuerdos, souvenirs, un paraguas si llueve; para comer, merendar, tomar té o café y pastel, comprar un regalo para llevar a casa, para mamá o para los amigos, sentarse un rato a descansar de tanto pasear por las ciudades, y es que el turismo es muy duro. Lo de ver arte, así de entrada, no se lo había planteado más de un 7% de los visitantes. Antes entrábamos en las iglesias o catedrales a sentarnos sin tener que consumir, los turistas de mi época éramos más discretos (tal vez por no existir aún el selfie). Y esto es, amigos, para lo que sirven los museos hoy. Así que yo casi que prefiero, otra vez, las iglesias y los cines, que están igual de vacíos… aunque a los cines también va mucha gente que no ve la película: come, se besa, se duerme, se meten mano… pero por lo menos no pueden hacerse selfies, todavía.

Fuente: Exit Express

Para más información , ver las siguientes entradas:
Beyoncé y familia visitan El Louvre
Los museos en la era del “selfie”

Beyoncé y familia visitan El Louvre

Fuente: El Mundo.

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¿Por qué atacar precisamente los museos?

Barcelona, 27 de julio de 2159 (12:10 pm). Primeras imágenes en vivo del momento en que las masas atacan los museos de la ciudad. La guerra durará 1 semana.

Judit Carrera, “Cels y la explosión de los museos”, El País.

La Biblioteca de Catalunya presenta estos días una recomendable obra del dramaturgo libanés Wajdi Mouawad. Dirigida por Oriol Broggi, Cels narra la historia de una célula de inteligencia que lleva meses intentando prevenir un atentado terrorista a escala internacional. El equipo trabaja conectado con células de todo el mundo para descifrar multitud de mensajes inconexos que apuntan a un ataque inminente en el corazón de Occidente. Como en otros trabajos de Mouawad, el texto, que habla de violencia, de poesía y de la ambivalencia de la condición humana, tiene el valor de plantear algunas preguntas eternas pero también cuestiones de gran actualidad, como la vigilancia electrónica o el terrorismo internacional.

Lo sorprendente, y disculpen que desvele el final de la trama, es que tras barajar la pista islamista y los grupos anarquistas, se descubre que es una red de jóvenes sin ningún tipo de conexión religiosa o política la que acaba haciendo explotar los principales museos de algunas ciudades de los países más ricos del mundo.

El ataque es la respuesta del desasosiego de una generación que se rebela contra la violencia y la injusticia del mundo y que quiere dar voz a las juventudes sacrificadas en todas las guerras del siglo XX. Es una crítica a la historia de un siglo manchado de sangre, pero también un grito de desesperación por la muerte de jóvenes en guerras causadas por sus padres. “Todo hombre que mata a un hombre es un hijo que mata a un hijo”, dice Mouawad. Al rechazo del legado histórico y político se une pues la lucha generacional. Y es una paradoja, porque los jóvenes utilizan la muerte en los museos para entonar un canto a la vida y a favor de que los hijos nunca mueran antes que sus padres.

Entendida la rabia y el malestar de esta generación, ¿por qué atacar precisamente los museos? ¿No se suponía que el arte y la cultura tenían el poder de emanciparnos del horror? ¿No es contradictorio atentar contra unas instituciones que podrían salvar al mundo a través de la cultura y la educación?

La respuesta más evidente es que los jóvenes atacan los museos porque estos contienen los valores de la civilización con la que están disconformes. Las pinacotecas serían un símbolo, la traducción artística de los principios de la sociedad que les rige, la fotografía de la historia y del presente que quieren combatir.

Atentar contra los museos también equivale a pensar que la cultura ha sido incapaz de dotar de sentido a la experiencia humana. Si la cultura ha sido inútil para evitar la barbarie y no ha conseguido calmar nuestros espíritus, parecen decir estos jóvenes, ataquémosla y empecemos de nuevo. La paradoja es que utilizan un cuadro de Tintoretto para urdir el atentado, pero esa es la forma de Mouawad de inculcarnos que la condición humana es contradictoria por naturaleza.

La crítica también va dirigida a la sacralización de la alta cultura y a la existencia de grandes panteones que encierran la creatividad entre cuatro paredes, lo cual no es más que una queja por la falta de apertura de las instituciones culturales y sus dificultades para evolucionar, ser inclusivas y asumir la porosidad con su contexto.

Durante los años noventa, este tipo de museo renació con fuerza en todo el mundo por su conjunción con arquitectos estrella, y muchas ciudades aspiraron a tener un edificio emblemático sin preocuparse demasiado por su entorno urbano ni por su proyecto museístico. Tener equipamientos paralizados en el tiempo o cerrados sobre sí mismos es tan peligroso como disponer de museos vacíos de sentido.

Sin embargo, la explosión de los museos en Cels presupone dos principios que están hoy bajo intensa discusión. ¿Son los museos realmente tan centrales en la representación de los valores de la sociedad como para merecer ser objeto de un ataque terrorista? A excepción de las grandes colecciones artísticas del mundo, ¿hasta qué punto los museos no han perdido su capacidad para reflejar las tensiones culturales de su entorno y para encarnar los principios de representación, libertad e igualdad en el acceso a la cultura que tenían asignados?

Esta pérdida de centralidad tiene mucho que ver con la crisis de la educación, la tendencia a la festivalización de la cultura y la irrupción de las nuevas tecnologías, que ha difuminado los muros del museo y le ha quitado la exclusiva de la prescripción para convertirlo en un elemento más de un engranaje más complejo, participativo y plural.

El otro principio de Cels hoy en cuestión es el debate sobre la utilidad de la cultura. Si atentan contra los museos por inútiles, ¿no será que el problema está mal formulado y la pregunta sobre la cultura no pasa nunca por su eficacia y utilidad? Un mejor criterio de análisis sería la capacidad de los museos de revelar las ambivalencias de la condición humana y de confirmar, como hace Cels, que cultura y barbarie están íntimamente relacionadas.

Los museos en la era del “selfie”

Fuente: El País

La Mona Lisa, en el Museo del Louvre en París, es seguramente la imagen más famosa del mundo junto a la creación de Adán (el dedo de Dios) en la Capilla Sixtina. Estas dos obras maestras del Renacimiento, de Leonardo da Vinci y Miguel Ángel, tienen un valor simbólico que va mucho más allá del arte; pero comparten el mismo problema: el exceso de visitantes. La sala de la Gioconda vive sumergida en un constante marasmo, llena de turistas que dan la espalda al cuadro mientras se hacen selfies en medio del rumor constante de la multitud, y en la capilla donde se eligen los papas se apelotonan, en cualquier momento del día en el que estén abiertos los Museos Vaticanos, unas 2.000 personas (recibe en total unos 22.000 turistas cada día). “El problema del 99% de los museos del mundo es el contrario, que tienen pocas visitas”, explica Luis Alfredo Grau Lobo, director del Museo de León y presidente de la sección española de Consejo Internacional de Museos (ICOM, en sus siglas en inglés). “El exceso de visitantes afecta a muy pocos museos y, dentro de esos museos, a muy pocas salas. Pero todo el mundo ha estado ante la Mona Lisa y nadie ha logrado ver el cuadro en las condiciones adecuadas para contemplar una obra de arte”. Las avalanchas se concentran en pocas ciudades –París, Londres, Roma, Florencia, Nueva York– aunque llegaron a Madrid el año pasado con la exposición de Dalí en el Reina Sofía, la cuarta más visitada del mundo (732.000 personas / 6.615 al día), según la lista que cada verano elabora la revista The Art Newspaper, que sitúa al Reina en el puesto duodécimo de los más visitados (3,18 millones). El Gobierno francés anunció esta semana que tiene la intención de que en 2015 el Louvre –el museo más concurrido del mundo, con 9,3 millones de visitantes en 2013– abra 362 días al año siete días a la semana “para mejorar la accesibilidad de las obras y mejorar la acogida del público”. Los Museos Vaticanos, por otro lado, tienen previsto poner en funcionamiento en las próximas semanas un nuevo sistema de ventilación en la Capilla Sixtina para garantizar su conservación en medio de las masas. “En España no hemos llegado a ese punto tan dramático”, explica Miguel Zugaza, director del Museo del Prado, que recibió en 2013 2,3 millones de visitantes. “Se trata de obras icónicas, que reciben una enorme atención. Es una especie de perversión del fanatismo de las visitas”, agrega. Según la lista de The Art Newspaper, después del Louvre, que ocupa de lejos el primer lugar, los museos más visitados del mundo son el Museo Británico (Londres, 6,7 millones); Metropolitan Museum of Art (Nueva York, 6,2 millones); National Gallery (Londres, 6,3 millones), Museos Vaticanos (Roma, 5,4 millones); Tate Moderm (Londres, 4,8 millones); National Palace Museum (Tapei, 4,5 millones); National Gallery of Art (Washington DC, 4 millones); Centre Pompidou (París, 3,7 millones) y el Musée d’Orsay (París, 3,5 millones). Como ocurre con todos los problemas que genera el turismo masivo, no es algo que tenga fácil solución, ni desde el punto vista ético, ni desde el punto de vista económico. Como explica la profesora de Museología de la Universidad Complutense de Madrid, Francisca Hernández, “el patrimonio lo hemos heredado y tenemos que legarlo, por lo que nuestro deber es la conservación, pero también tenemos que disfrutarlo”. “Es difícil”, añade. “No se puede admitir a tanta gente, pero a la vez es lógico que todo el mundo quiera ver las obras de arte”. Manuel Borja-Villel, director del Reina Sofía de Madrid, está convencido de que es un problema que tiene solución: “La creciente popularización que han sufrido los museos ha provocado un efecto negativo: que el éxito de estas instituciones se mida únicamente a través de sus cifras. Pero también somos conscientes de que supone una oportunidad y un reto. Nunca antes la cultura había sido tan popular. Los museos son lugares de encuentro, espacios de relación. Debemos tratar de garantizar el acceso al arte y la cultura al mayor número de personas y tenemos que ser capaces también de crear mecanismos que regulen los flujos de público y que posibiliten a los visitantes hacer suyas las narraciones que el museo propone”. No es fácil negar la visita o establecer cuotas cerradas para restringir el número de personas en cada sala –como hace la galería Borghese en Roma, por ejemplo, o hizo el Reina Sofía durante la exposición de Dalí–, máxime a turistas que vienen en algunos casos del otro lado del mundo (el 13,3% de los visitantes del Louvre son de EEUU, el 4,1% de Japón y el 3,8% de China, según datos de la propia institución). Y también está el asunto económico. En el caso del gran museo parisino, la entrada cuesta 12 euros (16 si se incluyen las exposiciones temporales), más los gastos que se puedan generar en las tiendas o bares (más que posibles durante una visita que dura de media dos horas cuarenta y dos minutos). Todo eso multiplicado por 9,3 millones es mucho dinero. La portavoz del Louvre, Christine Cuny, indicó que el museo ha puesto en marcha un proyecto de reforma de la famosa pirámide de entrada: cuando se inauguró estaba previsto que fuese utilizada como máximo por cuatro millones de visitantes. “La reorganización de los accesos bajo la pirámide aportará soluciones para mejorar la calidad de la visita”, asegura la memoria de este proyecto, presentado en septiembre. Las obras empezarán este mismo trimestre y se prolongarán hasta 2017. “El gran problema es que hay algunos museos masificados y otros vacíos”, prosigue la profesora Hernández. “En todos los países está ocurriendo lo mismo. Existen pequeños museos a los que no va nadie y luego hay macromuseos que están llenos. Pero muchas veces no hay pedagogía, es el cuadro por el cuadro”. Las cámaras de los teléfonos móviles no hacen más que añadir una nota absurda al caos, porque miles de visitantes dan la espalda al cuadro que en teoría han ido a ver para fotografiarse con él. En el Prado, explica Miguel Zugaza, se prohíben las fotos para mejorar la calidad de la visita. En los museos británicos o franceses, las fotos están permitidas aunque empiezan a surgir voces en contra. Peter Bazalgette, presidente del Arts Council del Reino Unido, hizo recientemente una propuesta: que al igual que se han establecido vagones silenciosos en los trenes, se decreten horas libres de selfiesen las galerías. “Permitamos la fotografía, pero que cada sala tenga una hora al día libre de fotos”, afirmó en una conferencia en la que defendió que el público comparta imágenes de obras de arte “tanto como sea posible”, pero dejando algún oasis de tranquilidad. “No somos muy partidarios de las prohibiciones”, señala por su parte Borja-Villel. “Los museos deben adaptarse a las nuevas dinámicas de la sociedad, en este caso a las nuevas modas que las tecnologías generan. Creemos que lo verdaderamente importante es sensibilizar a los visitantes sobre la importancia de respetar a las demás personas que están visitando el museo”. Establecer un régimen de visitas pautadas tampoco garantiza una solución al problema. La galería de los Uffizi, la pinacoteca florentina que alberga una de las colecciones de cuadros más importantes del mundo, tiene un sistema de venta de entradas por hora, gestionada a través de una empresa privada. Sin embargo, una vez dentro, la visita es un calvario de calor y multitudes. El problema es que es un edificio que no está preparado para ser un museo, ni mucho menos para permitir que se muevan masas en sus pasillos y salas. El profesor de historia del arte y ensayista italiano Tomaso Montanari propone en su libro Las piedras y pueblo una solución drástica: llevarse los Uffizi a las afueras de Florencia. “Es un museo que podría ser todo lo que Uffizi nunca será en el magnífico edificio de Giorgio Vasari”, afirma en conversación por mail. “Podría tener un gran auditorio, una parte dedicada a los niños. Podría ser un museo para los ciudadanos, para su vida diaria y su futuro, no una máquina de hacer dinero para turistas”. ¿Existe un debate sobre este creciente problema al igual que ocurre con el turismo masivo? “No, por desgracia no”, afirma Montanari. “No existen todavía estudios serios sobre este asunto”, asegura por su parte Francisca Hernández. Gaël de Guichen, uno de los grandes expertos mundiales en conservación que actualmente dirige una investigación sobre la viabilidad de visitar Altamira, explica: “No basta con que vean las obras de arte. Los visitantes deben salir enriquecidos. Ahí está la clave”. De Guichen relata que, hace años, conversaba con un antiguo director de los Museos Vaticanos que le explicó que le gustaría tener un restaurante y hacer pasar por la báscula a los clientes después de comer y comprobar si habían ganado peso. “Me explicó que le gustaría tener una báscula así en el museo, comprobar si las personas habían cambiado, si se habían enriquecido”, relata De Guichen. La pregunta es si esto es posible en medio de las multitudes y de los selfies.

Crowd control at Tate Modern (2008), de Tania Bruguera

Esta pieza de Tania Bruguera tiene sin duda que ver con nuestro asunto: “Crowd control at Tate Modern” (2008).

Convierte tu casa en un museo con una impresora 3D

Fósiles de ballena, el esqueleto de un mamut o un Tyrannosaurus rex son algunas de las digitalizaciones que ha llevado a cabo el Instituto Smithsonian para que investigadores y curiosos se acerquen de una forma novedosa a la paleontología. Las esculturas más famosas del mundo también pueden imprimirse en 3D gracias a Cosmo Wenman, un artista que promueve la democratización de los museos. ¿Será nuestro salón un nuevo templo del arte?

El ser humano tiene deseos absurdos, como el que nos obliga a tocar todo irracionalmente. En los museos, nos estorban las cintas de seguridad y las vitrinas que nos separan de las obras de arte. Nos molesta no poder fotografiar algunos monumentos. Nos enfadamos cuando no podemos hacernos un ‘selfie’ para captar nuestra estúpida sonrisa al lado de las esculturas más famosas de la historia. Con una impresora 3D, podemos cumplir gran parte de ese sueño posesivo.

Ver más en eldiario.es

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Tableau vivant: Una escena de la película “Silení”, de Jan Svankmajer.

Una escena de la excelente película “Silení” (2005), de Jan Svankmajer, autor de algunas de las películas más táctiles de la historia del cine. Podríamos haber incluido otras escenas de la misma, pero hemos preferido ésta del cuadro viviente. Hacia el minuto 2.30 se entiende por qué.

Sileni de Jan Svankmajer. Escena del “tableau vivant” from Felix Perez-Hita on Vimeo.

Hace poco finalizó la excelente exposición METAMORFOSIS en el CCCB de Barcelona, dedicada a Svankmajer, Starewitch y los Hermanos Quay, comisariada por Carolina López. Estará hasta el 11 de enero en La Casa Encendida de Madrid.

Más información sobre la exposición:

METAMORFOSIS // Jan Švankmajer sobre els objectes i l’animació

EXPOSICIÓ // Reportatge // Metamorfosis. Visions fantàstiques de Starewitch, Švankmajer i els germans Quay

ENTREVISTA // Carolina López, comissària de l’exposició “Metamorfosis” (V.O ES).

El País: Gabinete de maravillas con los maestros de la animación en el CCCB.

Vitrina con objetos de la colección de Svankmajer.

Ataque a una estatua de Jordi Pujol

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Nota (30 septiembre de 2014): Después la desalojaron de su pedestal (ver noticia)

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Sobre lo nuevo y el museo (Boris Groys)

Fragmentos de “Sobre lo nuevo”, de Boris Groys (Antología, Traducción de Saúl Villa, COCOM, México, 2013).

Desde luego, esta interpretación de lo nuevo, lo real y viviente contradice una convicción muy arraigada que encontramos en muchos textos de la vanguardia temprana, a saber, que el camino hacia la vida sólo puede ser abierto por la destrucción del museo mediante la aniquilación y la supresión extática y radical del pasado que se interpone entre nosotros y nuestro presente. Esta visión de lo nuevo es expresada poderosamente, por ejemplo, en un corto pero importante texto de Kazimir Malevich: Sobre el museo (1919). En aquel momento, el nuevo gobierno soviético temía que los viejos museos y colecciones de arte fueran destruidos por la guerra civil y el colapso general de las instituciones estatales y la economía; el Partido Comunista respondió tratando de salvar estas colecciones. En su texto, Malevich protestó contra esta política pro-museo del poder soviético haciendo un llamado al Estado a no intervenir para salvaguardar las colecciones porque su destrucción abriría el camino al verdadero arte vivo. Escribió: “La vida sabe lo que hace, y si está tratando de destruir, uno no debe interferir, porque así obstaculizaremos el camino a una nueva concepción de la vida que ha nacido en nosotros. Al incinerar un cuerpo obtenemos un gramo de polvo: del mismo modo, miles de tumbas podrían ser acomodadas en un solo estante del farmacéutico. Podemos hacer una concesión a los conservadores invitándoles a quemar todas las épocas pasadas, teniendo en cuenta que ya están muertas, y a organizar una farmacia”. Más tarde, Malevich da un ejemplo concreto de lo que quiere decir: “El fin (de esta farmacia) será el mismo, incluso si la gente examina el polvo de Rubens y todo su arte –una masa de ideas surgirá en la gente y serán con frecuencia más vivas que la misma representación (y ocuparán menos espacio)–. (pp. 12-13)

Nota de NTPF: Es sugerente la relación que se establece entre estas ideas de Malevitch y los textos del anarquista Felipe Alaiz acerca de los efectos de la quema de iglesias barrocas durante los años treinta en España. Alaiz, director en Sevilla del semanario ácrata Solidaridad Obrera, esbozó en 1936 la relación evidente de la iconoclastia anticlerical con la muerte de Dios -un dios que no sólo es el supremo ser metafísico sino que simboliza todos los ordenes de lo establecido, a saber, Estado, Capital e Iglesia-: “El barroco es el estilo artístico que mejor se quema. Estilísticamente no pierde ninguna de sus características propias. Si en Cataluña hemos observado una concordancia entre la ruina misma y su pasado gótico flamígero, en el barroco sevillano son las mismas brasas las que se corresponden con tan magnifico estilo. Si bajo el reinado de dios los altares exultaban de oro, brillantes y especulares, retorcidos en salomónicas columnas, abrumando a la vista con su complejidad compositiva, ahora, tras su muerte y desaparición, la madera calcinada, el grafito vidrioso, la brasa apagándose, el amontonamiento de vigas y enseres con sus líneas quebradas y sus imposibles ángulos nos devuelven este estilo en todo su esplendor”.  Sobre estas cuestiones ver la exposición El d_efecto barroco. Políticas de la imagen hispana (CCCB, 2010), el libro La memoria administrada. El barroco y lo hispano (Katz, 2011), y especialmente el trabajo de Pedro G. Romero en el Archivo FX.

Sin embargo, el desarrollo acelerado de la institución del museo que hemos atestiguado en décadas recientes, sobre todo el museo de arte contemporáneo, ha sido paralelo a la disolución de las discrepancias visibles entre la obra de arte y el objeto profano, una disolución sistemáticamente perpetrada por las vanguardias del siglo XX, particularmente desde los años sesenta. Mientras menos difiera visualmente una obra de arte de un objeto profano, más necesario se vuelve marcar una clara distinción entre el contexto de arte y el contexto no museológico, cotidiano, y profano de su ocurrencia. Cuando una obra de arte se ve como una cosa normal es que requiere de la contextualización y protección del museo. La función conservadora del museo también es importante para el arte tradicional que destaca en un ambiente cotidiano, ya que lo protege de la destrucción física. En cuanto a la recepción de este arte, sin embargo, el museo es superfluo, si no perjudicial: el contraste entre el trabajo individual y su ambiente profano y cotidiano –el contraste a través del cual el trabajo se realiza– se pierde mayormente en el museo. A la inversa, la obra de arte que no se distingue con suficiente claridad de su ambiente sólo es verdaderamente perceptible en el museo. Las estrategias de la vanguardia, entendidas como la eliminación de la diferencia visual entre la obra de arte y la cosa profana, llevan directamente a la construcción y el apuntalamiento de los museos, garantes institucionales de esta diferencia. (pp. 19-20)

La obra de arte vive más y conserva más tiempo su forma original en un museo de lo que un objeto común lo hace en la realidad. Es por eso que una cosa común se ve más viva y más real en el museo que en la realidad misma. (p. 23)

De esta manera, al colocar obras de arte existentes en nuevos contextos, cambios en la exhibición de las obras de arte pueden causar una diferencia en su recepción, sin haber tenido que cambiar nada de la forma visual de la obra de arte. (p. 27)

La diferencia entre las estrategias de arte modernas y contemporáneas es, por lo tanto, relativamente fácil de describir. En la tradición moderna, el contexto del arte se consideraba estable –era el contexto idealizado del museo universal–. La innovación consistía en colocar una nueva forma y una cosa nueva en este contexto estable. En nuestro tiempo, el contexto se considera como cambiante e inestable. Así que la estrategia del arte contemporáneo consiste en crear un contexto específico que puede hacer que una cosa o forma se vea como otra, nueva o interesante; incluso si esta forma ha sido coleccionada previamente. (p. 28)

The Exhibitionary Complex, by Tony Bennett

Tony Bennett, “The Exhibitionary Complex”, 1996.

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La estatua del Presidente mexicano Miguel Alemán

Estatua del Presidente mexicano Miguel Alemán (1946-1952), promotor de la Ciudad Universitaria en el DF. Estado del monumento antes y después de los incidentes estudiantiles de 1960. Alemán está representado con las ropas de Rector.

Fotografías de Enrique Bordes Mangel, 1960.

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El templo

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Destrucción de un orden

En el Museo Universitario de Arte Contemporáneo (Ciudad de México).

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Las líneas de oro

Casa de los Montejo (Mérida, México).

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